Escuchando música, la actividad que me ocupa más tiempo, seguida de pasear con mi perrita Cavalier, he llegado a algo más moderno que la música de los 60's. Y no es fácil.
Primero, ni siquiera he llegado yo, ha sido Mamen quien me ha avisado que había escuchado a una francesa agradable, Louane, que alcanzó la fama tras ser semifinalista en la segunda edición de La Voz en Francia. Algo así como Operacion Triunfo aquí. Participó en la película La Familia Bélier, con la cual ganó un Premio César.
Su primer album, Chambre 12, salió en 2015, y fue el album más vendido en Francia aquel año.
La canción Jour 1 nos habla de la maravilla de esos primeros días en los que sólo quieres que la vida sea eterna para que no tenga fin esa felicidad, pero el paso del tiempo hace que las tormentas lleguen y que al final sólo haya amargura en tu pecho. Pero ese primer día es al final el único que recuerdas.
Si t’étais là, de su segundo album en 2017, es un tema triste que evoca con nostalgia la gente querida que hemos perdido.
Echymosses, también de 2017, compuesta por Benjamin Biolay, habla, como no, de amor y es, posiblemente, la más bonita de su segundo album.
Y segundo, el último concurso OT donde han destacado, para mi gusto y el de muchos otros, Amaya y Aitana. Es una alegría verlas y escucharlas. No solo cantar, sino cualquier cosa que digan. Me ha parecido encantadoras y con unas voces fantásticas. Si consiguen buenas canciones y se mantienen la mitad de espontáneas que ahora, pueden ser lo mejor en muchos años.
En el ensayo de Chandelier, vemos a una encantadora Aitana (las dos encantan, atraen la mirada de tal forma que resulta imposible dejar de mirar) interpretando el ensayo de la canción, y da igual que sea un ensayo. es una actuación perfecta.
Y Amaia está tan entusiasmada como yo. Y su reacción final es la de una buena persona que reconoce lo bueno de la otra siendo tan magnífica cantante o mejor que Aitana.
Y así lo vemos en Love on the brain. Amaia, tan inocente y tímida como parece, dijo que tenía que “ponerse cachonda” para cantar esta canción. Sube al escenario y lo hace. En cuanto empieza a cantar, se transforma, es genial.
Aitana cantó una canción de Manuel Alejandro, Procuro olvidarte, preciosa en su voz, para mí mejor que la original, y la bordó.
Y finalmente, Amaia en Miedo que por mi gusto supera la de M-Clan.
En estos días han coincidido dos hechos que me han resultado muy cercanos. Por un lado he comenzado a leer ¿Qué me estás cantando? - Memoria de un siglo de canciones de Fidel Moreno y, por otro, se ha celebrado el 75 aniversario de la Academia General del Aire (AGA) en San Javier (Murcia). Qué tienen que ver estos dos hechos conmigo? En principio es a través de mi padre como se relacionan.
Es muy probable que nuestro gusto musical quizá comience desde antes de nacer. Casi 4 meses antes de nacer aprendemos a distinguir las voces humanas, los ruidos y la música. Y unas 25 semanas de gestación permiten desarrollar el sentido del oído de tal forma que nuestras madres pueden sentir cómo reaccionamos.
Una vez nacidos respondemos a los aspectos emocionales y tonales de la voz humana y el canto de los otros juega un papel primordial en nuestras socialización. A partir de los 2 años, ya somos capaces de memorizar y apreciar canciones que nos llegan.
Estas primeras canciones que aprendemos nos acompañan a lo largo de nuestra vida, siendo de las últimas cosas que olvida un enfermo de Alzheimer. No es casualidad que las primeras grabaciones fueran unas nanas. La primera grabación que se conoce es de algo antes de 1860 en Francia, era muy deficiente y aún no podía reproducirse. Su titulo, Au claire de la lune, una nana francesa conocida por todos. Y la primera que se grabó y reprodujo gracias a Edison fue en 1893, Mary had a little lamb, otra nana. Así vemos como las nanas no sólo son las primeras canciones que recordamos sino, incluso, las primeras que se grabaron.
