'Til I gain control again es una canción country escrita por Rodney Crowell, originalmente grabada por Emmylou Harris en 1974 para el LP Elite Hotel, una joya de disco. En ésta grabación de 1983 le acompaña a la guitarra y voces el autor (el que está de pie).
La canción fue más tarde grabada por Crystal Gayle, otra mujer que impactaba. Fue en 1982 y llegó a nº 1 en las listas country, donde permaneció doce semanas.
Y mirando por ahí me encontré esta versión que no podía desechar. En 2006 Van Morrison lanzó el album Pay the devil con canciones country clásicas que alcanzó gran éxito. Su versión de Till I gain control again funciona muy muy bien. Cualquier buena canción puede ser cantada por un cantante country o rock o pop y seguir resultando buena. Ahora me viene a la cabeza The Rolling Stones, que han hecho versiones de canciones country, blues y lo han hecho muy bien.
La Biblioteca Británica tiene una copia de la partitura de "Wildwood Flower", que indica como autor de la música y letra al patriarca de la familia Carter con registro en 1930. También tiene otra copia de 1962 acreditada a otros autores. No es la única muestra de la misma canción con distintos nombres o autores. El mismo Carter tampoco escribió la canción. Nadie podía reclamar los derechos de autor de una canción de dominio público, "I'll Twine 'Mid the Ringlets", aunque ésta tuviera autores conocidos y fuera publicada en 1860. Pero Carter cambió algo la letra y pudo registrarla como Wildwood flower.
Empezando por el título, cuya traducción exacta, no consigo descifrar quizá porque la letra de la canción está llena de “mondegreens” (cuando no entendemos una palabra o frase, pero nuestro cerebro trata de darle sentido con algo que le suena similar) y malapropismos (uno de los malapropismos más populares en España, acuñado por una famosilla y convertido en expresión de uso común, es utilizar la frase "estar en el candelabro" en vez de "estar en el candelero”. Algunos cantantes no querían interpretar una canción en la que no entendían la letra y fueron cambiándola con palabras que sonaban más o menos igual. Al ir, de ésta forma, cambiando la letra llega un momento en que el significado no queda claro. Incluso se habla de una planta “aronatus” que nadie sabe lo que es.
La primera grabación de ésta canción fue en 1928 por The Carter Family. La más joven de la familia, Maybelle Carter tocaba la primera guitarra. Posteriormente con sus tres hijas continuó la saga con Mother Maybelle and The Carter Sisters y la interpretaba frecuentemente con Johnny Cash, su yerno. La versión de The Carter Family es considerada el primer ejemplo de una forma de tocar la guitarra acústica en la que el instrumentista (Maybelle Carter) toca simultáneamente la melodía y el ritmo.
The Sinking of the Reuben James es una canción folk escrita por Woody Guthrie en 1942 con la música de Wildwood flower, acerca del hundimiento del destructor Reuben James. Éste fue el primer buque de guerra hundido por los U-boats alemanes en la 2ª Guerra Mundial. Woody Guthrie empezó a escribir la canción incluyendo el nombre de cada uno de los fallecidos, pero Pete Seeger le comentó que era demasiado una canción con los nombres de 86 personas como letra y, ésta lista, fue reemplazada por el coro “tell me what were their names.” La canción nunca tengo claro si la canta Woody Guthrie o Pete Seeger o entre los dos.
También fué un éxito, más popular, la versión de The Kingston Trio en 1962.
En los 60, Joan Baez incluyó la canción en su primer album, Bob Dylan con The Band tambien la grabó, y Chet Atkins que fue un influyente guitarrista y productor de country tambien. Chet Atkins creó el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como sonido Nashville, que llevó el gusto por la música country a admiradores de la música pop para adultos. Como guitarrista creó, "el Estilo de Atkins", que es muy difícil de dominar para un guitarrista. Consiste en usar el pulgar y los primeros dos -a veces tres- dedos de la mano derecha.
