Llegada a Barcelona

Llegamos a Barcelona, a nuestro primer y único trabajo, en los últimos días de julio o primeros de agosto de 1971. Y, puesto que trabajábamos a turnos y sólo teníamos a un primo como única familia allí, íbamos y volvíamos muy a menudo a Madrid. Así algunas de estas canciones tan pronto las vivíamos en Madrid como en Barcelona.

De 1967 es The Happening. Fué el último single de The Supremes bajo ese nombre, ya que Florence Ballard abandonó el grupo y cambiaron el nombre por Diana Ross & the Supremes. La canción fue co-escrita por el famoso trio de la Motown Holland-Dozier-Holland que también, entonces, abandonó la casa.

La letra trata acerca del amor perdido. Más que un “happening” es algo que “it happened”.Tenía yo en el 71 un LP de todos los éxitos de The Supremes y un día nos dio, al escucharlo por centésima vez, por cantarlo y grabarnos en un magnetofón de cinta abierta. MariSol sabía inglés y hacía de Diana Ross, Mamen y Jose hacían de The Supremes y yo, de ingeniero de sonido. Por supuesto quien mejor se lo pasó fueron “The Supremes”.

Una canción que venía de algunos años antes, cuando fue grabada por Lynn Anderson, tuvo un éxito mundial que también repercutió en España durante el año 1971. Era una canción country arreglada de tal forma que gustaba a todos. Era Rose Garden y, en ese año, la tarareábamos a menudo con Jose y MariSol. Unos muy buenos más que amigos que hace años, desgraciadamente, no veo. Pero esta canción junto con otras que ya vendrán siempre me recuerdan a ellos.

Mamy Blue de 1970, compuesta por un francés, en 1971 Alain Milhaud, productor francés radicado en España y mánager de los Pop-Tops, adquirió los derechos de la canción y produjo su grabación por el grupo en Londres, con letra en inglés escrita por el cantante Phil Trim.

La canción ha sido versionada por gran cantidad de artistas y en diferentes idiomas. La primera versión en español fue la de los Pop-Tops, de 1971. la versión inglesa de Pop-Tops fue un masivo éxito a nivel europeo, alcanzando el nº1 en Alemania, Francia, Bélgica, Noruega, Dinamarca, Suiza, Suecia y Austria, el nº3 en Holanda e incluso el nº2 en Japón.

El tema es una balada de aire gospel en la que los nutridos coros toman tanto protagonismo como la propia voz de Phil Trim. En la instrumentación, hacer notar el papel rítmico que toman la pandereta y los platos en un arreglo in crescendo desde el quejumbroso inicio de plegaria hasta el apoteósico final.

Algún día de ese agosto del 71 fuimos a la playa a Calella de la Costa con ese primo de que hablaba al inicio. Y no sé por donde me llegó esta canción que se escuchó mucho y me gustó. Aunque la versión original era francesa cantada por Barbara, la que sonaba más y me llegó más, por ser lo primero que me llegaba en catalán en Cataluña. Era L'àliga negra por Maria del Mar Bonet.

Otra canción de ese verano del 71 que se oía en Barcelona y no en Madrid, era otra francesa. Ya se sabe que la chanson era muy apreciada en Cataluña. Yo conocía al cantante como actor pero no como cantante, Serge Reggiani, otro de los muchos cantante franceses no nacidos en Francia. La canción, Le Petit Garçon con una preciosa letra llena de sentimiento.

Summer of Love

Dando vueltas a mi fonoteca he llegado a canciones de 1967 que fueron importantes para mi y, algunas, para todos, y que todavía no habían salido en el Blog. Ya hay, anteriormente, en este Blog canciones del 67 como Across the Universe, All you need is love, A day in the life, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de The Beatles o Ma jeunesse fout le camp de Françoise Hardy. Pero aún había más. En esos años sobraban canciones buenas que a todos nos llegaron.

