J'attendrai es una de las canciones francesas por excelencia. Aunque su origen es italiano, Tornerai, compuesta en 1933 e inspirada en el Coro A Bocca Chiusa de la ópera Madame Butterfly de Puccini. La primera grabación en francés fue por una italiana afincada en Francia, Rina Kettty, en 1938. Llegó a ser la gran canción francesa durante la 2ª Guerra Mundial. Homóloga a Lili Marlene de Lale Andersen en Alemania y de We'll meet again de Vera Lynn en Gran Bretaña.
Se tradujo tambien al aleman "Komm zurück" y, no se sabe por qué razón, las versiones más melancólicas y sensitivas del verano del 39 fueron grabadas por orquestas de baile alemanas. Quizá, la calma y dulzura de esta pieza era la despedida a la mejor parte del alma alemana, justo pocos meses antes de que, la peor parte, empezara la mayor catástrofe de la historia.
Cómo es lógico no hay videos en vivo de las primeras versiones pero aquí tenemos algo que puede poner en situación. Me encanta ese sonido de las grabaciones antiguas y me encanta esta canción de tantos años.
Y buscando, encuentro este dúo de Charles Aznavour y Amel Brent en 2014, que resulta tierno al escuchar y ver a éste genial artista que nos acompañó desde niños y aún sigue.
Y a continuación el origen inspirador de la canción en el coro de Madame Butterfly, A Bocca Chiusa.
Escuchando esto me ha venido a la cabeza, quizá por la asociación “mayo del 68” - “Francia” - “Canción francesa” = Les feuilles mortes,un monumento de canción. Un tema conocido por todos e interpretado por muchos. En Francia la han hecho suya, entre otros, EdithPiaf, Juliette Gréco, Charles Aznavour, Dalida o François Hardy. En el mundo anglosajón, rebautizada como Autumn leaves, Sinatra, Doris Day, BarbraStreisand, Nat King cole, Ute Lemper, Chet Baker, Miles Davis o EricClapton e Iggy Pop.
El equipo formado por Kosma, Prevert y el director Marcel Carné llevaba ya algunos años produciendo grandes trabajos cuando en 1946 dio a luz la película Las puertas de la noche. No se cuenta entre las grandes obras de su autor y tampoco gozó de demasiado éxito comercial. Quizá su mayor valor resida en que en una de sus escenas suena por primera vez la melodía pegadiza de Les feuilles mortes cantada por Yves Montand.
Y ahora, ya 1963, recitada y cantada por Yves Montand.
Y, claro, si encuentro a Françoise Hardy cantando esto, aunque sea a ritmo de cha-cha-chá, lo pongo. Françoise Hardy, siempre.
Born to lose compuesta en 1942 tuvo gran éxito ya entonces y en 1962 con Ray Charles alcanzó a ser disco de platino. Es una clásica del country junto con la siguiente y quizá, las dos, alcanzaron su cumbre cuando Ray Charles grabó el LP Modern Sounds in Country & Western Music. De las dos se han hecho centenares de versiones y hasta he encontrado una con Elton John y Leonard Cohen haciendo un dueto. No he encontrado versión de Ray Charles en vivo y la de Dean Martin siempre viene bien.
Take these chains es de uno de los grandes del country, Hank Williams, que la grabó en Nashvillle en su última sesión de grabación y que murió 3 meses después, la Nochevieja del 52, alcanzando inmediatamente el nº 1. Aquí lo tenemos en la versión más conocida con Ray Charles.
Son dos temas que en cuanto empiezan a sonar, vas acompañando sin darte cuenta, por lo menos yo, que los conozco bastante.
Cambiando rudamente de estilo voy a 1955 con el napolitano Renato Carosone que cambió el rumbo de la música europea al prescindir de la orquesta y formar un pequeño grupo, ‘complesso’ en italiano, con el cual cuatro o cinco amigos eran autosuficientes para cantar y acompañarse. Surgieron muchos imitadores, pero nadie superó su extraordinario repertorio de canciones inolvidables: “Maruzzella”, “La pansé”, “Piccolisima serenata”, “Ricordate Marcellino” o “Bambino” que siguen en la memoria de todos.
La canción La pansè de1955 fue censurada en todas las radios y en la recién nacida televisión. También muchos locales públicos expusieron un aviso que decía: “En este local no se ejecutan temas como La Pansè, ni otras trivialidades”.