A finales de 1914, el Ministerio de la Guerra encarga al coronel de ingenieros, Pedro Vives y Vich, director del Servicio de la Aeronáutica Militar y pariente mío, el proyecto de buscar el lugar más adecuado para el establecimiento de una base de hidroaviones. Tras recorrer toda la costa mediterránea española, desde Algeciras (Cádiz) a Portbou (Gerona), Vives comunica al Ministerio que el emplazamiento más apropiado para establecer la primera base de hidroaviones de España es Los Alcázares, localidad situada en el centro de la ribera occidental del Mar Menor, que presenta unas condiciones naturales inmejorables: pocos obstáculos, mar tranquilo y poco profundo y abundantes días de sol al año. Entre San Javier (para los oficiales pilotos) y Los Alcázares (para los de Tropas) se instala la AGA en 1943 y, en 1945, en la primera o segunda promoción, entra mi padre.
Allí, un par de años más tarde nazco yo. Y allí, un poco más adelante, conozco a la que será mi mujer.
Como es natural, me cantaron nanas que no se me han olvidado. Las nanas no tienen por qué ser canciones infantiles e inocentes. Ya el Au claire de la lune era una cancioncilla picante. Y las hay que no parece que faciliten el sueño de un bebé, como la que dice : Duérmete niño, duérmete ya, que viene el coco y te comerá.
Curiosamente, era mi padre, no mi madre, quien nos cantaba, según recuerdo, 2 nanas. Y las 2 con un ambiente típicamente militar aunque no lo eran en su origen.
Una, yo la conocía por A la ro ro mi bien y tenía esta letra que, con pocas variaciones, decía:
Duérmete pequeñín, Duérmete mi galán, Pedacito de pan, Duérmete. A la ro ro mi bien, A la ro ro monín, Oh mi rey pequeñín, Duérmete. Un caballo y un tren, Un patín y un balón, Tú tendrás corazón, Duérmete. Centinela seré de tu vida hasta el fin, ¡Oh! Mi rey pequeñín, Duérmete.
El video lo he encontrado insistiendo, y me ha demostrado que existía esa nana y que aún se canta.
La canción utiliza la música de la alemana tradicional Muß i denn, de 1827. La música la aportó Friedrich Silcher (el autor de la famosísima "Yo tenía un camarada"). Se expandió con rapidez por todo el territorio que después sería Alemania, y por el resto del mundo occidental. La Legión extranjera francesa la canta actualmente con el título de “Je revois mon village”. Aunque la canción pertenece al mundo tradicional, sin ninguna connotación militar, se convirtió en canción de soldados con la misma letra, debiendo cantarse, seguramente, en la 1ªGM, y no hay que descartar que lo fuera antes, en la guerra francoprusiana de 1870.
Mi padre fue falangista, estuvo en la Legión, y en la División Azul. Por lo que no estoy seguro si la aprendió en Alemania o en España, donde también se cantaba durante la Guerra Civil. Nada más terminar ésta, aparece con el título "Lalalá" en un cancionero de una Organización Juvenil.
Siempre recordaba esta nana sin saber ni preocuparme de donde venía hasta que, a mediados de los 60, escuché el disco de Elvis Presley, Wooden Heart. Nada más oírlo me dije, esto lo conozco yo. Me puse a investigar y descubrí que eran la misma canción. Lo cual, me satisfizo.
Recordaba algo que en alguna ocasión me había contado mi padre sobre esa nana: Que había llegado a España en 1945 con una compañía de revista alemana "Los Vieneses" en la que actuaban Herta Frank,Arthur Kaps, Gustavo Re y Franz Johan, que se quedaron en Barcelona y durante los años 60 llevaron a cabo una gran cantidad (casi todos) de espectáculos musicales de enorme éxito en televisión.
De hecho, la principal artista de revista de aquellos años, Raquel Meller también la cantó cómo Duérmete mi clavel.
La otra nana que escuchaba de bebé, parecerá poco adecuada, pero teniendo en cuenta que soy hijo de militar y que mi padre estuvo en la Legión, tampoco es de extrañar. Sé de otros niños y niñas a quienes también les cantaban esta "nana".
El Novio de la Muerte o Nadie en el Tercio sabía era un charleston que solía ser cantado por Lola Montes en los años 20 del siglo pasado.
Un día fue escuchada por Millán Astray en Melilla. Al líder de la Legión le pareció una perfecta canción para lo que quería. Se quedó tan impresionado que pidió que le hicieran una transcripción para cambiarle el ritmo y adaptar la música al ámbito militar y, finalmente, la utilizó para la Legión. La primera versión como canción de la Legión fue luego ralentizada y es la que se usa en procesiones andaluzas, siendo la versión más conocida y apreciada. Por supuesto, mi padre me cantaba la versión lenta, no el cuplé.
