Gloomy Sunday: una canción maldita

Aquí trataré de una famosa canción sobre la que se ha escrito lo indecible, y siguiendo mi manía de buscar versiones de las canciones que me gustan, trás una minuciosa búsqueda y selección, he llegado a éste resumen.

Gloomy sunday es una popular canción escrita en 1933 por el pianista húngaro Rezső Seress, que ha sido versionada por artistas de la talla de Billie Holiday, Sined O’Coonor, Björk, Ray Charles, Heather Nova, etc...Es considerada una de las canciones más tristes que se han hecho y también se la conoce como “la canción húngara del suicidio”, debido a que varias muertes se habían relacionado con el tema musical. La BBC decidió no emitirla en su canal. Esta censura duro 61 años, ya que la canción no se llego a escuchar en la emisora hasta el 2002.

En 1936, un año después de que se lanzara la primera versión interpretada por Pál Kalmár, la revista “Time” escribió un articulo asegurando que decenas de personas, se habían suicidado incitados por esta canción. Se basaron, en que la policía Húngara, había encontrado varios cuerpos sin vida con las partituras o textos de la canción en sus manos.

La maldición de “Gloomy sunday” no termina aquí, ya que en 1968 el autor de la canción, intentó suicidarse saltando por la ventana de su departamento, aunque sobrevivió. De todos modos, días después, encontraron su cuerpo sin vida en el hospital, tras haberse estrangulado con un alambre. Curiosamente, el mismo año de este suceso, el primer artista en interpretar la canción, Pál Kalmár, perdió su voz tras una operación de garganta. La gran leyenda urbana acerca de los suicidios y muertes violentas alrededor de esta canción no ha llegado a demostrarse científicamente. En un inicio fue nombrada como “Vége a világnak “(El mundo se acaba) aunque posteriormente se reemplazó la letra por un poema “Szomorú Vasárnap” (Domingo triste).La versión original trataba sobre los desastres del momento (depresión, ambiente prebélico,...) bajo la influencia también del abandono de la pareja del autor. La segunda versión ya incide en el tema sobre un hombre que tras la muerte de su amante decide quitarse la vida un domingo (el mismo día del fallecimiento de su amada).

La primera version de Pál Kalmár de 1935 llegó a emitirse por la radio con un aviso sobre su peligro al escucharla y que tenían 10 segundos para desconectar la radio antes de que empezara a sonar. Una buena campaña publicitaria

La letra en inglés de ésta primera versión:

It is autumn and the leaves are falling

All love has died on earth

The wind is weeping with sorrowful tears

My heart will never hope for a new spring again

My tears and my sorrows are all in vain

People are heartless, greedy and wicked...

Love has died!

The world has come to its end, hope has ceased to have a meaning

Cities are being wiped out, shrapnel is making music

Meadows are coloured red with human blood

There are dead people on the streets everywhere

I will say another quiet prayer:

People are sinners, Lord, they make mistakes...

The world has ended!

La versión que apareció en USA en 1936 era la de Sam M. Lewis, quien al traducir y editar la letra de la canción había incorporado una última estrofa para suavizarla. Un último fragmento en el que la desesperante situación inicial que narraba la cantante aparecía como un simple pero atormentador sueño.

Otro drástico cambio de estilo para la misma pieza es el de Artie Shaw en 1940 con un fantástico swing y un clarinete excepcional. Resulta hasta alegre en algunos momentos.

En las versiones en inglés, a partir del 36, la letra traducida ya es:

El domingo es triste. Horas sin dormir.

Cariño, las sombras con las que vivo son innumerables.

Pequeñas flores blancas que nunca te despertarán.

Allá donde la negra carroza te ha llevado.

Los ángeles no tienen pensado devolverte.

¿Se enfadarán si pienso en unirme a ti?

Domingo triste.

El más triste domingo, pasándolo junto a las sombras.

Mi corazón y yo hemos decidido terminar con todo.

Pronto vendrán las velas

y las oraciones, lo sé.

Pero no les dejeis llorar.

Hacerles saber que estoy encantado de ir.

La muerte no es un sueño. Gracias a ella te puedo acariciar.

Con el último aliento de mi alma, te bendeciré.

Domingo triste.

Soñando. Tan solo estaba soñando.

Me levanto, y te encuentro despierta

en lo más profundo de mi corazón. Aquí.

Cariño, espero que mi sueño nunca te hechice.