La canción está llena de dobles sentidos. La “pansé” en italiano es la flor que nosotros llamamos “pensamiento” pero, además de la asonancia entre “pansé (pensamiento)” y “pancia (panza)”, lo que escandalizó la opinión pública fue la frase repetida varias veces: “Me la dai?” (literalmente: ¿me la das?).
“Me l’ha data” es una expresión poco elegante para decir “he tenido sexo con ella”. De la misma manera, decir “me la dai?” sería como hacer una propuesta sexual (muy poco fina) a una mujer.
Carosone repite varias veces esta frase pero al final añade “tu pansé (tu pensamiento)” como para decir que lo que quiere es que le dé su flor y nada más. La panse' está compuesta un poco antes que Ricordate Marcellino y, en ésta última, se reconocen cantidad de acordes iguales. Se ve que como funcionaba lo aprovechó,
Grupo pionero de beat de Liverpool, uno de los nombres clave de la Invasión Británica. Adelantados en el sonido folk-rock (fueron de los primeros en utilizar la guitarra de 12 cuerdas) y una de las pocas bandas que competieron seriamente con el liderazgo de los Beatles a comienzos de la década de los 60.
The Searchers (tomaron su nombre original de la película de John Ford “Centauros Del Desierto”) y se formaron a finales de los años 50. Ya hacia el final de su carrera, en 1965, grabaron esta canción que a mi me gustó Goodbye my love. El video no es de la época, como se ve rápidamente por los pelos y ropa, sino de 1973.
The Seekers,grupo australiano que fue el primero de música pop en lograr una importante posición de ventas y el éxito en el Reino Unido y los Estados Unidos. Promocionado por la radio pirata Radio Caroline, emisora de muy grato recuerdo para mí y, supongo, para cantidad de oyentes que la sintonizábamos para escuchar una música que tardaba en llegar a España y estaba instalada en un barco en aguas internacionales .
La estupenda voz de soprano de la cantante Judith Durham, las muy buenas armonías, memorables canciones, y agradable imagen alentó a la BBC para darles empuje para una gran audiencia pop.
Y el título coincidía con lo que uno pensaba de su chica cuando uno estaba recién enamorado en 1965,I'll Never Find Another You.
A mediados de los 60's, a pesar de la explosión del pop y el rock inglés (Beatles, Stones, The Who, Kinks, y tantos otros) que sacudía entero el planeta Tierra, la BBC tan sólo emitía dos horas de aquella música a la semana. Esa cortedad de miras provocó la proliferación de radios piratas (sin licencia, ilegales o alegales) emitiendo durante todo el día aquella deliciosa música infernal y llevándose de calle la audiencia, niños, jóvenes y mayores de toda clase social y condición. La legendaria Radio Caroline es la más famosa e inspiración de la deliciosa película The Boat that Rocked o Radio Encubierta (en España). Emitían desde un barco anclado en aguas internacionales de Inglaterra. Otra de las muy conocidas emisoras alegales fue Radio Luxembourg que también nos acompañó muchas horas en aquellos años.
Estas canciones pop son una muestra de lo que se escuchaba allí.
Little Man de Sonny & Cher de 1966 llegó a ser el mayor éxito del dúo desde I got you babe sobre todo en Europa debido a su acompañamiento de aires griegos y gitanos y, también, gracias a la gran difusión que hizo Radio Caroline y que siempre me trae el recuerdo de escucharla en la terraza de casa, por la noche, estudiando con un amigo y viendo las ventanas de la casa de mi novia.
De las mismas fechas es Yesterday man de Chris Andrews en 1965 que se escucha en The Boat That Rocked, peli con una excelente banda sonora muy de mi gusto. Aquí el director del video no se complicó en nada.
Lo que hace a Frank Sinatra mucho mejor que otros cantantes, en el pasado y presente, es no sólo su gran habilidad vocal sino la expresión en su rostro. Siempre con una sonrisa, parece que disfrutaba cantando, en contraste con los cantantes actuales que parecen tener una expresión dolorida o agónica.
Le dices a un joven ahora que Dean Martin es uno de tus cantantes preferidos y te dirá Y quien es ese?. Qué contestas? O te vas o le enseñas un video de estos. Y si tiene algo de sensibilidad tiene que entrarle.