Y cuando llega la última estrofa, Por ir a tu lado a verte..., en que se aumenta el volumen de las voces, se me hace siempre un nudo en la garganta con el que me es muy difícil seguir cantándola.
If I Had a Hammer es una canción popular americana escrita en 1949 por Pete Seeger, registrada por su grupo folk The Weavers y que no alcanzó un particular éxito. En 1962 lo retomaron Peter, Paul & Mary y subió al Top 10. Pero fue la versión de Trini López en 1963 la que resultó más conocida. El mismo año se adaptó al francés por Claude François y la interpretaron Les Surf como Si j'avais un marteau.
Les Surfs fue un grupo musical procedente de Madagascar que gozó de gran popularidad en el mundo francófono y en el de habla hispana en los años sesenta. Su mayor éxito fue la adaptación al francés y español del éxito de The Ronettes ,Be My Baby, titulado en español Tú serás mi baby. En los 60's en España se oían continuamente en español, salían muy a menudo en programas de TVE y todos podíamos tararear sus canciones.
Eydie Gormé hija de inmigrantes de origen sefardita hispano-turco, nació en Nueva York. Se perfiló como una gran cantante estadounidense desde principios de los 50's. Con su esposo Steve Lawrence, llegó a formar uno de los duetos más apreciados en USA. Fue en el año de 1963, cuando Eydie grabó como solista la canción Culpa de la Bossanova, que alcanzó la popularidad en México y demás países de habla hispana. Cualquiera de cierta edad la reconoce instantáneamente. En todo caso, su consagración e internacionalización definitiva fue en 1964, cuando grabó con el trío mexicano Los Panchos una serie de LPs de reconocidos boleros en español. Eydie cantaba en español bastante bien ya que trabajaba como intéprete de español.
Con Cúlpale a la Bossanova se inicia la sensibilización de Brill Building hacia la música latina.
Gigliola Cinquetti siempre me ha caido bien desde que empezó con 16 años ganando con Non h'o l'etá en SanRemo y Eurovision en el 64 y otra vez en SanRemo en el 66 con Dio come ti amo. Pero incluso un poco antes del Non ho l'eta grabó Quando Vedo Che Tutti Si Amano en el 63 y aunque es mucho menos conocida que otras a mí me gustó mucho. Gigliola grabó muchas de sus canciones en español y era frecuente verla en TVE.
Palito Ortega cantautor, actor, productor discográfico, director de cine y político argentino. En los 60’s tuvo muchos éxitos incluso en España destacando su canción más popular que fue Despeinada. En los 90 llegó a ser gobernador y luego senador.
En el 63, en Mexico, Los Hooligans hacen esta versión distinta a la de Palito Ortega.
Jean-Jacques Debout es un intérprete y compositor frances. Johnny Hallyday, Sylvie Vartan, Dalida y Chantal Goya fueron intérpretes de sus canciones. En 1964, participa en el Premio Rosa de Antibes con Nos doigts se sont croisés y gana el primer premio. Quizá, buscando no hubiera encontrado esta canción nunca, pero en el 64 y, no se cómo, llegué a ella y la recuerdo bien.
Una canción del cantante y compositor Johnny Tillotson que en los 60's tuvo varios éxitos entre los que destacan Earth Angel, Poesía en movimiento y ésta que traigo aquí, You Can Never Stop Me Loving You de 1963 que en su versión en español se tituló Que te deje de querer. Esta canción se versionó en español por varios cantantes entre los que destacan The Blue Diamonds, indonesios de nacimiento, que en la época en que triunfaron sus canciones tenían la nacionalidad holandesa. Su éxito con Ramona y Mona Lisa les llevó de gira por todo el mundo.
Los Sirex tambien hicieron su versión, quizá más conocida que la de The Blue Diamonds.
En el Festival de Eurovisión de 1965, Francia llevó esta canción N'avoue jamais por Guy Mardel, cantante franco-argelino que alcanzó el tercer puesto. Ese año ganó Luxemburgo con France Gall y su “Poupée de cire, poupée de son”. Tampoco es muy conocida pero es de las mías.
Jackson, canción escrita en 1963 pero que hasta 1967 no se hizo famosa al grabarla dos dúos diferentes. Por un lado Nancy Sinatra & Lee Hazlewood.
Y, por otro, más country, Johnny Cash & June Carter.