Mi corazón te está diciendo cuanto te quiero.

Domingo triste.

No podía faltar la versión de la cantante que lanzó esta canción a la popularidad y la mejor versión o, por lo menos, la que más me gusta junto con la de Heather Nova. Es Billie Holiday y fué en el año 1941.

En 1999 se estrenó una película germano-húngara Ein Lied von Liebe und Tod sobre un triángulo amoroso con trágicas consecuencias durante la II Guerra Mundial basada en la canción. La película lleva desde el año 2001 poniéndose en un cine de Nueva Zelanda, y en una localidad de Massachusetts estuvo proyectándose 70 semanas consecutivas. En la película hay una escena en que la actriz canta esta canción.

En la banda sonora de ésta película también está la versión de Heather Nova, con un cambio de ritmo muy moderno, y también he encontrado otra versión en directo de la misma cantante en el año 2003 con acompañamiento sólo de un piano que deja embobado por la canción y por la presencia física de Heather Nova.

1999

2003

Y finalizo, cronológicamente, con una versión que cantaba la actriz española Lucía Jiménez en la película del año 2006, La caja KovaK. La película toma como uno de sus elementos principales la famosa canción "maldita" Gloomy Sunday. La versión es muy parecida a la primera de Heather Nova e incluso Lucía Jiménez tiene un aire a Heather Nova. 

My Funny Valentine

Esta canción era una de varias de un musical de 1937, "Babe in Arms"

de los superconocidos Rodgers y Hart. Para ser una canción de amor ya resultaba un tanto extraña, ya que habla de la risible apariencia física de la amada, de su figura alejada de los cánones griegos, de su boca poco agraciada y que no dice cosas inteligentes, y a pesar de todo se convirtió en una de las baladas más grabadas del siglo pasado. Resulta fácil de tocar con el saxo si no se pone uno a hacer uno cosas cómo Miles Davis, y a mí, como me gusta esta pieza, me llega a salir decentemente.

Dos trompetistas trataron de hacer suya esta canción, Miles Davis y Chet Baker. Se suele acusar a Baker de seguir los pasos de Davis pero en este caso fue Baker el primero en identificarse con este estándar y el que más años lo mantuvo en su repertorio. Llegó a grabar cerca de 40 versiones. A principios de los años 50 pocos músicos tocaban My Funny Valentine, pero tras el éxito de Baker, tanto instrumental como vocal, muchos músicos de apuntaron al carro. En 1954 se grabaron más versiones que en las décadas de los 30 y 40 juntas.

Cómo escuchante clásico, a mí me gustan más la versiones de Chet Baker que las de Miles Davis. E incluso más, las versiones de Ben Webster, o Artie Shaw. En las canciones me gusta reconocer la melodía y poder seguirla, cosa que es difícil con Davis. Quizá para tocar la pieza se disfrute más con la versión de Davis, pero para escucharla prefiero la de Baker.

Voy a empezar con una versión de Chet Baker en vivo en Turin en 1959 y otra en Tokio en 1987 unos meses antes de morir en Ámsterdam al caerse por la ventana ayudado por todo lo que se había metido. Se nota claramente como el paso de los años no le había tratado bien. Demasiadas drogas y los peligros que ello conlleva, como el que le apalearan una vez en que las estaba buscando y le dejaron prácticamente sin dientes. Esta versión, que es larga, viene estupenda para un momento romántico en una sala de las de antes, tomando un whisky y un cigarrillo, acompañado de tu pareja, en un ambiente en penumbra. Vamos un momento para recordar.

1959

1987

En 1953 Frank Sinatra utilizó la canción para abrir su LP Songs for Young Lovers y esto fue decisivo para que My Funny Valentine saliese de la subcultura del jazz y aterrizase en los tocadiscos del estadounidense medio. Creo que en el video le acompaña su hija Nancy  antes de hacerse famosa con "Las botas hechas para caminar". Más que nada porque se parece bastante a Sinatra y me recuerda a la del video de esa canción.

Y como canta el c..... Es acongojante la voz que tenía La Voz.