Chet Atkins - Wildwood flower
Ahora pongo las versiones de dos mujeres que siempre me gusta ver u oir. Reese Witherspoon y Emmylou Harris. En la película de 2005 Walk the Line, sobre la historia del cantante Johnny Cash, Reese Witherspoon, hace de June Carter y canta la canción sola con su autoarpa.
All I intended to be de 2008 Emmylou Harris canta - How She Could Sing The Wildwood Flower, basada en la misma canción que cuenta la historia de como Sara Carter (de The Carter Family) se enamoró de otro que no era su marido y como se las hicieron pasar mal. Una noche en un programa de radio, Sara se lanzó y dedicó 'I'm thinking tonight of my blue eyes.' (otra canción fundamental en la historia del country, originariamente anterior a 1800) a su amante, que inmediatamente cogió su coche y condujo toda la noche hasta ella. Se casaron posteriormente y vivieron felices para el resto de sus días, continuando ella trabajando con The Carter Family.
Iba, esta mañana, haciendo mi andadura acostumbrada y escuchando el iPod cuando ha llegado a mis oídos y, posteriormente, al cerebro, una melodía que inmediatamente (como la magdalena de Proust) ha puesto a trabajar por su cuenta las pocas neuronas que quedan ya y me ha transportado a la infancia cuando mi abuela me cantaba esa misma canción.
Todos la hemos escuchado alguna vez. Es un vals que, en un primer momento, lo asocié a la Barcarola de Hoffman, pero seguí dándole vueltas y encontré, entre los recovecos de esas neuronas, un trozo de la letra. No es la letra original pero es la que cantaba mi abuela y supongo que alguien más la recordará así .
“Ya se va el vapor, / qué serena se queda la mar/ dentro va mi amor/ que a la Guerra de Cuba se va”.
Y como la cosa no podía quedar así, al llegar a casa me he puesto a buscar y ya tengo la información necesaria para quedarme tranquilo. La pieza es el vals Sobre las olas, Over the waves o The Loveliest Night Of The Year, el trabajo más conocido del mexicano Juventino Rosas que sigue siendo una de las piezas Latino Americanas más conocidas en todo el mundo. Fue publicada en 1888 y es un popular vals clásico que ha sido tocado como música en todos los estilos, New Orleans Jazz, country, etc. Ha sonado en películas tanto de James Bond como de Walt Disney. Y a pesar de su éxito, el compositor no ganó nada con ella ya que vendió los derechos por 45$. En primer lugar vemos y escuchamos la versión clásica de la Orquesta Filarmonica de la Universidad Autónoma de México.
Cambiamos radicalmente de registro para pasar al jazz de los orígenes, el dixieland, uno de los estilos de jazz junto al New Orleans que prefiero sobre los Coltrane y Davis. Es mucho más alegre e intrascendente y muestra una alegría que no encuentro en el free jazz o el cool. A principios del siglo XX hacía versiones como ésta de los Yerba Buena Stompers en 2011.
Finalmente el origen de ésta entrada. Esto es lo que escuchaba ésta mañana yendo desde el RACC a la Facultad de Físicas, Nou Camp y a casa. Moon Mullican, rey de los pianistas de Hillbilly, fue un cantante de country y autor que influyó notablemente en posteriores cantantes de country. Su versión es de 1948.
Aprovechando estas fechas y que estaba con ésta canción, esta interpretación viene muy a cuento. Lo que más me gusta de las procesiones es la música y estos lo hacen muy bien. Hace 50 años, en 1966, The Sound of silence de Simon & Garfunkel alcanzó el máximo en la revista Billboard, aunque hacía 2 años que la canción fue grabada por primera vez. Que pasó en esos 2 años? Pues que si el productor de Columbia Records no hubiera tomado la iniciativa de ponerle una sección de ritmo de rock a la producción folk inicial la canción no hubiera llegado a ser una piedra de toque cultural.
