Sobre las olas

Iba, esta mañana, haciendo mi andadura acostumbrada y escuchando el iPod cuando ha llegado a mis oídos y, posteriormente, al cerebro, una melodía  que inmediatamente (como la magdalena de Proust)  ha puesto a trabajar por su cuenta las pocas neuronas que quedan ya y me ha transportado a la infancia cuando mi abuela me cantaba esa misma canción.

Todos la hemos escuchado alguna vez. Es un vals que, en un primer momento, lo asocié a la Barcarola de Hoffman, pero seguí dándole vueltas y encontré, entre los recovecos de esas neuronas, un trozo de la letra. No es la letra original pero es la que cantaba mi abuela y supongo que alguien más la recordará así
.

 “Ya se va el vapor, / qué serena se queda la mar/ dentro va mi amor/ que a la Guerra de Cuba se va”.

Y como la cosa no podía quedar así, al llegar a casa me he puesto a buscar y ya tengo la información necesaria para quedarme tranquilo.
La pieza es el vals Sobre las olas, Over the waves o The Loveliest Night Of The Year, el trabajo más conocido del mexicano Juventino Rosas que sigue siendo una de las piezas  Latino Americanas más conocidas en todo el mundo. Fue publicada en 1888 y es un popular vals clásico que ha sido tocado como música en todos los estilos, New Orleans Jazz, country, etc. Ha sonado en películas tanto de James Bond como de Walt Disney. Y a pesar de su éxito, el compositor no ganó nada con ella ya que vendió los derechos por 45$.
En primer lugar vemos y escuchamos la versión clásica de la Orquesta Filarmonica de la Universidad Autónoma de México.

Cambiamos radicalmente de registro para pasar al jazz de los orígenes, el dixieland, uno de los estilos de jazz junto al New Orleans que prefiero sobre los Coltrane y Davis. Es mucho más alegre e intrascendente y muestra una alegría que no encuentro en el free jazz o el cool. A principios del siglo XX hacía versiones como ésta de los Yerba Buena Stompers en 2011.

Finalmente el origen de ésta entrada. Esto es lo que escuchaba ésta mañana yendo desde el RACC a la Facultad de Físicas, Nou Camp y a casa. Moon Mullican, rey de los pianistas de Hillbilly, fue un cantante de country y autor que influyó notablemente en posteriores cantantes de country. Su versión es de 1948.

Moon Mullican - Over the waves 1948

The sound of silence

Banda Expiración de Linares

Aprovechando estas fechas y que estaba con ésta canción, esta interpretación viene muy a cuento. Lo que más me gusta de las procesiones es la música y estos lo hacen muy bien.

Hace 50 años, en 1966, The Sound of silence de Simon & Garfunkel alcanzó el máximo en la revista Billboard, aunque hacía 2 años que la canción fue grabada por primera vez. Que pasó en esos 2 años? Pues que si el productor de Columbia Records no hubiera tomado la iniciativa de ponerle una sección de ritmo de rock a  la producción folk inicial la canción no hubiera llegado a ser una piedra de toque cultural.

The sounds of silence - 1963

En el invierno de 1963-64 Paul llamó a Art y le dijo que  acababa de escribir su mejor canción. A Garfunkel le recordó a The Three Bells (La canción de Jimmy Brown) de The Tokens. "Es verdad", le contestó, pero "Todo está basado en algo en estos días".Se grabó la canción con el título The sounds of silence, pero no tuvo demasiado éxito hasta que al productor se le ocurrió meter una guitarrra eléctrica, batería y un ritmo más adecuado y el 1 de enero de 1966 alcanzó el nº 1 con el título The sound of silence. Una muy pequeña modificación, una "s" pero que llevaba mucho más.
No he encontrado ningún video con la versión segunda ya que siempre que actuaban en directo interpretaban la canción muy semejante a la primera versión acústica y siempre me ha gustado la entrada de la guitarra eléctrica y la batería. Así que aquí va la versión que se hizo más famosa y alcanzó el nº 1. Me harté de escucharla en una máquina de discos de un bar camino de casa a la Escuela de Navales.

