Clarinetes

Hace muchos años, cuando empezaba a percatarme que las chicas tenían un atractivo especial, coincidió con ver en televisión algún reportaje sobre los Carnavales de Rio, donde ellas tenían un papel decisivo junto a la música. Desde entonces me gustó la música brasileña y soñaba, de mayor, ir a Rio.

Después llegó la bossanova con Jobim, Vinicius, etc.. y luego una variante como la morna con Cesária Évora. Y aunque no siga ningún orden lógico, finalmente me llegó el fado. Todas estos estilos tienen cosas comunes, aparte de la mandolina, el cavaquinho y la guitarra de 7 cuerdas.

Hace poco tiempo (casi 6 años) un compañero de trabajo, al saber que estaba dudoso entre aprender a tocar el saxo o el clarinete, me dio algunas referencias de clarinete y música brasileira. Y me pasó música de éste clarinetista Paulo Moura.

En realidad yo prefería tocar el clarinete pero me informaron que para empezar era un poco más difícil que el saxo, y como éste tenía un halo sexy me decidí por él. En todo caso tanto en música clásica como en jazz, el clarinete suena de maravilla. Esos graves parece mentira que salgan de un cacharro tan chico y Paulo Moura parece que no hace esfuerzo alguno y suena estupendo acompañado por Os Batutas con una mandolina y un trombón estupendo.

El choro es un género musical popular e instrumental brasileño, con más de 130 años de existencia. El choro es considerado la primera música popular típica de Brasil, y su ejecución resulta ser muy difícil. Aquí , Paulo Moura y Os Batutas interpretan unos de los choros más famosos de la música brasileña de Pixinguinha, Cochichando (1944) e Ingenuo (1946). 

Cochichando

Ingenuo

Pixinguinha es considerado uno de los mayores compositores de la música popular brasileña, sobre todo por haber contribuido, directamente, a que el choro (en portugués, lloro o llanto) lograse una forma musical definitiva. Cuando compuso Carinhoso, en 1917, fue fuertemente criticado por los grupos tradicionalistas de este género, ya que, según los cánones regulares esas composiciones tenían una marcada influencia del jazz y no se atenían a las normas instrumentales, usadas por los demás compositores, hasta ese momento. Pero tuvo un éxito apoteósico como lo demuestra esta grabación en que todo el público la canta.

Carinhoso

Naquele tempo, de 1934 es otra de sus clásicas que más me gustan.

Naquele tempo

Y hablando de jazz y clarinetes no podía faltar Benny Goodman uno de los grandes con esta pieza que todos hemos tarareado alguna vez, Stompin' at the Savoy del año 1934 que puede considerarse un himno de la era swing.

Y otro clarinetista, Acker Bilk, que tuvo bastante éxito en su tiempo y aún suenan algunas de sus piezas como Stranger on the shore de 1962 o esta Aria de 1976.

Grande, Grande

La música italiana de los años sesenta, incluso de principios de los setenta y de finales de los cincuenta, tiene un encanto irresistible. A mi, no se por qué,  o quizá sería largo de explicar, me da una sensación veraniega, de cuando los veranos eran vacaciones. No es extraño que en aquellos tiempos tuviera un enorme éxito en muchos lugares del mundo, principalmente en España, donde muchos de sus intérpretes conseguían triunfar, ya fuese cantando en italiano o bien haciendo una versión en español de su éxito. Mina combinó a lo largo de su carrera numerosos estilos, desde la música tradicional italiana, a la música melódica, el swing, el pop, el twist, el blues, el jazz, el rhythm & blues, la canción napolitana, la bossa nova y el rock & roll. De todo y además con éxito, ya que ha entrado en las listas de su país nada menos que con casi ochenta álbumes y con más de setenta singles. De record. El mismísimo Louis Armstrong la calificó como la mejor cantante blanca del mundo.