Esta última fue retomada por Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon, haciendo los papeles de Cash y Carter en la peli de 2005, Walk the line. Le tengo una especial simpatía a Reese Witherspoon. A mí, no se muy bien por qué, me parece una canción alegre que invita a tararear y mover los pies. Y el acompañamiento regular y continuo, como un trotecillo, de las cuerdas bajas de la guitarra le da un no se qué que me gusta.
Los Machucambos estaban compuestos por un español, un italiano y la voz de Julia Cortés, una costarricense que era nieta del Presidente de Costa Rica. El grupo se formó en Paris y tuvieron una amplia discografía. Entre otras destacan Pepito, Esperanza, Cuando calienta el sol, Duerme negrito. No es que se pueda considerar música de los 60's pero en 1960 fue cuando empezamos a oírlo aquí. En 1959 grabaron Pepito, su mayor éxito. Ya desde la primera noticia periodística sobre el trío, en noviembre de 1958, se destacaba su inconfundible presencia, sus pies descalzos (como años después Sandie Shaw) y su cara de campesina, descrita como “fea y sana”. Esta “campesina” se convirtió en un rostro frecuente en los periódicos de la época, en la vedette de la música sudamericana en Europa.La cultura latinoamericana causaba furor en Francia y su tradición musical les sirvió de impulso. El trío obtuvo un éxito inicial con La bamba y Duerme negrito , nunca antes grabados en Europa; pero el despegue verdadero vino con una gira por Francia y sus colonias de ultramar: Túnez, Argelia y Marruecos. Recorrieron más de 150 ciudades. Desde ese momento, y hasta la hoy, no hay un solo francés que haya vivido su juventud entre las décadas del 50 y del 60 que no recuerde con nostalgia a Los Machucambos.
Los jóvenes que vivieron el fenómeno aún lo recuerdan y lo tararean con la misma emoción: "Pepito, mi corazón, Pepitín, Pepitón. Pepito de mis amores...". En dos meses escaló al primer lugar en Francia y así se mantuvo durante más de nueve meses. Su impacto arrastró a Europa y Turquía e incluso llegó al número 19 de la revista Billboard , en los Estados Unidos.
En una entrevista, muchos años despues, Julita se sinceró: "(Nos) sucedió lo que le pasó a Ricky Martin, que con una canción idiota ( Livin la vida loca ), fascinó a todo el mundo y, ¡boom! , se hizo famoso".
Hank Ballard había escrito una canción titulada "Is Your Love for Real", basada en otra de Clyde McPhatter con The Drifters en 1955 titulada ”What'cha Gonna Do"; creando una completamente nueva canción simplemente poniendo la palabra Twist en la vieja melodía.
Era The Twist, compuesta finalmente en 1959 por Hank Ballard y que tuvo poco éxito, hasta que unos meses después, ya en el 60, se le presentó la ocasión a Chuby Checker de grabarla y alcanzó el nº 1 de Billboard Hot 100. Es la única canción que alcanzó ese puesto en dos diferentes épocas cuando volvió a resurgir en 1962.
Es una producción perfecta. Los coros hacen lo que tienen que hacer y en su momento, el saxo lo borda y las pausas o silencios le dan un toque genial. El twist marcó un punto de inflexión importante para la aceptación de la música rock por los adultos. En nuestro caso, hablo por los quinceañeros de aquellas fechas, en cuanto sonaba salíamos como locos a bailarlo. No había que tener pareja de baile, aunque si se tenía, mejor que mejor. Era el primer estilo de música con el que se podía bailar solo.
Run Samson Run es una canción escrita por Neil Sedaka y Howard Greenfield, destacados músicos del Brill Building y cantada por Neil Sedaka en 1961. La letra narra el relato bíblico de Sansón y Dalila adaptado a un amor de hoy día (o del principio de los 60's más bien). Siempre me ha caído bien está canción; es una música simpática.
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En alguno de los guateques que organizábamos, en este caso en Madrid en la calle Mª de Molina, durante los cursos 61 al 63, un compañero de clase trajo éste disco que nos gustó a todos y, que por supuesto, bailamos con gusto. Es Language of love de John D. Loudermilk fue un famoso compositor americano que entre otras sacó esta en 1961.
Quiéreme muy fuerte amor, hay muy poca información de ésta canción en la www. Sólo que es de Paul Anka y que 1962 tuvo éxito y, en España, y en español, si que alcanzó una resonancia importante. En octubre de 1964 yo la escuchaba recordando a mi novia.