The sound of silence - Simon & Garfunkel 1966

Y para comprobar si se parece o no a The Three Bells, aquí está la versión de The Browns que también llegó a nº 1 en 1959, y que recuerdo como algo lejano y agradable que escuché por primera vez cuando tenía poco más de 10 años en casa de mis padrinos, en El Verdolay, y siempre me trae recuerdos de la feliz infancia.

Y la original francesa de 1939, Les Trois cloches, en la versión de Edith Piaf et Les Compagnons de la Chanson. 
La verdad es no le veo mucho parecido con The sound of silence, aunque las dos son preciosas.

La vida y los trenes

Life’s Railway to Heaven más conocida por Life is like a mountain railroad (su primer verso): está escrita un poco ante de 1890 y ha sido una canción favorita entre la comunidad del ferrocarril (en USA). Es una canción religiosa, un gospel en el que se hace referencia, como dice el título, a la vida y al tren.

Miembros de los Escritores del Oeste de America eligieron la canción como una de las Top 100 canciones del Oeste (canciones country) de todos los tiempos.

En 1959, una de las mejores cantantes de country, sino la mejor, Patsy Cline hizo su versión acompañada por The Jordanaires haciendo los coros como lo hicieron con Elvis y tantos otros. La canción ya tiene un ritmo que semeja la marcha de un tren pero es acentuado por los coros con su “chu chum pam pam” . 

 Life is like a mountain railroad - Patsy Cline 1959

White Pass - Yukon Route (Skagway)

Como no podía ser menos, debido a su educación religiosa, Johnny Cash también hizo su versión en 1989, acompañado por amigos, cantantes country famosos, y su familia.

Life's Railway To Heaven - Johnny Cash, Earl Scruggs,Dirt Band

Puro jazz

Si a uno le gusta la música, la buena música, antes o después entra en el jazz. No deja de ser, creo yo la música clásica del siglo XX, de la que deriva el blues, el rock y el pop. No tiene por qué gustar todo el jazz, cómo no toda la música clásica o todo el rock o el pop, pero algo del jazz tiene que tocar la fibra.

Las Navidades de 1959 o 1960 las pasé en Salardú (Valle de Arán) aprendiendo a esquiar. En el albergue había un tocadiscos y algunos discos de Aimable y su acordeón. Uno de ello tenía una pieza que me quedó grabada, mientras que otras no. Esa pieza era Petite Fleur y, más tarde descubrí que era una pieza fundamental del jazz, por supuesto por su compositor Sidney Bechet al saxo soprano. Aunque pongo, como curiosidad y porque me entusiasma Andrea Motis, a ella con 14 años, y Eva Fernández con 15 junto a la St. Andreu Jazz Band, hay que escuchar la original de Bechet sin falta.

Petite Fleur – Andrea Motis, Eva Fernández 2009

Uno de los primeros LP que me compré fue de Louis Armstrong en 1969. En él había muchas piezas que me gustaron mucho pero la que más fue Body and Soul, una canción muy popular y standar del jazz compuesta en 1930. Para algunos, la madre de todas las baladas de jazz,la canción de amor no correspondido por antonomasia y el baremo definitivo para calibrar a los saxofonistas tenores de todos los tiempos. Nadie tenía muy claro en sus inicios por qué la canción tuvo tanto éxito. El compositor reconocía que era un refrito de cosas anteriores; el título era “atrevido”, los locutores de radio no se atrevían a decir el título, por lo de “cuerpo”, pero entró bien.

La primera grabación fue de Louis Armstrong en 1930. La interpretación cumbre parece ser la de Coleman Hawkins de 1940, y cientos de grandes intérpretes han hecho su versión: Benny Goodman, Billie Holiday, Charlie Parker, Coltrane. En 1986, Bertrand Tavernier rodó la película Round Midnight donde el saxofonista tenor Dexter Gordon hacía su interpretación de Body and Soul acompañado por Herbie Hancok al piano, Pierre Michelot al bajo, John Mclaughlin a la guitarra  y Billy Higgins a la batería, y todo ello con una excelente fotografía.  La fotografía buena, pero el director podía haber hecho que de verdad parezca que están tocando. El saxo no mueve nunca la palanca de las octavas y eso es imposible.
Otro empujón de las autoridades sanitarias, que velan por nuestro bien, para favorecer la desaparición de estos lugares es la estúpida prohibición de fumar en estos locales. Cómo se puede uno imaginar un antro de jazz sin una buena copa y el humo de los cigarrillos en el ambiente?. 