Reach out i'll be there de 1966 con The Four Tops, donde el cantante Levi Stubbs muestra una urgente súplica en su voz que muestra perfectamente la ansiedad de la canción compuesta por el más famoso trio de la Motown, Holland-Dozier-Holland. La tensión semioperística y la sensación de liberación de la canción se debieron en parte a la inmersión de Brian Holland en la música clásica. Fue un enorme impacto internacional y, de hecho, esta canción hizo que se empezara a distribuir en España el catálogo de la Motown.

Durante el curso 66-67 yo escuchaba asiduamente Radio Luxemburgo y Radio Carolina las emisoras piratas que daban la mejor música del momento, aparte de los programas de Ángel Álvarez, Caravana y Vuelo 605. Y en aquellas emisoras, ese curso, cuando sonaba el Reach out todo se detenía para escucharla, tararearla y bailarla.

Green green grass of home, canción country grabada por primera vez en 1965, que en el 66, Tom Jones hizo popular en todo el mundo y que en España se escuchó mucho en el 67. Se escuchaba por todas partes y todos la reconocíamos. Es una bella canción, un sueño, en el que al final de la misma despertamos sobresaltados y dejamos atrás las bellas imágenes del ansiado regreso a casa, de los recuerdos, los primeros amores, la familia, el olor de la hierba del hogar. Todo ha sido no más que el último sueño de un condenado a muerte.

Aunque fue Tom Jones quien la hizo popular a mi me gusta más la versión de Jerry Lee Lewis, aunque no toque el piano, que fue anterior.

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Et moi et moi et moi primera canción de Jacques Dutronc de 1966, en la onda de Antoine y típica canción protesta de aquellos días.

El título de la canción es una sátira del modo de vida pequeño-burgués. El cantante, compositor y actor, Jacques Dutronc era todo un icono yé-yé de la época, un tipo atrevido, sarcástico, atractivo y muy estiloso. Lo que en España llamaríamos ‘un dandi’. Siempre distinguido y refinado, era habitual -y lo sigue siendo- ver al ídolo francés en traje de chaqueta, fruto de esa elegancia del artista.

Toda la canción está prácticamente construida sobre la idea de una abundancia de alimentación en nuestra sociedad occidental en contraposición con la falta en los países en vías de desarrollo. Por un lado, los africanos, y por otro, el personaje que va a la sauna a perder peso.

The letter de The Box Tops es una pieza perfecta de arte pop, con un registro de menos de dos minutos, simple pero conmovedora. Fue el último nº1 que no alcanzaba los 2 minutos de duración. El cantante, con 17 años, logró darle a la voz un toque muy especial. Fue un tremendo éxito en 1967 y en cualquier bailongo animaba a la gente al baile.

Gentle on my mind es un clásico publicado en 1967 por Glen Campbell y ganador de cuatro Premios Grammy en 1968. Hartford, el autor, lo recibió como compositor a la mejor grabación folk y a la mejor canción country. Los otros dos galardones, a la mejor interpretación vocal country y a la mejor grabación country, los recibió el cantante Glen Campbell por su versión del tema.

Aunque originariamente es un country, las versiones posteriores, desde Dean Martin a Elvis Presley o Tom Jones ya eran pop.

Siempre me ha gustado esa progresión continuada en la canción que no deja ni un respiro. Y tiene un algo que, a mi, me alegra el momento de escucharla. Como le pasa a Dean Martin en la entrada Dean Martin & Jerry Lewis de éste Blog.

San Francisco escrita por John Phillips de The Mamas and the Papas y cantada por Scott McKenzie en 1967 para promocionar el famoso Festival de Música Pop Internacional de Monterey en junio de 1967. El disco fue uno de los más vendidos en los 60's en todo el mundo.

La versión de Scott McKenzie ha sido llamada “el himno no oficial del movimiento contracultural de los 60's, incluyendo los movimientos hipppies, anti guerra de Vietnam y el Flower power.”

"There's a whole generation with a new explanation," es un buen resumen de lo que pasaba en 1967.