Ver a Dean Martin y sonreir es todo uno. Canta extraordinario y desborda simpatía; vamos, que te alegra el día. Frank cantaba mejor aún aunque no inspiraba esa empatía, era más perfeccionista y se lo tomaba más en serio pero no todo en la vida es ir de perfecto. Y cosa curiosa, Dean era más serio que Frank, no era un bala perdida como parece en sus actuaciones. Tras su ruptura con Jerry Lewis, después de 10 años actuando juntos, se inventó el personaje de borrachin divertido siempre con un vaso de whisky (en realidad, zumo de naranja) y un cigarrillo, que éste si le llegó a costar caro. Sinatra planeaba cada sesión como si fuera el desembarco de Normandía, exigiendo la mayor calidad de los arreglos, músicos y canciones. Martin, por contraste, aparece en el momento del show, canta lo que hay que cantar y se marcha a jugar al golf.
Martin poseía una de las voces más ricas y más seductoras de su generación, acompañada de una muy buena presencia física. De los cantantes americanos de esos días, sólo Nat King Cole tenía una más serena y confortable manera de articular las notas. Incluso Sinatra no podía alcanzar esa calmante resonancia en los tonos bajos.
La presencia de Dean Martin en el escenario era insuperable. Pocas veces se ve un intérprete más relajado y ecuánime frente a una audiencia. Irradiaba una tipo de encanto y carisma que otras estrellas mucho más brillantes no han alcanzado. Elvis Presley dijo una vez a la hija de Dean Martin, “Me llaman el Rey del Rock & Roll, pero tu padre es el Rey del Cool”. Al ver sus pelis y actuaciones muchos se dirán que cómo es que fumaban y bebían actuando.. Pero si hasta los médicos fumaban en las habitaciones de los enfermos, como podemos ver en las pelis de esos años..... Además de escuchar unas canciones maravillosas, unos standars como la copa de un pino (grande), les acompaña siempre una orquestación impresionante.
Antes de ser editado en 1936 el tango Nostalgias ya era un éxito. A diferencia de otros poemas, el mejor momento de Nostalgias está al final, cuando el personaje dice a modo de despedida: “Quiero emborrachar mi corazón, para poder así brindar por los fracasos del amor”. Ese verso es sublime y terrible. “Brindar por los fracasos del amor”. Toda una filosofía existencial está condensada en seis palabras. El brindis convencional es un momento de alegría, de paz o de satisfacción. Aquí se brinda por la derrota, por el dolor, por el fracaso disimulado entre las luces, las risas, las caricias y los besos. Y, por supuesto, la nostalgia, la nostalgia de un amor perdido, de un amor que duele y lastima.
Este tango es una verdadera emboscada para los cantores improvisados. Está considerado uno de los más difíciles de cantar. La emboscada está tendida a lo largo de todo el poema, pero el momento más peligroso se produce en los dos últimos versos del estribillo. Concretamente cuando dice “Desde mi triste soledad veré caer las rosas muertas de mi juventud”. Hace falta tener un muy buen registro y extensión de voz, porque en ese tramo varían los compases y se complica la toma de aire.
La primera vez que tengo constancia de haberlo oído es en 1982, poco después de la grabación de Iva Zanicchi en el 81, me pareció perfecto y me alcanzó de lleno. La letra y la música me tocaban y siempre recordaré las circunstancias de ello. También tuve la ocasión de verla en directo, algún tiempo después, en un Festival de Peralada.
Iva Zanicchi - 1987
Es curioso como canciones muy conocidas desde hace muchos años, no nos llegan o si las oímos no nos entran hasta que, en un momento dado, estamos preparados para ello. La escuchas, te llega, lo comentas, y tu madre te dice que, por supuesto, es un tango conocidísimo. Más tarde escuché la versión de Calamaro, mucho más argentina, aunque no tiene mucho de tango.
Calamaro - 2006
José María Contursi dedicó en 1941 este tango, En esta tarde gris, a un amor apasionado al que debió renunciar por las obligaciones de la vida (estaba casado). Volvió a su matrimonio dejando atrás este romance, aunque el dolor y remordimiento por este abandono lo siguieron toda su vida. Pasados unos años enviuda, “la otra” es abandonada por su esposo y pueden reencontrarse. Vivieron ya juntos hasta el fin de sus días.
Éste tango lo escuché por primera vez por Los 5 Latinos a mediados de los 60 y ya me gustó.
Bailar esto es una gozada y verlo bailar es fascinante. Ese juego de pies. Ese abrazo. Esos movimientos…me encantan. Poder bailar así y con la chica que quieres ya tiene que ser un orgasmo. La orquesta es la de Aníbal Troilo y canta Francisco Fiorentino.
Más tarde se lo escuché a Martirio y continuó gustándome también aflamencado.