En 1959, con 19 años, grabó su primer gran éxito que a principios del 60 alcanzó el número 1 en las listas. Lo cantábamos y balilábamos hasta la extenuación. Fue Tintarella di luna que incorporaba a la canción italiana el naciente twist y hablaba de una chica que se bronceaba con la Luna y pasaba las noches en el tejado cual si fuera un gato. Al informar del fulgurante éxito de Tintarella di Luna, la prensa italiana solía apostillar con indulgencia: La gioventù ha i suoi diritti (“la juventud tiene sus derechos”). Es un sencillo rock-twist con letra del mismo autor que Nel blu di pinto di blu. El texto, en apariencia sin sentido, era una crítica al fenómeno de las vacaciones en masa con el único objetivo de broncearse al sol.

En 1960 lanza una bomba, Il cielo in una stanza de Gino Paoli (el mismo que en 1963 lanzará la gran Sapore di sale) siendo Mina su primera intérprete. A Paoli no le gustaba demasiado la versión de Mina ya que la consideraba demasiado “urlatore-gritadora”, corriente musical en la que se iniciaron Mina, Celentano, Tony Dallara.  También es verdad que Paoli escribió la canción para Ornella Vanoni, su pareja entonces, y fue Mina quien tuvo más éxito.

El tema se transformó rápidamente en un éxito de ventas. Encabezó por once semanas consecutivas la lista de sencillos más vendidos y luego volvió a figurar en la cima otras tres semanas. Se trata asimismo del sencillo con más éxito de Mina en Italia. Mencionada con frecuencia entre los clásicos de la canción italiana Il cielo in una stanza es considerada como una de las obras maestras de Paoli y un punto de inflexión en la consolidación de la carrera de Mina. La temática de la canción llevó a que en un primer momento fuera prohibida por la RAI y las emisoras de radio católicas se negaran a pasarla.

Cincuenta años más tarde, Il cielo in una stanza fue seleccionada en el Festival de San Remo de 2011 como una de las canciones más representativas para celebrar el sesquicentenario de la unificación italiana.

Aquí, una escena de la gran peli de 1961, que siempre recordaré ya que fue una de las que mi padre nos llevaba a ver a toda la familia, La chica con la maleta  con Claudia Cardinale . En esta escena suena la canción en la versión de Mina pero como, la escena es más larga que la canción, he añadido la versión de Paoli.

El otro grande grande es Domenico Modugno, cantautor, guitarrista, actor y político. Representó en 3 ocasiones a Italia en el Festival de la Canción de Eurovisión y figura señera del Festival de SanRemo donde actuó 11 veces y ganó 4. Que decir de «Nel blu dipinto di blu» (Volare), triunfo en el Festival de San Remo de 1958. Gracias a «Volare», Modugno se convirtió en el primer ganador del Premio Grammy por grabación y canción del año en 1959.

En 1964 vence en el Festival de Napoles con la canción Tu si' 'na cosa grande, considerada uno de sus clásicos y una canción que me encanta, cantada en dialecto napolitano.

Dio, come ti amo interpretada por primera vez por Gigliola Cinquetti y Domenico Modugno en el Festival de San Remo de 1966 quedó como ganadora, entre otras muy conocidas como El muchacho de la Via Gluck de Celentano y Ninguno me puede juzgar de Caterina Caselli, luego fue la canción que  representó a Italia en Eurovisión y quedó la última. Algo olía mal en  Luxemburgo ya que no era lógica esa clasificación.

Aquí está la actuación de los dos en Eurovisión. La de Modugno es perfecta. Interpreta con todo el cuerpo, la voz, los ojos, la cara, la boca. Sonríe, se entristece, vuelve a alegrarse y siempre moviendo el cuerpo al ritmo de la canción. Alegra esta interpretación.¡Dio, que buena música se hacía en aquellos años!

Mina Mazzini, fue la pionera grabando temas de Serrat en italiano en varios de sus discos, el primero fue en 1969 con una versión de La Tieta. Para mi, la mejor canción de Serrat, sin duda. La música es la misma  mientras que la letra no tiene nada que ver con la original, Mina la titula Bugiardo e incosciente. 

En ocasión de uno de sus viajes a España, Mina tuvo la oportunidad de escuchar el trabajo de Serrat y adaptó al italiano La tieta, una canción de la que quedó fascinada, desafiando las reglas comerciales más elementales (una canción lentísima que dura más de 6 minutos, sin estribillo fácil y sin cambio de armonía ni tonalidad. En la cubierta de disco dice: "una canzone che ha fatto innamorare Mina, una canzone forte e tuttavia infinitamente tenera, un dramma e una speranza, certo, ma raccontati in modo come nessuno ha mai ascoltato prima." 