Respect es una canción escrita y cantada originalmente por Otis Redding en 1965. En 1967 se convirtió en un gran éxito cantada por Aretha Franklin. La música en las dos versiones es significativamente diferente con algunos pequeños cambios en la letra y en el sentido de la canción. La versión de Redding muestra la tradicional estructura familiar: el hombre trabaja todo el día, trae el dinero a casa a su mujer y pide su respeto cuando llega a casa. Aretha alargó ligeramente la canción, le subió el ritmo y ejecutó dos cambios fundamentales. El primero fue transformar la letra y ponerse en la piel de esa mujer que espera en casa. Ahora ya no es el marido el que llega cansado de trabajar y pide a su esposa que lo trate con dignidad, sino ella la que le dice con una increíble fuerza a su marido que si quiere su admiración y sus favores, se los tendrá que ganar.

El segundo cambio fue esa magnífica parte final en la que deletrea el nombre de la canción (“R-E-S-P-E-C-T”) y los coros de sus dos hermanas, Carolyn y Erma, cantan a continuación ese veloz, misterioso y muy debatido “sock it to me / sock it to me / sock it to me...”. La frase era popular en los sesenta gracias a un programa de televisión y significa, básicamente, “dámelo ya”, pero tiene un doble sentido sexual y una sonoridad parecidísima a la frase “suck it to me”, una invitación a la práctica del sexo oral.

Ballade en novembre, canción de la francoholandesa Anne Vanderlove que en 1967 adquirió celebridad con esta canción ganadora del Grand prix du disque en Francia. No fue conocida gran cosa en España a pesar de que el disco se editó en español pero no hay forma de encontrar una grabación en Internet. Yo la tengo en un single y veré como la reproduzco aquí.

Conocí la canción por un hispanofrancés que veraneaba en San Vicente de la Barquera y la traía grabada en un magnetofón. Me gustó y cuando volví a Madrid la escuché en español y compré el disco. 

Groovin’ pieza de 1967 de The Young Rascals que estuvo a punto de no publicarse pero al final consiguió llegar a nº 1, le quitó esa posición Respect durante 2 semanas, y luego Respect volvió al primer puesto. Es una sencilla canción de amor que se hizo muy pegadiza aquel verano.

La idea parte de un individuo de un grupo musical que trabaja durante la semana y los sábados, pero los domingos por la tarde tiene libre para "enrollarse" con su chica.

Durante el verano del 67 los dos álbumes que dominaron el mercado americano fueron el Sgt. Peppers y Groovin' y yo tuve la suerte de que un amigo americano me trajera los dos en los primeros días de agosto. Así estuve en la onda desde el principio.

Los siguientes LPs que grabaron The Young Rascals ya fueron con el nombre de The Rascals.

Frank Sinatra II

When you're smiling: de 1928, con numerosísimas interpretaciones de diversos músicos y que en 1950 fue grabada por Sinatra que, como en muchas de sus otras canciones, grabó varias veces a lo largo de su vida. También la cantó en la película de 1951 Meet Danny Wilson donde Shelley Winters (esposa de Vittorio Gassman) y Raymond Burr (Perry Mason) actuaban.

Como standard ha sido interpretado por muchos de mis más apreciados músicos: Louis Armstrong, Dean Martin, Duke Ellington, Nat King Cole, Rufus Wainwright,…

I Get a Kick Out of You es una canción de Cole Porter, que fue interpretada por primera vez en 1934 en el famoso musical Anything Goes, del que el autor del libreto fue uno de los escritores con los que más divertidos momentos he pasado cuando era joven, P. G. Wodehouse.

Hay un montón de temas de Anything goes en el inconsciente colectivo, colocados en infinidad de recopilatorios de canciones, hechos por los más diferentes artistas de todas las épocas, o en famosísimas películas.

La letra de esta canción tuvo variaciones importantes a lo largo de los años. Originariamente al final de la canción se mencionaba a la esposa del famoso aviador Lindbergh; tras el rapto del hijo se cambió la letra de esos versos; luego para la película de 1936 se eliminó la referencia a la cocaína “Some get a kick from cocaine” por “Some like the perfume in Spain” (como si en España en aquellas fechas se estuviera para mucho perfume).