Martirio 1999
Posteriormente me llegó la versión de Malevaje, típicamente tango.
Malevaje - 1986
Y finalmente he encontrado, ayer mismo, un dúo de dos tíos que son impresionantes. Miguel Poveda me parece un cantante extraordinario. Lo he visto en directo y deja boquiabierto. Y el otro, Rafael, aunque me gusta menos, considero que es un monstruo del espectáculo. Aquí, como es el especial suyo de TVE en la Navidad de 2010, no deja lucirse demasiado a Poveda.
Young at heartes una canción de 1953 cuyo primer intérprete, Frank Sinatra, consiguió vender más de un millón de copias y hacerla muy popular. Justo en aquel momento Sinatra estaba grabando una peli con Doris Day y se añadió a la banda sonora con los títulos de crédito y al final de la película y se cambió el título de la misma por el de la canción. La peli no es ninguna gran cosa salvo por el plantel de actores, pero la canción es una joya que siempre me ha gustado hasta llevarme a buscar la partitura e intentar tocarla con el saxo.
Aquí una versión jazzística con el saxo tenor como voz cantante.
Una voz femenina para esta canción es la de Patti Page, cantante americana de música popular y country. Fue la vocalista principal y mayor vendedora de la década de los 50s, llegando a vender unos 100 millones de discos a lo largo de las seis décadas de su larga carrera.
Y también traigo aquí a un actor, cantante, pianista y humorista
estadounidense, que llegó a ser una de las personalidades más
populares y familiares entre las décadas de 1920 y 1970 gracias a la televisión, Jimmy Durante, poco conocido en España aunque ha intervenido en numerosas películas y sus canciones han sido incluidas en muchas bandas sonoras.
La versión de Bob Dylan del állbum Fallen Angels de 2016 con canciones cantadas anteriormente por Sinatra da gusto oirla y la de Michael Bublé está bien pero… prefiero a Dean Martin que siempre alegra el día.
Pero nadie podría haberlo hecho como lo hizo Tom Waits. Cuando Waits tuvo una opción en su álbum de 2006 Orphans para hacer un cover de una de sus canciones favoritas, solo podía haber una opción; "Young At Heart" de Sinatra.
La versión de Waits se siente como un homenaje genuino a uno de los ídolos de Waits. Es una versión que Waits ha impregnado de whisky y del alma de los Estados Unidos, y es imprescindible para cualquier fan de cualquiera de los artistas.
Considerado un icono de la música country y uno de los más influyentes músicos del siglo XX. Destacado intérprete de la música honky tonk, grabó numerosos éxitos que, junto a sus carismáticas interpretaciones y composiciones, le proporcionaron una gran fama. Murió el 1 de enero de 1953 con 29 años. Qué podría haber hecho si con esa edad había compuesto ya un puñado de enormes canciones? Como muchas de las canciones de Hank Williams, Cold, cold heart es una de las quintaesencia de la canción country de estilo honky-tonk que trasciende el género, y que entró en el Gran Libro de Canciones Americanas casi inmediatamente a su grabación. Hank Williams adaptó la melodía de la canción de T.Texas Tyler "You'll Still Be in My Heart“ de 1945, escrita en 1943 por Ted West. Poco después de que el disco de Hank fuera nº 1 en las lista country de 1951, Tony Bennett grabó una versión pop que también alcanzó el nº 1 de las listas pop vendiendo un millón de copias. Como de costumbre, la voz de Williams es notablemente expresiva, vacilante y rota en los momentos adecuados. El hecho de que repita la palabra “cold” en el título es indicativo del nivel de la emoción desgarradora de la canción; Williams conoce el poder de repetir esta palabra, entendiendo que un sencillo “cold heart” no transmitía la frialdad de la mujer a la que cantaba. En la canción cuenta una buena historia, quizá basada en cosas que se contaban de su mujer, y la letra engancha.
Hace mucho que Bob Dylan cita a Hank Williams como influencia y fuente de inspiración. En sus memorias escribe: "Me di cuenta de que en los temas de Hank estaban las reglas arquetípicas de la composición poética. Las sílabas de sus letras se dividen con precisión matemática. Se puede aprender mucho sobre la importancia de las estructura en la composición de canciones escuchando sus discos”.