The sounds of silence - 1963
En el invierno de 1963-64 Paul llamó a Art y le dijo que acababa de escribir su mejor canción. A Garfunkel le recordó a The Three Bells (La canción de Jimmy Brown) de The Tokens. "Es verdad", le contestó, pero "Todo está basado en algo en estos días".Se grabó la canción con el título The sounds of silence, pero no tuvo demasiado éxito hasta que al productor se le ocurrió meter una guitarrra eléctrica, batería y un ritmo más adecuado y el 1 de enero de 1966 alcanzó el nº 1 con el título The sound of silence. Una muy pequeña modificación, una "s" pero que llevaba mucho más. No he encontrado ningún video con la versión segunda ya que siempre que actuaban en directo interpretaban la canción muy semejante a la primera versión acústica y siempre me ha gustado la entrada de la guitarra eléctrica y la batería. Así que aquí va la versión que se hizo más famosa y alcanzó el nº 1. Me harté de escucharla en una máquina de discos de un bar camino de casa a la Escuela de Navales.
The sound of silence - Simon & Garfunkel 1966
Y para comprobar si se parece o no a The Three Bells, aquí está la versión de The Browns que también llegó a nº 1 en 1959, y que recuerdo como algo lejano y agradable que escuché por primera vez cuando tenía poco más de 10 años en casa de mis padrinos, en El Verdolay, y siempre me trae recuerdos de la feliz infancia.
Y la original francesa de 1939, Les Trois cloches, en la versión de Edith Piaf et Les Compagnons de la Chanson. La verdad es no le veo mucho parecido con The sound of silence, aunque las dos son preciosas.
Life’s Railway to Heaven más conocida por Life is like a mountain railroad (su primer verso): está escrita un poco ante de 1890 y ha sido una canción favorita entre la comunidad del ferrocarril (en USA). Es una canción religiosa, un gospel en el que se hace referencia, como dice el título, a la vida y al tren.
Miembros de los Escritores del Oeste de America eligieron la canción como una de las Top 100 canciones del Oeste (canciones country) de todos los tiempos.
En 1959, una de las mejores cantantes de country, sino la mejor, Patsy Cline hizo su versión acompañada por The Jordanaires haciendo los coros como lo hicieron con Elvis y tantos otros. La canción ya tiene un ritmo que semeja la marcha de un tren pero es acentuado por los coros con su “chu chum pam pam” .
Life is like a mountain railroad - Patsy Cline 1959
White Pass - Yukon Route (Skagway)
Como no podía ser menos, debido a su educación religiosa, Johnny Cash también hizo su versión en 1989, acompañado por amigos, cantantes country famosos, y su familia.
Life's Railway To Heaven - Johnny Cash, Earl Scruggs,Dirt Band
Si a uno le gusta la música, la buena música, antes o después entra en el
jazz. No deja de ser, creo yo la música clásica del siglo XX, de la que
deriva el blues, el rock y el pop. No tiene por qué gustar todo el jazz,
cómo no toda la música clásica o todo el rock o el pop, pero algo del jazz
tiene que tocar la fibra.
Las Navidades de 1959 o 1960 las pasé en Salardú (Valle de Arán)
aprendiendo a esquiar. En el albergue había un tocadiscos y algunos discos
de Aimable y su acordeón. Uno de ello tenía una pieza que me quedó
grabada, mientras que otras no. Esa pieza era
Petite Fleur y, más
tarde descubrí que era una pieza fundamental del jazz, por supuesto por su
compositor Sidney Bechet al saxo soprano. Aunque pongo, como curiosidad y
porque me entusiasma Andrea Motis, a
ella con 14 años, y Eva Fernández con
15 junto a la St. Andreu Jazz Band, hay que escuchar la original de
Bechet sin falta.
Petite Fleur – Andrea Motis, Eva Fernández 2009
Uno de los primeros LP que me compré fue de Louis Armstrong en 1969. En
él había muchas piezas que me gustaron mucho pero la que más fue Body and Soul, una canción muy
popular y standar del jazz compuesta en 1930. Para algunos, la madre de
todas las baladas de jazz,la canción de amor no correspondido por
antonomasia y el baremo definitivo para calibrar a los saxofonistas
tenores de todos los tiempos. Nadie tenía muy claro en sus inicios por qué
la canción tuvo tanto éxito. El compositor reconocía que era un refrito de
cosas anteriores; el título era “atrevido”, los locutores de radio no se
atrevían a decir el título, por lo de “cuerpo”, pero entró bien.