Sinatra cantó las dos versiones, la de la cocaína y la de Spain. En el video de 1954 con Dean Martin es la del perfume en España. Y cuando Dean Martin lo escucha pone cara de “a qué viene esto”?

You Make Me Feel So Young de 1946, también para un musical, Sinatra la grabó en 1956 en el que sería uno de sus álbumes conceptuales (Songs for swingin' lovers!. La canción es positivamente alegre y está llena de energía y emoción, y es obvio que Sinatra se está divirtiendo cantándola. La orquesta es la de Count Basie y los arreglos de Nelson Riddle, de lo mejorcito, como siempre le gustaba hacerlo. Con un tempo semejante a los latidos del corazón.

Autumn leaves sobradamente conocida canción francesa de 1946, popularizada por Yves Montand y grabada por Sinatra en 1957 para el LP Where are you? del conjunto de álbumes conceptuales de la Capitol Records.

Aquí introduzco un momento de relajo, como en I get a kick,  y vemos una grabación en la que le acompaña Bob Hope en un gag simpático.

The Best Is Yet To Come compuesta en 1959 y grabada por Frank Sinatra en el 64. Fue la última canción que Sinatra cantó en público en febrero de 1995. Y el título de la misma está grabado en su tumba.

Esta canción fué la que despertó a la tripulación del Apolo X la jornada en que, tras varias órbitas a la Luna, iban a alunizar.

Fly me to the Moon, originalmente en 1954 tenía como título In other words. La versión de Frank Sinatra de 1964 estuvo estrechamente asociada con las misiones Apolo a la Luna. En 1999, el Songwriters Hall of Fame, con sede en los Estados Unidos, reconoció la importancia de "Fly Me to the Moon" al inducirla como una "Towering Song" (Canción imponente), que un premio "...concedido cada año a los creadores de una canción individual que ha influido en nuestra cultura de una manera única durante muchos años".

El tempo original era más lento pero Sinatra decidió darle un gran toque de swing en el que todo parece explotar con energía.

Es curioso lo que ocurre con dos de las más famosas canciones de Frank Sinatra. My way,una canción francesa que adaptó Paul Anka para Sinatra y se convirtió en la canción “firma” del mismo. Pero él no podía soportarlo, diciendo que "detestaba" la canción. En sus últimos años, describió la canción como "un éxito pop de Paul Anka que se convirtió en una especie de himno nacional". En una entrevista en el 2000, la hija de Sinatra, Tina, dijo: "Siempre pensó que la canción era egoísta y se mostraba indulgente. No le gustó. Esa canción se le atascó y no pudo sacársela."

La otra, Strangers in the night"; tiene un montón de problemas de autoría y para empezar, Sinatra no la quería cantar, enfrascado en pleno ‘affair' con Mia Farrow a pocos meses de la boda —luego la utilizó como marcha nupcial—. Frankie decía que era una «mierda» de melodía, una de las peores canciones que había oído en su vida.

A mí, incluso antes de saber la opinión de Sinatra, tampoco me hacían mucha gracia las dos. Quizá por snobismo y llevar la contraria a la gente, vaya Vd. a saber. En el último video, vemos a Dean Martin que semeja estar presentando a un grupo y sale de fondo el final de Strangers in the night. La cara de Dean Martin lo dice todo y, por si hay dudas, él también. De hecho, en la grabación original de Sinatra sale el “du bi du bi du”, pero en las actuaciones en directo o no lo cantaba o lo cambiaba.

Frank Sinatra I

Frank Sinatra cantó por primera vez Stardust cuando estaba en la banda de Harry James. De hecho, la primera canción que cantó con la orquesta de Harry James fue esta, en 1939. El presentador de la actuación dijo: “Damas y Caballeros, éste es nuestro nuevo vocalista y no tenemos ningún arreglo para él aún. Frank, crees que podemos hacer algo para que cantes?” Sinatra gritó “Stardust”, la cual, no es la canción más fácil de cantar para empezar en una banda.

El video nos muestra una actuación promocionada por Lucky Strike, cuando el tabaco no era malo para la salud.