En el mismo álbum Bugiardo più che mai...più incosciente che mai, hay una canción que me encanta y que nunca había visto interpretarla a Mina. La tenía desde 1970 grabada en un magnetofón y cuando éste llegó a su fin, no volví a escucharla. Y aquel también fue un buen año. Gracias a YouTube y similares hoy se pueden ver joyas como esta. Non credere de 1969.

Los primeros pop

Últimamente estaba poniendo en éste blog canciones que me gustan mucho pero eran un poco forzadas al querer que fueran relativamente modernas. No dejan de ser buenas pero son más tristes de lo normal y, a mí, lo que me pone son las de los años 50 y 60. Así que tenía que volver, aunque fuera momentáneamente, a ellas.

De 1956 es la canción Young love que llevó a los primeros puestos de todas las listas Sonny James. Una canción sencilla, con una letra cursi pero que hasta los que no teníamos idea de inglés la entendíamos. 

Living doll con Cliff Richard y the Shadows (que aún se llamaban The Drifters) de 1959. Fue escrita para la película Serious Charge con un ritmo casi rock pero que no gustó a Clif Richard y finalmente para el disco le pusieron un ritmo country que si pareció bien a todos y alcanzó los primeros puestos.

Yo creo que fue de las primeras canciones “modernas” a la que me enganché. En el colegio, entre los amigos, comentábamos esta nueva canción. Aquí vemos y escuchamos la versión de la peli y de, otra versión, 25 años más tarde. Ninguna de las dos coincide con la que alcanzó el nº 1, pero en ésta última también están The Shadows.

1959

1984

Puppy love escrita por Paul Anka en 1960 para Annette Fumicello su novia entonces, actriz y cantante estadounidense que comenzó como actriz infantil a los 12 años, rodó una serie de pelis de Walt Disney y luego con Frankie Avalon otra serie de pelis de playa y surf que la hicieron muy popular en Estados Unidos.

Ella y Anka salían juntos cuando tenían 17 años. A los 20 despedían su amor como “puppy love”, pero ello inspiró a Anka a escribir la canción. Annette Fumicello, en su autobiografía, escribió: “Porque tuviéramos 17 no significaba, para nosotros, que nuestro amor no fuera real."
Éste fue uno de los primeros discos, si no el primero, que yo compré, en principio por Adán y Eva.

John Prine & Tom Waits

Es curioso como aún llevando muchos años escuchando mucha música, de repente descubres a alguien del que no tenías noticia y que resulta que es una figura en Estados Unidos. Ese país es inmenso, territorio, gente, paisajes, música. Lo que viene a decirnos, la cantidad de músicos y canciones que habrá por ahí y de las que no conocemos nada. Yo, que alguno puede creer que conozco algo, se que conozco muy poco, la superficie de algunos estilos. Pero hay muchísimo por descubrir.
En la entrada anterior comentaba un extracto de la letra de una canción de Zoe Muth en la que decía: "When you said you’d never heard of John Prine, Well I knew right away you weren’t worth my time."

Así que busqué a John Prine y nada más empezar a escucharlo me recordó a Kris Kristoferson (que fue quien, más o menos, lo descubrió) y a Mickey Newbury. También Bob Dylan y Johnny Cash han sido influenciados por él. Aunque, yo creo que todos influyen en todos, cuando son de la misma generación y componen y cantan dentro de un mismo estilo. Empezó en 1971 y ha estado sacando discos hasta hace escasamente un año.

“Es tan bueno que vamos a tener que romperle los dedos”, dijo Kris Kristofferson despues de presenciar una actuación de Prine.

El éxito de su primer disco, que recibió críticas muy positivas, hizo que Prine fuese saludado como "el nuevo Bob Dylan". El propio Dylan salió inesperadamente al escenario y acompañó a Prine tocando la armónica en una de las primeras actuaciones.