Iba a poner la versión del Quinteto de Miles Davis en 1964, con Wayne Shorter al saxo tenor, Herbie Hancock al piano, Ron Carter al bajo y Tony Williams en la batería.Son buenos en lo suyo, pero aparte de durar más de 12 minutos, me resulta pesado como ya he comentado al principio, así que se queda en el aire. Esto del free jazz no está hecho para mí. Cómo decía mi amigo Jóse, cuando escuchábamos a Pedro Iturralde, Jaime Marques, Tete Montolíu y otros en el Borbon Street de Diego de León o en el Whisky Jazz de Villamagna: "a ver si coge el hilo y vuelve al tema porque me parece que se ha perdido". 

Para terminar, mi versión preferida, la de Ben Webster al saxo tenor en 1954. Para continuar el momento romántico anterior pero ya completamente entusiasmado.

Otras sencillas y agradables canciones 2

Esta canción también fue nº 1 en varios países. En España funcionó pero sin llegar a extremos. En todo caso a algunos nos gustó y nos trae recuerdos de aquel 1965. La canción es Long live love y la canta Sandie Shaw que sin ser una cantante para entusiasmar tenía su gracia e "iba descalza".

I got you baby  por Sonny & Cher, compuesta por Sonny en 1965 y producida por Phil Spector, y se nota.. Antes habían hecho los coros en Be my baby con The Ronettes tambien producida por Spector.

Una canción que tuvo gran éxito, en plena época hippi, como lo demuestra que 20 años después UB40 y Chrissie Hynde volvieran a tener éxito con su versión.

Pocos se acordarán ya de esta canción que tuvo éxito en 1965. Quizá solo mi amigo Enrique y 4 más de los que vivimos aquellos años intensamente (o, por lo menos, lo intensamente que se podía a los 18). Every’s gone to the moon, cantada por Jonatahn King y compuesta por él mismo mientras era estudiante en Cambridge. Es una más de las buenas canciones que no se escuchan ya casi nunca y un ejemplo de los cantantes con un solo éxito.  

He aquí una pieza que nos suena y hemos silbado muchas veces. La pieza se grabó con músicos de estudio y no está claro quien silbaba. Probablemente era un tal John O'Neill muy conocido por sus silbidos, entre otros por la melodía de Ennio Morricone de “El bueno, el malo y el feo”. A ese conjunto de músicos se le dio el nombre de Whistling Jack Smith y el que ponía la cara en los discos y en las actuaciones era un actor. Como se debería sentir al salir haciendo que silbaba y no hacía más que poner cara de silbar!. Una cosa así como luego pasó conMilli Vanilli.

La canción es I Was Kaiser Bill's Batman de 1967.

Cuantas veces nos habíamos preguntado los amigos, qué quería decir el título de esta canción de 1968 y cual era realmente, Lalena (según el disco), Laleña (tal y como suena aunque poco probable al no existir la ñ en inglés), Laléna (según Wikipedia)? Por lo que dijo Donovan es un nombre inventado partiendo del de la actriz y cantante Lotte Lenya que fue la esposa de Bertold Brecht quien junto a Kurt Weill compusieron obras maestras entre las 2 grandes guerras en Alemania. Una de ellas fue La Ópera de los 3 peniques en la que Lotte Lenya hacia de prostituta.

Para acabar, me salgo de la “década prodigiosa” de los 60 para ir a la última sesión de grabación del grupo ABBA en agosto de 1982 con su última canción; The day before you came es una extraña canción en el repertorio de ABBA, posee ciertas características que la hacen especial:  en la canción sólo se escucha la voz de Agnetha y el sintetizador de Benny, mientras la guitarra de Björn y la voz de Frida son casi imperceptibles, prácticamente no hacen nada, y todo el acompañamiento musical está hecho con sintetizadores.

Es una muy buena canción que deja una sensación extraña. Quizá porque era la última. De hecho hay múltiples interpretaciones sobre lo que quiere decir la letra de la misma. Sea lo que sea, a mí me encanta. 

Unas sencillas y agradables canciones 1

Traigo aquí una serie de canciones, sin gran trascendencia, pero que seguro les suenan a mis coetáneos y nos alegran, que ya es bastante. Siempre me gustaron los tangos y me encanta bailarlo aunque, casi siempre, como a Louis Armstrong, When we are dancing and you’re dangerously near me, I get ideas, I get ideas". Es lo que pasa. Es un picarón este Armstrong.

Parece mentira que se le ocurriera interpretar tangos (aunque parece que solo hizo 2), que haya grabación en video de ello y que además le pusiera un toque jazzístico. Reconfortan estas canciones. En español el título es Adiós muchachos, un tango de 1927 que en 1959 grabó Louis Armstrong con el título I get ideas.