All or nothing fue la primera canción grabada como profesional con la orquesta de Harry James en 1939. Luego la grabó multitud de veces. Como es una de mis preferidas de Sinatra, está entre mis elegidas para tocarla con el saxo tenor.

Cuando entró Sinatra en la orquesta, ésta se anunciaba como “Harry James y su Orquesta, con el vocalista Frank Sinatra” y, poco después, el anuncio era reemplazado por  "Frank Sinatra, acompañado por Harry James y su Orquesta”.

I'll never smile again: En 1940, Dorsey contrató un nuevo vocalista, Frank Sinatra, que había cantado previamente en un cuarteto, The Hoboken Four, y con Harry James. Sinatra, The Pipers y  Jo Stafford se unieron a la orquesta de Tommy Dorsey para grabar un gran éxito, I'll Never Smile Again, en ese año. El grupo tuvo doce éxitos más con Dorsey, y diez de ellos con Sinatra.

El single I’ll never smile again fue el primer nº 1 en la primera lista de singles de Billboard en 1940. La compositora era canadiense, con lo que la primera canción nº1 en Estados Unidos era, de hecho, canadiense.

La II Guerra Mundial estaba en pleno apogeo cuando  se grabó  esta canción, aunque Estados Unidos no entró en la guerra hasta 1941. Con tal tema de anhelo y angustia, la canción resonó en muchos oyentes que tenían a sus personas queridas luchando y sufriendo, y  llegó a ser muy asociada a la guerra.

La influencia de Dorsey en el estilo de Sinatra son significativas y así lo reconocció: "lo aprendí todo sobre la dinámica, el fraseo y el estilo por la forma en que tocaba su trombón. Tommy Dorsey fue para mí un verdadero maestro tanto en la música como en el negocio, en todos los aspectos".

I've Got You Under My Skin  está compuesta por Cole Porter en 1936, y Sinatra la cantó por primera vez en 1946. Al volver a grabarla con Nelson Riddle y su Big Band 10 años más tarde, le dió el sello definitivo con un swing espectacular. Cole Porter escribió “I’ve Got You Under My Skin”, pero Frank Sinatra la parió.

One For My Baby (and One More For the road): el primer intérprete de esta canción fue Fred Astaire en 1943. Sinatra hizo su primera versión en 1947. Llegó a grabarla hasta en siete ocasiones distintas. "Hay una gran diferencia en cantar estas canciones cuando estás en los 40 años, luego tienes una idea diferente cuando tienes 70 y se acerca el final.

La canción es realmente un lamento a Joe, el barman. Mercer (autor de la letra) fue un notorio alcohólico y no es difícil imaginarle contando esta historia al barman a las “3 menos cuarto”.

Cuando Sinatra interpretaba esta canción en un club, era un momento especial, un sencillo foco iluminaba su cara y la cantaba solo acompañado del piano y un cigarrillo. Para la sesión de grabación de 1958 recrearon en el estudio el ambiente de un club y necesitaron una sola toma. El video semeja mucho las pinturas de Edward Hopper como la que encabeza esta entrada.

The best things of life are free, canción de 1927 del musical Good News que en 1947 volvió a popularizarse gracias a las grabaciones de Jo Stafford, Dinah Shore y The Ink Spots.

No es una de las más características canciones de Sinatra pero en éste video con Dinah Shore en 1962, vemos el ambiente que imprimía a sus actuaciones. Hacía lo que quería y cuando quería y, siempre, levantaba al público.

You’ll never know

You'll Never Know es una canción escrita por Harry Warren en 1943, con letra de Mack Gordon, para la película Hello, Frisco, Hello donde era cantada por Alice Faye. La canción ganó el premio Óscar a la mejor canción original de dicho año, y curiosamente, 74 años después, otra película, La forma del agua, incluyó esta canción en su banda sonora como tema principal y ganó el Oscar a la mejor banda sonora de 2017.

Ese mismo año de 1943 fue grabada, entre otros, por Frank Sinatra y Dick Haymes. Tuvieron mucho éxito aunque fue la de Dick Haymes la que logró mejores resultados y la que me gusta más. Las grabaciones de Sinatra y Haymes lo fueron durante la huelga de músicos del sindicato de músicos de 1942-1944. Como resultado, la grabación se hizo a capela, solo con grupos vocales reemplazando a los instrumentos usuales.