Dance with the guitar man, pieza escrita en 1962 por Duanne Eddy y Lee Hazlewood e interpretada por Duanne Eddy a la guitarra. A finales de los 50's y principios de los 60's Duanne Eddy tuvo varios éxitos encadenados producidos por Lee Hazlewood que eran característicos de su sonido “twangy”, como Rebel Rouser y Peter Gunn. Una técnica de tocar las cuerdas bajas de su guitarra para producir un bajo y reverberante sonido “twangy”. Duanne Eddy fue el primer guitarrista de rock & roll en tener su propio modelo de guitarra. Siempre me ha gustado ese sonido.
Bert Kaempfert fue un director de orquesta aleman, productor, arreglista y compositor. Hizo, principalmente, música orquestal y compuso numerosos éxitos para otros cantantes, como Strangers in the night, Moon over Naples, Wooden heart.
En 1961 contrató a The Beatles para acompañar a Tony Sheridan en el álbum llamado My Bonnie. El álbum y sus singles para Polydor Records, fue la primera grabación comercial de The Beatles. Así Kaempfert formó parte del inicio de The Beatles.
Su LP de 1962 A Swinginn' Safari estaba fuertemente influenciado por el estilo de música kwela de SudAfrica; por lo que puede considerarse a Kaempfert como un temprano exponente de la world music que en 1986 seguiría Paul Simon con su Graceland.
A finales de junio del 63, fui una tarde al cine Coliseum en la Gran Via de Madrid (por cierto, resulta que ya no es cine como otros de la misma calle que han ido desapareciendo). Entre el NODO, los trailers y la pelicula había un descanso entonces y la música que sonó se me quedó grabada. Era Afrikan Beat de Bert Kaempfert y aún hoy día sigo escuchándola con sumo agrado. No me acuerdo de la peli pero si de la música del entreacto. Curioso.
Hay canciones que nada más iniciarse, con los primeros acordes, ya reconoces cual es. Ésta es de esas, cualquiera que sea su versión. Enseguida sabes seguirla, aunque no sepas muy bien cual es su título si Amor de mis amores o Que nadie sepa mi sufrir y rápidamente la asociamos a Mª Dolores Pradera y otros, si recuerdan bien, a Edith Piaf.
Es un vals peruano compuesto por el argentino Ángel Cabral en 1936; un tipo de música que en el periodo de 1930 a 1950 fue muy popular en HispanoAmérica, llegando a ser, ésta canción, un gran éxito regional.
Pero no fue hasta 1957 en que la versión de Edith Piaf la catapultó a todo el mundo con el título de La Foule. Los pelos de punta me pone esta señora. El movimiento de manos, las miradas al infinito y esa pronunciación...
A finales de los 50’s el grupo Los Machucambos, formado en Paris y compuesto por un español, un peruano y la voz de una costarricense, la hicieron popular en español. La voz de Los Machucambos siempre me ha impresionado desde que recuerdo.
Y, por supuesto, Mª Dolores Pradera con Los Gemelos que también me impresiona sobremanera.
Ya más recientemente, se han hecho arreglos algo diferentes como éste a ritmo de cumbia y, la verdad, hace mover el esqueleto. Margarita, la Diosa de la Cumbia es una de las más famosas cantantes colombianas-mexicanas.
Ya puestos a mover el esqueleto, había oído hace tiempo esta versión que creía de The Gipsy Kings pero casi. Es un grupo francés,
Chico y Los Gypsies, de rumba catalana, flamenco y otros ritmos latinos dirigido por el fundador de The Gipsy Kings en 1992.
Y como cosa curiosa y para terminar con esta sesión de Amor de mis amores, he encontrado esto que tampoco es moco de pavo. Lila Downs, Niña Pastori y Soledad en 2014.
Me dice un amigo que para cuando algo de The Beatles. Estos, junto a Elvis, son cosa aparte. Se podría estar meses escribiendo sobre sus canciones, cómo nos llegaron y afectaron. Elvis empezó con My Happiness en 1953 y, a continuación, The Beatles, desde 1963, con Please please me hasta su disolución como grupo en 1970, encierran mi infancia, adolescencia e incluso algo de mi edad un poco adulta, ya que me casé el año de su ruptura. Por supuesto que antes, durante y después ha habido y hay gente impresionante con canciones incluso más de mi gusto que las de los anteriores, pero sin ellos nada sería igual. Las compuestas por ellos en su primer LP venían firmadas por McCartney y Lennon y, posteriormente, ya siempre vinieron como Lennon y McCartney fuera quien fuera de ellos dos el verdadero compositor de las mismas.