Aquí tenemos la única grabación en vivo de Hank Williams con Cold, cold heart en 1952, y no la canta entera, le falta una estrofa, la tercera que dice:
You'll never know how much it hurts to see you sit and cry
You know you need and want my love, yet you're afraid to try
Why do you run and hide from life, to try it just ain't smart
Why can't I free your doubtful mind and melt your cold, cold heart
Es curioso pero, prácticamente, está todo el rato cantando. Solo hay un pequeño momento de música sin voz cuando el solo de la steel guitar.
Jerry Lee Lewis siempre ha hecho canciones y versiones con un estilo particular que siempre me ha agradado. Me gusta esa chulería cantando y tocando el piano, que en éste caso no se como se aclara con el soporte del micrófono entre las manos. Aquí, en una grabación de 1987.
Lucinda Williams ralentiza la canción y su voz se rompe más claramente que en Hank. Es una versión muy diferente y la que más me gusta después que la de Hank Williams.
Lucinda Williams - 2001
Otra versión, reciente como la de Lucinda es la de Norah Jones de 2002, que también es distinta a la original, en un estilo jazzístico, y que me resulta muy agradable además de que su cara es muy simpática.
Die Moritat von Mackie Messer ("El auca de Mackie el Navaja") es una canción compuesta en 1928. La letra es de Bertolt Brecht, y la música de Kurt Weill. Al año siguiente, 1929, la incorporaron a La ópera de los tres centavos ("Die Dreigroschenoper") en la que Lotte Lenya, la esposa de Weill, actuaba en el papel de Jenny. Años más tarde en 1963 tuvo un papel importante en la peli de 007 Desde Rusia con amor.
La acción de la ópera transcurre en la victoriana Londres. Y ésta canción habla sobre un asesino en serie. Pocos días antes del estreno se toparon con un problema. El actor elegido para encarnar a MacHeath, les exigía que escribieran otra canción para presentar a su personaje, ya que resultaba un tipo con demasiado encanto para resultar convincente como el sujeto despreciable en que lo habían convertido.
Para salir del lío, Brecht optó por escribir un Moritat, un tipo de canción medieval que relata un crimen, y que en este caso explicaba al público que se encontraba ante un auténtico hijo de puta con todas las letras. Para seguir la tradición de este tipo de baladas, la interpretaba un cantante callejero.
El poeta escribió la letra en una sola noche, se la dio a Weill por la mañana y éste trajo la música al día siguiente. Constaba de una única melodía, con dieciséis compases, que se repetía una y otra vez. Aquí está la versión de la película que se hizo en 1931.
Si el musical fue un gran éxito, quizá el mayor del género durante la República de Weimar, la canción lo fue aún más. Rara era la noche en que no sonaba en los cabarets de Berlin. Ese ambiente lo hemos podido apreciar en películas como Cabaret y en series como Babylon Berlin.
Cuando los nazis empezaron a dar la nota en Alemania, Weill y Lenya emigraron a Estados Unidos. En 1955 llegó la canción hasta Louis Armstrong, quien se mostró entusiasmado. El productor había pensado que nadie querría cantarla porque la letra era un poco dura, pero al popular trompetista le recordaba "a algunos tipos que había conocido en Nueva Orleans" y quiso cantarla también. En la grabación contó con la presencia de Lotte Lenya y cambió en la letra de la canción el nombre de una de las victimas de Mike The Knife, por el de Lotte Lenya. Las futuras grabaciones que se hicieron de la canción ya incluían este cambio. Aquí tenemos una de las primeras interpretaciones en vivo, en Europa, ya que la grabación del disco en USA fue un par de días antes del viaje para la gira europea.
En la versión de Sinatra, éste quita el nombre de Lotte Lenya y añade el de Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, y otros muchos más. Va diciendo todos los que han contribuido a hacerla famosa así como la orquesta que le acompaña – Quincy Jones – y que, en todo, caso, no añade nada a la de los anteriores. Y reconoce que la versión definitiva es la de Bobby Darin.
En 1959 fue Bobby Darin quien la llevó al nº 1 y la hizo suya.
En 1978 Rubén Blades le hizo un homenaje con "Pedro Navaja", canción que popularizó al año siguiente la Orquesta Platería quienes, en realidad, la dieron a conocer en Barcelona y en toda España. Y cuenta una leyenda que fue un compañero canario de Meteo, que vivía junto a Sisa, quien les dio a conocer la original de Ruben Blades a la Orquesta Platería. Y años más tarde, Ivá fundaría en Barcelona las revistas El Papus y El Jueves y, en ésta, se desarrollaron las aventuras de Makinavaja, otra versión en historietas de la famosa canción.