Es una estupenda canción y al conocer la anécdota de como había sido grabada por Dick Haymes (una de sus esposas fue Rita Hayworth), me quedó para siempre. En el video van apareciendo fotos de distintas cantantes que cantaron esta canción en aquellos años.

La canción fue grabada durante la II Guerra Mundial y en ella se trataba, como en otras muchas de la época, de la separación entre dos enamorados y debido a su éxito fue grabada por muchos cantantes y era un símbolo de aquellos días.

Cantaron e hicieron versiones famosas, además de los mencionados antes: Anne Shelton, Harry James con Rosemary Clooney (tía de George Clooney), Vera Lynn, Nat King Cole, Jim Reeves, Doris Day, Bing Crosby, Boby Darin, Brenda Lee y Barbra Streisand.

Otras dos versiones que me encantan son las de Nat King Cole en 1957.

Y la de Jim Reeves, que aunque murió en 1964 no salió hasta 1965. En realidad se parecen mucho en el fraseo aunque Nat King Cole la hace con swing y Jim Reeves la hace perfecta para ligar en un bailongo (de los de antes).

En 2017, el Oscar a la mejor banda sonora correspondió a La forma del agua y en ella tiene un papel destacado You’ll never know. Primero con una escena de la peli de Alice Faye y luego cantado por Renée Fleming y la London Symphony Orchestra y bailado por los dos personajes principales de la peli.

Adamo

Un cantante que en los 60's nos encantó a todos fue Adamo. Primero llegaron sus canciones en francés, aunque la primera que se hizo algo conocida en 1964 en España, a pesar de que buscando en Internet casi siempre pone que es posterior, fue Dolce Paola en italiano y se refería a la princesa Paola de Bélgica.

Luego nos cayó del cielo el Tombe la neige que era una joya. La escribió con 20 años y aunque le aconsejaron esperar al invierno por aquello de la nieve, Adamo se obstinó y se difundió en pleno verano. Y en ese verano se decidió mi vida, así que además de convertirse en un gran éxito internacional y un clásico, a mí no se me podrá nunca olvidar ni la canción ni lo que fue ese verano.
Esta canción está compuesta con una métrica haiku, por lo que tuvo una especial aceptación en Japón. Muchos piensan allí que es una canción tradicional nipona. Estuvo 72 semanas en cabeza de las listas japonesas, casi un año y medio.
Era, y es, una canción que entonces bailábamos lo más agarrado posible ya que todo llevaba a ello. Y a las chicas les encantaba las canciones de Adamo. Lo se porque tenía 3 hermanas, 6 cuñadas y 1 novia que ponían los discos continuamente y cuando hizo las versiones en español, más.

En este primer EP venían 4 canciones geniales, 3 de ellas a mí me tocaban la fibra más sensible. El Tombe la neige, Si jamais y Quand les roses.

Ponías el disco y no había que separarse más que para darle la vuelta rápidamente y, casi siempre, había alguien junto al tocadiscos que se encargaba de ello. Así que no permitía que nadie viniera a romper el hechizo y podías bailar un buen rato pegadito (dentro de lo que se podía en el 64). 

Si jamais es una preciosa canción, por lo menos para mí y mis  amigos y amigas próximos.

Quand les roses me lleva a las Navidades del 64, cuando hacía  3 meses que no veía a mi reciente y primera novia y tenía tantas ganas de verla y ningún permiso de mis padres para hacerlo que decidí escaparme sin decir nada.  Era largarse de Madrid a Murcia y ya tenía el billete de tren. Pero los amigos y mi hermana me aconsejaron que no lo hiciera.  Mientras lo decidía o no en casa de Eugenio, amigo y compañero de Preu, escuchábamos música. Dos eran las canciones que repetíamos, Tell me de The Rolling Stones y Quand les roses.

Terminé por no escaparme, me llevé la consabida bronca ya que se supo mi intención y, finalmente, después de Reyes, me dieron permiso.