A quién no le han gustado The Platters? Tienen canciones que con las primeras notas ya se sabe que canción es. Entre otras a mi siempre me a gustado el Remember when, es un clásico doo-wop de tal forma que, prácticamente, en todos los sitios en que sale la letra viene acompañada tambien por el “dah-doot-doo-doo”.

Remember when (dah-doot-doo-doo)

I first met you (dah-doot-doo-doo)

My lips were so afraid to say "I love you"

Remember when (dah-doot-doo -doo),

to my surprise(dah-doot-doo-doo)

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Cuantas veces han puesto en televisión desde que la estrenaron en 1961 Tú a Boston y yo a California o sus secuelas ? Estuvo propuesta para varios Oscar. En su momento también nos alegró la vida Haley Mills haciéndose dúo a si misma en esta conocida y alegre canción Let’s get together.

Y cuantas veces más hemos visto y oído a Raphael? Es incansable. Cuando empezó, a mí y a mis amigos no nos gustaba, era demasiado típico, nos parecía una horterada. Luego pasan los años y el tío sigue que te sigue. Y finalmente por agotamiento empiezas a verlo de otra forma. Nunca iría a un concierto suyo ni me pararía a escuchar sus canciones pero cuando te lo encuentras de repente en TV, hay algo que te arrastra a mirar y te quedas prendido, pensando “que mala bestia”, “cómo canta”, “cómo gesticula”, “cómo tiene el valor de hacer lo que hace”. Es un monstruo de la escena. Ahora ya no se si me gusta o no, pero me hipnotiza, me descubro ante él. Aquí en una de sus primeras canciones de 1962, Inmensidad, con la que ganó uno de tres primeros premios del Festival de Benidorm, con la introducción y acompañamiento del saxofón en 1996. No es lo mismo que en sus primeras versiones, no son los mismos arreglos, ni la voz, ni la vocalización, pero hay muy poco de esas primeras versiones en youtube.

En 1964 hubo una película franco-italiana Cherchez l’idole en que la actriz principal era Mylene Demongeot(entonces nos gustaba a todos) y en la que salían gran parte de los cantantes franceses de Salut les copains. Bueno pues aparte de destacan a Sylvie Vartan con La más bella del baile se hizo muy famosa y a mi me gustó especialmente, Bonne chance  de Johnny Halliday.

Una canción italiana de 1963 "Il Mio Mondo” de Gino Paoli no se hizo demasiado conocida hasta que en el 64 la grabó Cilla Black en los estudios de Abbey Road y alcanzó el nº 1, lo mismo que la versión francesa "Ce monde" de Richard Anthony. No se puede decir que no resulte conocida nada más empezar con el chin, chin chin, .. You’re my world.

Una gran película: Il Sorpasso

He aquí una joya del cine, del año 1962, conocida aquí como La Escapada y posteriormente con su título original Il Sorpasso. Yo la ví el año del estreno y me quedó marcada para siempre sin que en aquel momento tuviera conocimiento de la banda musical que estaba escuchando. Me impactó por su alegría, por el vividor de Vittorio Gassman, por la escapada en el ferragosto a la playa, por Jean‑Louis Trintignant, por Catherine Spaak y por su final; y la música sin conocerla entonces, también es una joya. Aún con un final triste y trágico, no deja de ser una película alegre. Recomiendo encarecidamente a quien no la haya visto, si hay alguien, que la vea.

Aquí dejo una serie de cortes de la película con los trozos musicales más conocidos, aunque toda la música de la peli lo es.

Empiezo cuando ya han partido hacia la playa, van en el Lancia Aurelia Sport y comentan los versos "yo que la llevé al río creyendo que era mozuela y tenía marido" y Gassman hace alusión a Garcia Lorca y pone un disco de Modugno. 

Luego, algo que extrañará grandemente a los jóvenes. Saca un disco de vinilo e 45 rpm para ponerlo en el coche y lo escuchan mientras diserta sobre la música, y suena L'home del frac. Aún me acuerdo de aquellos tocadiscos de coche. Siempre con el miedo a que cualquier bache rayara el disco.

Más tarde Gassman, en un bar de carretera, intenta comprar tabaco mientras suena Quando, Quando, Quando; entran con unos conocidos en un club y suena Guarda come dondolo de Edoardo Vianello y se marca un twist. Baila con una señora, Per un attimo de Peppino di Capri, muy apretados, ella dice Oh la la! y él responde Modestamente. Se sobreentiende la situación.