Chelsea Bridge es una pieza compuesta en 1941 por Billy Strayhorn compositor y arreglista que acompañó a Duke Ellington muchos años. Ben Webster, saxofonista de la banda de Elllington, fue quien más contribuyó a difundirla, tras grabarla varias veces. Puede resultar extraño que Strayhorn, famoso por cantarle al Tren A de Harlem le dedicase una canción a un puente que cruza el Támesis en Chelsea. Parece que se inspiró en un cuadro de Whistler, Battersea Bridge, aunque otros dicen que fue en un cuadro de Turner (en la cabecera de esta entrada tenemos unas imágenes de estos puentes. El caso es que logró transmitir una atmósfera impresionista igual de brumosa mediante la melodía lánguida.

Ben Webster - 1959

Avec le temps

Cuidado con ésta canción. Hay que escucharla con un espíritu tranquilo, ya que si entiendes la letra y le haces caso, puedes quedar tocado un buen rato.

He aquí una de las canciones más tristes y bonitas, para mí, que recuerdo haber escuchado nunca. Es una composición del poeta y cantante francés Léo Ferré, publicada en 1971. La música es monótona y repetitiva pero acompaña perfectamente a la letra sobre el amor fallido, la fuga de los sentimientos y la trágica experiencia del tiempo que todo lo borra. Está inspirada en la propia vida de Léo Ferré y es una de las canciones francesas más interpretada en el mundo. Yo tuve la ocasión de escuchársela en septiembre de 1980 en el Palau de la Música. Aunque no me gustan los videos con subtítulos, creo que merece la pena entender lo que dice. Hoy día ya casi nadie entiende el francés.

                                                                               Avec le temps–Léo Ferré 1974

Paseando por Youtube encontré esta versión de Jane Birkin y Jane Birkin siempre me gustó y fué un personaje en nuestro tiempo. Ya en 1966 nos asombró en la peli de Antonioni, Blow Up y luego, volvió a sorprendernos en 1969 con Serge Gainsbourg en Je t'aime… moi non plus que había que escuchar cómo y donde se podía ya que estaba prohibida.

Aquí, ya en 1987, Jane Birkin demuestra que estamos ante una canción triste, muy triste. No puede evitar que se le escape alguna lágrima. Y emociona.

Jane Birkin 1987

 La más francesa de las cantantes españolas fue Mari Trini, mi paisana. Y aquí tenemos una muestra.

Mari Trini 1997

Finalmente, en 2001 encontré en un periódico una referencia a un disco grabado en Francia, muy recomendable tanto al que le guste la chanson como el flamenco, y, en realidad para todo el mundo, con el título de Chanson flamenca, donde varios y conocidos cantantes flamencos hacían versiones de canciones clásicas francesas. Allí estaba Avec le temps, Con el tiempo por Montse Cortés. Luego se hizo un espectáculo flamenco en el que ésta canción la cantaba el que lo hace en el video.

Doo-wop 1: armonía vocal

El primer registro en usar las sílabas “doo-wop" fué en 1955 con When You Dance de Turbans que se oye en éste video aunque la imagen no coincide con el sonido. 

 

Durante los años alrededor de la II Guerra Mundial, éxitos grabados por grupos vocales negros como The Ink Spots y The Mills Brothers junto con grupos de espirituales, formaron el precedente más influyente para el genero doo wop. The Ink Spots tuvo una cadena de éxitos entre 1939 y 1940 tanto en USA como en Gran Bretaña, entre los que destacan: If I Didn't Care de 1939. Esta canción de The Ink Spots llegó al 6º puesto de las canciones de todos los tiempos con más de 19 millones de copias.