El término “hobo” en Estados Unidos no está muy claro de donde proviene pero con él se designa a un vagabundo, o un “sin techo” en la época de la Gran Depresión, en la que los trenes era el único medio para desplazarse sin pagar nada y arriesgando bastante. Hay infinidad de canciones que hablan de los hobos, y en 1978 John Prine compuso esta Hobo Song que es de las más conocidas.

Sigo con más de John Prine, aquí en una canción de 1986 en su versión primera y de 25 años después. Speed of the Sound of Loneliness . Y la chica que le acompaña en 2011, además de tocar el violín, canta y alegra la vista. Quizá no sean canciones que te dejen embobado y te marquen, pero a mi me gustan y a pesar de su tristeza, me alegran la vida. Son canciones fáciles, muy agradables de tararear y seguir. Es el folk y country.

1986

2011

Y también de su LP de 1978 la canción que le da título, Bruised Orange (Chain Of Sorrow), que es monótona como algunas de Dylan y Cohen y, quizá, por eso engancha. Hace poco la escuché en el final de una peli que no recuerdo y se queda uno con la mirada perdida viendo los títulos finales hasta que te obligan a despertar.

Precisamente John Prine ha recibido el último premio PEN New England's Song Lyrics of Literary Excellence Award (como lo recibieron en 2012 Leonard Cohen y Chuck Berry) junto con otro compositor y cantante más conocido aquí, Tom Waits. A primera vista, nadie diría que una historia del creador de Alicia en el País de las Maravillas sería el registro más suave del doble disco de Waits, Alice de 2002. Pero esto es el mundo de Waits; una tierra donde poco es lo que parece al principio. La primera pista, Alice, te da una falsa sensación de seguridad. Una canción encantadora, parpadeante de velas con los tambores rondando un saxo. Pero la sensación es que esto podría esta más cerca de David Lynch que de Stan Getz.

Alice está basada en la obsesión de Lewis Carroll con la joven Alicia. Un ambiente devastadoramente bello, hecho de dolor y ensueño, locura y resignación que va levantándose como una niebla en la canción.

Otra canción de Tom Waits que me impresionó al escucharla en la película La vida secreta de las palabras, de Isabel Coixet con Tim Robbins (que siempre es una garantía), Sarah Polley y la maravillosa Julie Christie, es All the world is green tambien del año 2002. Esta directora además de hacer unas excelentes películas, les pone una banda sonora que deja enganchado. 

Angus & Julia Stone - Zoe Muth

No son uno de esos grupos que nacen en Chicago o en Seattle y que van trabajándose un público en clubs, que malviven en las giras, ni nada similar. Angus & Julia Stone son dos hermanos, nacidos en Sidney, Australia, que se unieron como grupo en 2006. Tocaban ya desde pequeños en reuniones familiares, y crecieron en una clase acomodada. De modo que nada de historias tristes que hayan curtido su carácter, y que tanto parecen gustar a la industria musical. Lo que importa aquí es que debajo de esa imagen perfecta hay dos chicos que saben hacer muy buena música. Tienen tres discos, pero el último, publicado en 2014, es perfecto de principio a fin. Es una mezcla de pop y folk, así que no podemos decir que basen su éxito en la innovación. Lo que los hace especiales es la belleza que consiguen crear a partir de su unión como dúo. Julia aporta toda la dulzura pop y una voz golosa, que no dulzona o cargante; sabe susurrar, pero también imponerse a la melodía y alzarse cuando la canción lo requiere. Mientras tanto, Angus da un toque más amargo y melancólico a las composiciones: es más guitarrero, y su voz rasgada es el contrapunto perfecto a la de su hermana.

Los acordes de guitarra y las voces de los hermanos Angus y Julia Stone se combinan en Santa Monica Dream de 2010, de un modo que parecería reservado a sonidos como los que Simon & Garfunkel, Leonard Cohen o Mazzy Star son capaces de conseguir. 

A Heartbreak de 2014, tiene un comienzo genial, unas notas de guitarra acompañan a una potente percusión que pisotea a modo de marcha libre interpretada con fuerza y frustración, el tema suena directo, tenso Te invita a quedarte con esos versos cantados al unísono.