El EP con sus canciones en español también fue un bombazo. Por todas partes podías escuchar cualquiera de sus canciones y cantarlas al unísono. En los años 60 del siglo pasado era el artista que más discos vendía en el mundo tras The Beatles. Vendió más de 100 millones de copias en todo el mundo y grabó en varios idiomas.Estas canciones eran aprovechadas como coartada para iniciar cortejos aproximativos durante el baile agarrado, que sus compases ritmados y la suavidad de sus letras invitaban a recorrer. En la España de entonces, las canciones de Adamo fueron en principio recibidas con algún recelo, por considerar su interpretación algo afectada. Pero, poco a poco, su música, sus letras y la sencilla dulzura de sus acordes fueron imponiéndose. Cada nuevo título de Adamo se elevaba en las listas de ventas hasta la cúspide, compitiendo con los The Beatles.

Aquí tenemos Ella anda y J'aime de 1965.

El guateque fue en la España de esos años el único escenario permitido para el "ligoteo" entre adolescentes convocados alrededor de la música bailable. Tocadiscos, patatas fritas, refrescos y marcha eran requisitos imprescindibles para la fiesta. La gran prueba para incorporarse a un guateque era la de vencer la timidez. El otro reto consistía en llevar el compás con desenvoltura, sin pisar a tu pareja y poder dialogar mientras se bailaba cada vez más cerca. La música de Adamo se convertía en la mayor ayuda para estos acercamientos.  Y podíamos entender la letra ya que en Bachiller, hasta los años setenta, tuvimos por lengua extranjera obligada la francesa, amorosa por excelencia.

Otras del 66, de las que nos facilitaba el canto en español fueron Un mechón de su cabello y Sonnet pour notre amour. La verdad es que hacía unas muy buenas versiones en español de sus canciones y pasábamos de un idioma a otro y de un disco a otro sin saber muy bien si eran el último o el penúltimo. Nos daba igual, eran un embeleso de canciones.

De igual forma que he elegido estas canciones podían haber sido otras muchas más. Fueron pocos años, pero era un no parar de recibir canciones estupendas de Adamo, en el momento  en que nos iniciábamos en los enamoramientos. Para despedirme lo haré con Elle etais belle pourtant, también del 66.

Aline - Je ne t'aime plus

En el verano de 1965, yo estaba en Berlin trabajando un poco y conociendo la ciudad y el ambiente. En los ratos libres escuchaba la radio para ver que se oía por allí y, aunque no dominaba ni mucho menos el alemán, si podía disfrutar de la música. Hubo una canción que me gustó sobre manera y aunque entendía la letra, ya que era en francés, no podía coger el título, Aline, que yo interpretaba como A l'une y esto no pegaba mucho. Al volver a España, trás un viaje esperanzador por una parte, ya que iba a ver a mi novia, y desastroso por otra, ya que no llevaba ni un duro y pasé hambre, haciendo escalas en Frankfurt, Barcelona, Valencia y Murcia para ir recogiendo, gracias a amigos, dinero y vituallas con las que proseguir el camino hasta Los Alcázares, donde después de disfrutar de mi reencuentro con ella, pude enterarme que la canción era Aline, que la cantaba Christophe y que era muy buena para escuchar y bailar con mi chica.

Más tarde me compré el disco en el que tambien estaba Je ne t'aime plus. Mientras que en Aline, el muchacho grita su desesperación y su tristeza tras el verano y su enamoramiento de Aline que con la llluvia del otoño se ha alejado; en Je ne t'aime plus, éste muchacho le devuelve la moneda diciéndole que se vaya a freir espárragos, que ya no la quiere. Es una canción con dos partes y están en su primer disco aquí en España. Es un buen disco que dio mucho juego en los “guateques” de aquellos años.

Mientras que en Inglaterra y Estados Unidos My Generation, Satisfaction o Help se repartían los primeros puestos de Hit-Parade, en Francia y España el éxito del verano se disputaba entre Hervé Vilard con Capri c'est fini y Christophe con Aline.