La primera grabación fue de Louis Armstrong en 1930. La interpretación
cumbre parece ser la de Coleman Hawkins de 1940, y cientos de grandes
intérpretes han hecho su versión: Benny Goodman, Billie Holiday, Charlie
Parker, Coltrane. En 1986, Bertrand Tavernier rodó la película
Round Midnight donde el saxofonista tenor
Dexter Gordon hacía su interpretación
de
Body and Soul acompañado
por Herbie Hancok al piano,
Pierre Michelot al bajo,
John Mclaughlin a la guitarra y
Billy Higgins a la batería, y todo ello
con una excelente fotografía. La fotografía buena, pero el director
podía haber hecho que de verdad parezca que están tocando. El saxo no mueve
nunca la palanca de las octavas y eso es imposible. Otro empujón de las autoridades sanitarias, que velan por nuestro bien,
para favorecer la desaparición de estos lugares es la estúpida
prohibición de fumar en estos locales. Cómo se puede uno imaginar un antro
de jazz sin una buena copa y el humo de los cigarrillos en el
ambiente?.
Chelsea Bridge
es una pieza compuesta en 1941 por Billy Strayhorn compositor y
arreglista que acompañó a Duke Ellington muchos años. Ben Webster, saxofonista de la banda de Elllington, fue quien más contribuyó
a difundirla, tras grabarla varias veces. Puede resultar
extraño que Strayhorn, famoso por cantarle al
Tren A de Harlem le dedicase una canción a un puente
que cruza el Támesis en Chelsea. Parece que se inspiró en un
cuadro de Whistler, Battersea Bridge, aunque otros dicen que fue
en un cuadro de Turner (en la cabecera de esta entrada tenemos
unas imágenes de estos puentes. El caso es que logró transmitir
una atmósfera impresionista igual de brumosa mediante la melodía
lánguida.
Cuidado con ésta canción. Hay que escucharla con un espíritu tranquilo, ya que si entiendes la letra y le haces caso, puedes quedar tocado un buen rato.
He aquí una de las canciones más tristes y bonitas, para mí, que recuerdo haber escuchado nunca. Es una composición del poeta y cantante francés Léo Ferré, publicada en 1971. La música es monótona y repetitiva pero acompaña perfectamente a la letra sobre el amor fallido, la fuga de los sentimientos y la trágica experiencia del tiempo que todo lo borra. Está inspirada en la propia vida de Léo Ferré y es una de las canciones francesas más interpretada en el mundo. Yo tuve la ocasión de escuchársela en septiembre de 1980 en el Palau de la Música. Aunque no me gustan los videos con subtítulos, creo que merece la pena entender lo que dice. Hoy día ya casi nadie entiende el francés.
Avec le temps–Léo Ferré 1974
Paseando por Youtube encontré esta versión de Jane Birkin y Jane Birkin siempre me gustó y fué un personaje en nuestro tiempo. Ya en 1966 nos asombró en la peli de Antonioni, Blow Up y luego, volvió a sorprendernos en 1969 con Serge Gainsbourg en Je t'aime… moi non plusque había que escuchar cómo y donde se podía ya que estaba prohibida.
Aquí, ya en 1987, Jane Birkin demuestra que estamos ante una canción triste, muy triste. No puede evitar que se le escape alguna lágrima. Y emociona.
Jane Birkin 1987
La más francesa de las cantantes españolas fue Mari Trini, mi paisana. Y aquí tenemos una muestra.
Mari Trini 1997
Finalmente, en 2001 encontré en un periódico una referencia a un disco grabado en Francia, muy recomendable tanto al que le guste la chanson como el flamenco, y, en realidad para todo el mundo, con el título de Chanson flamenca, donde varios y conocidos cantantes flamencos hacían versiones de canciones clásicas francesas. Allí estaba Avec le temps, Con el tiempo por Montse Cortés. Luego se hizo un espectáculo flamenco en el que ésta canción la cantaba el que lo hace en el video.