Otros dos grandes éxitos de 2014 que suele corear unánimemente el público, incluso en Madrid y Barcelona, donde han venido ya alguna vez, es Grizzly Bear y Heart beats slow, un precioso dialogo cantado entre los hermanos que sigue haciendo que estos primeros minutos del disco sean tremendamente agradables. Como miel para los oídos.

Angus & Julia Stone  - Grizzly Bear

Angus & Julia Stone - Heart beats slow

Zoe Muth viene de Seattle y con unos veinticinco años nos ha regalado un primer trabajo homónimo que algunos han definido como el mejor disco “a lo Emmylou Harris” que se ha grabado en los últimos diez años, es de 2011. Caminos polvorientos son la base de unas canciones que, además, vuelven a ser un compendio de buenas letras que explican historias de sobras conocidas, pero que nos gusta oír una y otra vez. Mandolinas, steels, eléctricas y trompetas dan forma a un paisaje sonoro en el que la artista y el oyente se sienten muy a gusto.

I’ve Been Gone con Zoe Muth and the High Rollers es uno de los momentos más alegres del disco y tiene un ritmo muy agradable, tipo rockabilly de Johnny Cash.

If I Can`t Trust You With a Quarter (How Can I Trust You With My Heart?) un corto título para una canción sobre una mujer que se cita con un hombre que, inicialmente, le interesa, pero tras compartir el ron, le deja un cuarto de dolar para que ponga una canción country en el jukebox y el tío pone otra. Así que adiós, muy buenas. 
En la canción dice :

"When you said you’d never heard of John Prine,
Well I knew right away you weren’t worth my time."

Y puesto que hasta este momento, lo confieso, yo tampoco había oído hablar de John Prine, me he puesto a buscarlo y a continuación trataré de él.

Dos francesas, una italiana y una estadounidense.

Con esta nueva entrada del blog sigo alejándome de mis recuerdos musicales para ir adentrándome en música más reciente. Música que voy escuchando en los últimos años y van dejando un poso que puede perdurar. Aunque en la primera de estas canciones me alejo hasta el año 1987, las demás son bastante más actuales. Y puestos a elegir, por orden cronológico, he llegado a estas chicas que me gustan.

Vanessa Paradis que, con 14 años entusiasmó y hartó a muchos en 1987 con su Joe le taxi, alcanzó y se mantuvo número uno durante 14 semanas. Se escuchó todo el verano hasta llegar a que se le tuviera cierta manía en Francia. Pero la verdad es que ese verano fue un bombazo y sigue escuchándose agradablemente. Luego hizo carrera como actriz, cantante y modelo y tuvo algunas parejas famosas como Lenny Kravitz y Johnny Depp y siempre la recordaré además de por "el taxi" como La chica del puente.

Y ya más reciente, del 2007, una canción dulce y melancólica, Junior Suite.

Habrá quien dude de la exactitud en el título de esta entrada ya que Alizée es corsa pero sería hilar muy fino. De la misma forma que Vanessa fue lanzada como una "Lolita", años más tarde en el 2000, se lanzó a Alizée con 16 años y su Moi..Lolita. Aquí si que ya no había dudas. Alizée es una de las pocas y raras cantantes  francesas que pueden enorgullecerse de haber vendido discos a camiones al principio de los 2000. Fue primera de ventas en España, Italia, Alemania, Belgica, Suiza, Australia, Holanda e incluso en Inglaterra - tierra conocida por ser algo hostil a las canciones en francés -. Fue uno de los single mejor vendidos de todos los tiempo en Francia y la canción, cómo no, está inspirada en la novela Lolita de Nabokov. 

En el video tanto Alizée como la otra niña eran la primera vez que actuaban. Y la verdad es que la primera vez que lo vi me transformé en un Humbert Humbert..

Nina Zilli, una prometedora cantante que en Italia rompe moldes. Sus canciones podrían definirse como una mezcla de sonidos ‘vintage’ de la Italia de los sesenta con el r&b soul de una Amy Winehouse. una mezcla musical que encarne lo mejor de Nina Simone (de quien tomó el nombre) y Amy Winehouse. 