Como se aprecia rápidamente, las canciones que más me gustan de The Beatles, quizá no sean las mejores e, incluso, no son compuestas por ellos, pero si son las que me han llegado más adentro y en su gran mayoría son de su primer LP, quizá sea por la edad y el momento en que llegaron.
Anna(go to him), es la 8ª grabación de la sesión del primer LP de 1963, Please, please me. Escrita y originalmente interpretada por Arthur Alexander en 1962 era uno de los temas favoritos de John Lennon, convirtiéndose en parte del repertorio de las primeras actuaciones The Beatles y como consecuencia fue grabada para su álbum debut.
El fuerte resfriado que Lennon sufría el día que grabaron Please Please Me se escucha en el tono algo reumático de su voz, que no hace sino agregarle al crudo dramatismo del tema.
Es una pena no disponer de video en vivo de algunas canciones de The Beatles. Ya es bien sabido que a partir del 66 ya no hicieron más conciertos en vivo.
Baby, it's you, de David & Bacharach. The Beatles interpretaron Baby It's You como parte de su repertorio habitual entre 1961 y 1963. El 11 de febrero de 1963 decidieron grabarla para su primer álbum, junto a la canción Boys, otro tema del grupo femenino americano The Shirelles.
And I love her, del LP A Hard Day's Night de 1964. En el curso 64-65 me enamoré de esta canción. Cuando iba a clase, me paraba en un bar cerca de casa, donde había una máquina de discos donde la pinchaba una y otra vez. La guitarra clásica de Harrison y los bongos de Ringo son una de las particularidades que la hacen genial. Como se comentaba fue el primer Yesterday de Paul ya que está compuesta y cantada en su totalidad por Paul.
Girl del LP Rubber Soul de 1965 es una de las más meláncolicas y complejas primeras canciones de amor de The Beatles. La instrumentalización tiene algunas similitudes con la música griega como en And I Love her y Michelle.
En los coros quisieron probar algo divertido imitando una canción de The Beach Boys en que decían la, la, la; The Beatles lo cambiaron por dit, dit, dit pero aún querían más y finalmente Paul yY George coreaban tit, tit, tit. Tit es teta en inglés.
All you need is love, tuvo su primera audición pública en el programa de TV Our World, el primer retransmisión mundialde de la TV. que fue visto por 4000 millones de personas en 26 países y fue transmitido vía satélite el 25 de junio de 1967, comenzando lo que se llamó “el verano del amor”. La BBC encargó a The Beatles una canción que pudiera entender todo el mundo, como representación del Reino Unido. La canción capturaba los utópicos sentimientos de ese verano del amor y subió a los primeros puestos de muchos países.
Todos renocemos en All you need is love, trozos de La marsellesa, de In the mood de Glenn Miller, algo de Bach, de She loves you y alguno más.
A day in the life, última pista del LP Sgt. Peper's Lonely Hearts Club Band de 1967. Después del crescendo orquestal final, la canción termina con uno de los acordes finales más famosos en la historia de la música. Muchos consideran esta pieza como una, si no la mejor, obra de la historia del rock.
My guitar gently weeps es otra de las piezas de The Beatles que difícilmente puede considerarse del grupo. Salió en 1968 en el álbum The Beatles, más conocido por el doble Álbum Blanco. Está escrita e interpretada a la guitarra por George Harrison tras su vuelta de la India. Y tras muchas pruebas se añadió Eric Clapton a la grabación.
Recuerdo como si fuera ayer cuando fuimos con Jose a comprar el Album Blanco en Madrid. En todo caso, la versión que me impactó fue la del Concierto de Bangladesh en 1971.
Hey Jude, primer secillo del sello discográfico Apple Records de 1968. Con más de siete minutos de duración, fue en su tiempo la canción más larga de la historia en ocupar el Top 10 de las listas británicas de sencillos. También pasó nueve semanas como n.º 1 en Estados Unidos —el tiempo más largo que ha permanecido una canción de The Beatles en la parte superior de las listas estadounidenses—.
En 2004, la revista Rolling Stone clasificó Hey Jude como la nº 8 entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos siendo el puesto más alto de una canción de The Beatles.