Address Unknown recientemente usada en el capitulo 1 de la serie "Better Call Saul!" precuela de Breaking Bad. 

 

Por otra parte, The Mills Brothers siguieron su ejemplo en 1943 y 1944 con Paper Doll, aquí en 1967 con Dean Martin haciéndola aún más atractiva. 

Las canciones doo wop tanto tenían ritmos rápidos como lentos. En 1954, los grupos doo-wop llevaron a cabo un papel importante en el nacimiento de la era del rock cuando dos grandes éxitos del R&B interpretados por grupos de armonía vocal (como se llamaba a los de doo wop), "Gee" de The Crows y "Sh-Boom" de The Chords cruzaron a las listas de música pop. Rápidamente otros grupos de R&B entraron en las listas de pop, particularmente en 1955, en que se vio como éxitos de doo-wop como Sincerely de The Moonglows pasaban de una categoría a otra en directo y daban las bases para el posterior soul. 

Earth Angel, es una de las más afamadas y representativas canciones de estilo de armonía vocal estadounidense. Interpretada originariamente por The Penguins en 1954 aquí la tenemos en un momento de la peli Regreso al futuro de 1985.

 

Tears on My Pillow es otra, escrita en 1958. Las primeras copias estaban acreditadas simplemente a "The Imperials," posteriormente el famoso dj Alan Freed se empeñó con ellos y con su voz principal y el conjunto fue conocido como Little Anthony and The Imperials. Kylie Minogue, la llevó al número uno de las listas de éxitos en 1989.

Y siempre quedará Tears on my pillow  en nuestro recuerdo, el de varias generaciones, ya que tanto le gustó a mi hija como a mí, al ser usado en la banda sonora de Grease de 1978 en la versión de Sha Na Na. Siempre me han encantado las escenas de los bailes en el gimnasio de las High School.

Ya a comienzos de los 60 hay que destacar a Dion and The Belmonts a los cuales ya les he dedicado una entrada Dion and The Belmonts

I remember Clifford

El saxofonista Benny Golson, compuso este tema que describe el lamento por la muerte de su amigo y gran trompetista Clifford Brown. Este hermoso y sentido tema, ha sido grabado por una gran cantidad de músicos y bandas de jazz. Clifford nació en 1930, a los 22 años ya era un músico reconocido. El año 1953 formó un quinteto liderado por Brown y el baterista Max Roach, estos dos musicos fueron los líderes del movimiento de renovación del bop, conocido como "hard bop", frente la arremetida del estilo "cool" impuesto por músicos blancos de la costa Oeste de los EE.UU. Las grabaciones que dejó Clifford con este quinteto, son testimonios de su calidad musical y de una técnica y sonido excepcional de la trompeta.
Clifford murió en un accidente automovilístico en 1956, tenía 26 años y, de haber vivido más tiempo, habría superado la fama de Gillespie y Davis, muy posiblemente.

La pieza está concebida para trompeta y los trompetistas fueron los primeros en adoptarla. En 1958, una de las primeras grabaciones con el gran trompetista Lee Morgan y Art Blakey and The Jazz Messengers con Benny Golson (el compositor) al saxo tenor.

 

Pero el autor Golson era saxofonista y Stan Getz no podía dejar pasar esta obra sin interpretarla en varias ocasiones al saxo tenor. Lo hizo por primera vez en los años 50, luego en los 70 con Chick Corea y finalmente, en los 90 con Kenny Barron. Aquí pongo la versión de 1972 donde la imagen no es demasiado buena pero si el sonido, destacando cómo Getz sostiene las notas.

Aunque hoy día no goza de tanta popularidad aún continúa tocándose en directo con tanta frecuencia como para resultar de obligado aprendizaje para todo joven instrumentista con aspiraciones. Hay algunas grabaciones memorables como la de Roy Hargrove en 1991 con un fiscorno (instrumento semejante a la trompeta con un sonido más dulce y oscuro) Aquí en un concierto con la banda de Dizzie Gillispie en 2007.