Compitiendo en la categoría de «Sanremo Nueva Generación» para el 60º Festival de la Canción (2010) con la canción “L'uomo che amava le donne”, Nina Zilli llegó a la final a cuatro y ganó el premio de la crítica, Premio de la Prensa Radio TV y el Premio a la mejor actuación en vivo. En 2012, vuelve a participar en el Festival de San Remo y es elegida para representar a Italia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2012 en Bakú. 

Le gusta llevar un look años 50/60 y tiene un pedazo de voz. De su primer álbum Sempre lontano del 2009 extraigo un par de canciones pegadizas  y agradables que me gusta escuchar. 50mila que tuvo un gran éxito en Italia, se nota ya que el público no para  de cantarla.

 Y C'era una volta que  también me gusta bastante.

Eilen Jewell es una cantante y compositora americana con base en Boston. Su música es una mezcla de “americana”, country, folk, y jazz. En el título de su álbum de 2011 “Queen Of The Minor Key”, juega con su tendencia a lo melancólico y oscuro , dándole la vuelta a una supuesta limitación: “Es cierto que compongo más canciones en tonalidades menores que la mayoría. Encuentro algo magnético en su cualidad espeluznante”. Regresos, tristezas y amores peligrosos pueblan el disco, y el lirismo bien entendido, por ejemplo, se adueña de Santa Fe, la ciudad de Nuevo México donde vivió su etapa universitaria. En años recientes, le ha cogido el gusto a visitar España, hasta el punto de abrir y cerrar el álbum con sendos instrumentales dedicados a sus experiencias peninsulares. “‘Radio City’ representa un tributo a Madrid y a una de las mejores tiendas de discos del mundo. Y ‘Kalimotxo’ es un homenaje divertido a nuestros amigos de Bilbao y a los vascos. En Boise, mi ciudad natal, hay una población vasca significativa. Existe hasta un Bar Gernika. Introduje a mi banda en el calimocho en una habitación de hotel de Austin, en 2007. Se ha convertido en nuestra bebida mascota”.

Only one es una bonita torch-song al estilo de Patsy Cline. Es más jazz que country y te va suavemente relajando. Los instrumentistas que la acompañan suenan muy bien.

Cosas buenas

Damián Rice el compositor y cantante irlandés de The Blower’s Daughter tema de la peli Closer, en su CD 9 de 2006 tiene Accidental Babies con una letra genial, triste y dura, acompañando a una música que te va dejando un notable desasosiego. Pero a pesar de ello, tan buena, que alegra que se hagan cosas así. Para acentuar la tristeza de la canción, introduce un cello para que la vibración llegue al estómago. En la letra descubrimos a qué se refiere el título. Una pena que el puñetero locutor no se estuviera calladito al final.

"déjale y vuelve conmigo, antes de que alguno de los dos tenga accidentalmente bebés, y dejemos de ser libres"

La primera grabación de éxito de Brandi  Carlile fue The story en 2007 y se usó en numerosos anuncios y series de TV alcanzando un gran auge de ventas y descargas. Comienza suave y melancólicamente, se desarrolla gradualmente, y culmina con un florecimiento catártico que empuja Carlile a los lí­mites de su considerable rango de voz. Al final llega a romper la voz durante la canción por casualidad  y así quedó la grabación. Carlile describe el momento como "técnicamente erróneo, pero emocionalmente correcto".

En 2010 Cowboy Junkies lanzaron Renmin Park, así llamado por el nombre del parque en Chendú (China) donde el guitarrista y compositor Michael Timmins hermano de la cantante Margot, pasó una considerable cantidad de tiempo mientras esperaba el proceso de adopción de dos niños chinos. En éste disco, sin perder su clásico sonido introdujeron matices chinos. La voz de la cantante Margot Timmins es muy atractiva.

Y del mismo disco con I cannot sit sadly by your side, siguen con los oscuros y angustiosos blues, una balada cáustica sobre un asesinato escrita por un gran compositor chino. Con el encantador piano y los imponentes golpes bajos del bajo, es un clásico de los Cowboy Junkies y de los mejores, con un toque de Pipa (tipo de laud chino) que añade un toque oriental.