Long and winding road, del LP Let it be de 1970, penúltimo álbum de estudio aunque salió posteriormente al lanzamiento de Abbey Road. Los arreglos de Phil Spector no gustaron demasiado a Paul y dijo que el tratamiento dado a esta canción era una de las razones por las que dejaba el grupo. Es una triste y melancólica canción que anuncia un final.
Across The Universe, del mismo LP, como muchas de las canciones de The Beatles, ésta tambien tuvo sus particularidades de grabación, arreglos, producción, etc... La primera grabación fue en 1968 influenciada por el interés de The Beatles en la Meditación Trascendental. Para el LP, Phil Spector hizo unos arreglos que no gustaron demasiado. Se subió el tono original, luego se bajó , y, se añadieron coros. La inclusión en el LP fue en 1970. Y como no encuentro video que merezca la pena de The Beatles y he encontrado uno de Rufus Wainwright, cantante que me gusta mucho, acompañado de Dakota Fanning que me encanta, pues pongo este aunque también podría poner el de Amaia de OT que también me ha gustado.
El 5 de febrero de 2008 a las 00:00 UTC, la NASA transmitió Across The Universe en dirección a la estrella Polaris, a 431 años luz de la Tierra. La transmisión fue realizada usando una antena de 70m. localizada en las afueras de Madrid.
Aunque hubo épocas en que para epatar decía que me gustaban más The Rolling Stones o que el mejor de The Beatles era John Lennon, con el tiempo vuelvo a pensar que The Beatles eran superiores y Paul McCartney era el cerebro y enorme compositor.
Según voy recordando y leyendo sobre las canciones de The Beatles, aparecen muchas otras que no están aquí y que haría infinita esta entrada del blog. Ya anteriormente he tratado I saw her standing there y Twist and shout que están también entre las que más me gustan. Pero teniendo en cuenta esto y que es casi imposible encontrar videos en vivo con todo lo que me gustaría, tengo que dejarlo así.
Como antes del lanzamiento de un misil, la orquesta contaba del uno al ocho con pasos, giros y agitaciones incontables; zarandeaban el cuerpo entero sin dejar de dominar sus instrumentos; trompetas, saxos, timbales, contrabajo eran un banquete sonoro. Sus mecanismos de contorsión convertían una palabra en puro pretexto para dar algunos pasos mientras se pronunciaba otro “¡Maaambo!”.
El cubano Dámaso Pérez Prado, amo y señor del ritmo, mago del sabor, rey de reyes del number five, del number eight, y de todos los mambos, por y para siempre; adaptó, en 1955, un tema francés para hacerlo su buque insignia en Estados Unidos. La canción sería Cerisier Rose et Pommier Blanc, del músico catalán de origen italiano Louis Guglielmi, conocido también como Louiguy y que había compuesto la música de La vie en rose, que inmortalizara Edith Piaf. Pérez Prado cogió el tema de Louiguy y le "metió" un poco de cha-cha-chá, hizo que una trompeta llevase la melodía principal, que realizase un ritardando (a modo de bostezo) para luego volver a la melodía original y... ¡Tachán!...Exitazo. La canción, traducida al español como Cerezo rosa, manzano blanco, aunque normalmente conocida por Cerezo rosa, pronto se convertiría en una de las canciones compuestas por un latinoamericano más oídas de la historia en esas fechas, tanto en Estados Unidos como posteriormente a nivel mundial. Y aún hoy se sigue escuchando. Todo el mundo ha oído el chiste aquel del que había encontrado trabajo en la Orquesta de Perez Prado y cuando le preguntan que qué instrumento toca, dice que él es el que da el grito Auhh! cuando le tiran de los mismísimos .... En la película de 1955 La sirena de las aguas verdes con Jane Russell, exuberante como siempre, suena esta pieza y aunque la peli no valía gran cosa, a mi me quedó grabada la música, la actriz y el tema del submarinismo; así como que la vi el mismo día que "Siete novias para siete hermanos y esta si que es genial. Una de las pelis que siempre me alegra el día. En el mismo año, basta observar las listas de éxitos musicales a las que "Cerezo rosa" se incorporó, para advertir la presencia amenazadora de un hit más modesto que parece anunciar el fin de todas las otras músicas: Rock around the clock, por Bill Haley y sus Cometas.
En 1953, el mismo año en que Fidel Castro asaltaba el cuartel Moncada, en la primera acción armada contra la dictadura de Batista, en los clubes y academias de baile de La Habana arrasaba La engañadora. Aquella canción pegajosa de Enrique Jorrín, por aquel entonces director artístico de la Orquesta América, fue el primer chachachá, y su ritmo revolucionó la música popular cubana en los años cincuenta, causando furor en todo el mundo. Tanto el mambo como el chachachá provienen del danzón
En 1955, Rosendo Ruiz Quevedo creó otros dos chachachás legendarios, Rico vacilón y Losmarcianos. Rico vacilón es el chachachá más escuchado y grabado del mundo.
No tengo ninguna grabación de actuación en vivo de los principales interpretes americanos de este chachachá pero si se encuentra una de un italiano que en aquellos años lanzó conocidas canciones y fue muy famoso, Marino Marini.
Es difícil encontrar quien no haya escuchado y movido el culo con este chachachá, aunque ya seamos de una provecta edad.
En 1959, Eduardo Davidsón creó la canción La pachanga, una mezcla de son montuno y merengue. Y desde entonces se utilizó el término pachanga para referirse a este género musical. La pachanga es un chachachá más libre, más abierto, más dado a pasos diferentes y por ello, más popular por más bailable.
La pachanga pasó al número uno de las listas nacionales de la radio cubana y rápidamente se difundió por todo el Caribe. Al momento de la Revolución cubana en 1959, era la música más conocida de Cuba.
Es curioso como una palabra que surgió para definir un baile fue cambiando de sentido. Baile y Cuba se unieron para designar un acto social festivo, que poco a poco fue ampliando su sentido hasta designar un encuentro de amigos. En alguno de ellos alguien sacó un balón y empezaron a jugar al fútbol, extendiendo pachanga a ese partidillo sin demasiadas reglas ni seriedad.
El guerrillero argentino-cubano ''Che'' Guevara diría acerca de la ideología de la revolución: «Este es un socialismo con pachanga». El escritor y premio nobel Gabriel García Márquez, en su primera visita a La Habana dijo que Cuba era «una pachanga fenomenal».
A principios de 1960, en Nueva York y la Costa Este de Estados Unidos, la pachanga superó en popularidad al chachachá. En 1961, en la prensa de New York se habla de un nuevo ritmo que esta volviendo locos a los amantes del baile. "La pachanga ha llegado a esta ciudad para quedarse y volver locos a millares de personas que se han sentido atraídos por el ardiente ritmo. Lo que comenzó como un baile de locos hace menos de dos años se ha extendido por todos los centros nocturnos de la ciudad para contagiar a los amantes de la música brava. Ya no se oye decir: "Vamos a rumbear", o "a mambear se ha dicho". Ahora todo el mundo sale a la pachanguera.
Los Llopis eran un cuarteto cubano que inició su carrera a principios de los años 50 en las salas de fiestas de su país. Por entonces Cuba estaba llena de turistas yanquis que disfrutaban con el exotismo de las músicas caribeñas, los ritmos básicos en el arsenal de toda orquesta o grupo de la época tanto allí como aquí. Pero con el auge del rock and roll, el público más moderno comenzó a solicitar piezas de ese nuevo género; y ellos, que conocían los Estados Unidos por estudios y afición, ya estaban al día: en poco tiempo tuvieron preparadas unas cuantas versiones en español de los rockeros blancos como Elvis o Bill Haley, versiones que iban intercalando entre su repertorio más tradicional. Pero el 1 de Enero del 59 se acabó la diversión, llegó el Comandante y mandó parar: Los Llopis, que lo vieron venir, habían abandonado el país poco antes para establecerse en México, donde ya tenían un prestigio.
Allí grabaron un par de Lps. Pero en aquella época de EPs y singles, un disco grande no tenía el caracter de unidad que adquirió años después; por entonces se consideraba más bien como un cajón de sastre en el que podíamos encontrarnos de todo, y éste no fue una excepción. Porque ahí viene incluido un título que no tiene nada que ver con el resto: “La pachanga”. Qué lejos estaban los españoles de sospechar lo que se les venía encima…
Pero el caso es que fue esa canción la que los trajo a España, donde actúan por primera vez en la sala Florida de Madrid. Y de allí a toda España; se bailaba en las fiestas patronales o las que hubiere, amenizadas por la orquesta del pueblo (si una orquesta no tenía esa pieza en el repertorio, no era una orquesta). Esa furia pachanguera duró varios años; los bebés se hicieron niños, los niños adolescentes… y la nueva generación, hastiada de tanta pachanga, comenzó a darle el significado que hoy es más frecuente.