Ya llegados a la playa, sobre una canoa, Vitorio Gassman tararea Cuando calienta el sol. Y, en un chiringuito de los de antes, el personal está bailando  Don't play that song  en la versión de Peppino di Capri. Unos lo bailan como madison y otros como twist. Es una escena que me parece perfecta. Las cabezas y caras de las jóvenes moviéndose al compás y sus bailes. Un niño sentado, mirando, y su cara es un poema.

Finalmente tenemos una partida de pin-pon con el Saint Tropez Twist de Peppino di Capri de fondo y a Catherine Spaak, monísima, haciendo de árbitro.

Y más tarde el final, poco esperado, que no lo pongo.

Billie Holiday

Es imposible contar aquí la vida de Billie Holiday, que bastante dura fue. Y a quienes le gusta, ya la conocen suficientemente. Y contar lo que supuso para la música, aún sería más largo. Sólo voy a tratar unas canciones, no las más conocidas, pero donde puede vérsela y oírsela en vivo y en directo.

En una corta película de 10 minutos, Symphony in Black, sobre una obra de Duke Ellington, A Rhapsody of Negro Life, la segunda de sus cuatro partes se titula A Triangle: Dance-Jealousy-Blues y el blues es Saddest Tale y lo canta Billie Holiday con 18 años. La orquesta, por supuesto es la de Duke Ellington.

La primera vez que se interpretó Strange fruit en un garito nadie aplaudió. Segundos antes de terminar la canción, cuando la intérprete pronunciaba las dolientes últimas palabras (“esta es una extraña y amarga cosecha”), las luces del Café Society neoyorquino, con capacidad para 200 personas, se apagaron. Instantes después se encendieron, pero la cantante había desaparecido. Billie Holiday estaba vomitando en el pequeño aseo del local, sobrecogida después de su estremecedora interpretación. Los espectadores intentaban recuperar el aliento tras asistir a aquella desgarrada actuación. Fue una pieza breve, compuesta por ella en 1939, que dura solo tres minutos que cambiaron para siempre la historia de la música comprometida.
Melódicamente no es una canción común. Arranca con una melodía de trompeta seguida de un piano. Holiday no entra a cantar hasta que pasa un minuto y diez segundos, de un tema que dura solo 3,05. La cantante está en acción menos de dos minutos.
Todo lo que para ella era ser negro en Estados Unidos en aquella época represiva lo vertía en esa canción. Con el paso de los años, y con el sufrimiento acumulado, las interpretaciones de Strange fruit por parte de Billie Holiday fueron más intensas. Durante alguna etapa de su carrera (la más oscura) llegó a quitar la canción de su repertorio. Pero siempre volvía a ella. Hubo incluso algunos promotores que le exigieron que no la cantara, sin duda por el impacto emocional que producía en ella y en la audiencia (los camareros dejaban de servir copas por respeto y escuchaban al fondo de la sala), pero ella empezó a incluir una cláusula en los contratos reservándose el derecho a interpretar el tema. (Carlos Marcos, 2014, El País).

"De los árboles del sur cuelga una fruta extraña.

  Sangre en las hojas, y sangre en la raíz. 

Cuerpos negros balanceándose en la brisa sureña. 

Extraña fruta cuelga de los álamos. 

Escena pastoral del valiente sur.

 Los ojos saltones y la boca retorcida.

 Aroma de las magnolias, dulce y fresca.

Y el repentino olor a carne quemada.

Aquí está la fruta para que la arranquen los cuervos.

 Para que la lluvia la tome, para que el viento la aspire, 

para que el sol la pudra, para que los árboles lo dejen caer.

Esta es una extraña y amarga cosecha".

Durante la huelga de músicos de 1940, un compositor Herzog, que no estaba afiliado al sindicato que la promovía se acercó a Billie Holiday y le propueso compartir los derechos de autor si le daba algunas ideas con expresiones sureñas y la interpretaba. Billie le soltó una expresión que le dijo su madre una vez que le pidió dinero prestado (no está claro quién a quién): God bless the child y le preguntó que quería decir. "Es lo que se dice cuando tu madre tenía dinero, tu padre tenía dinero, tu hermana y tu prima tenían dinero, pero tú no tenías un centavo: que Dios bendiga al niño que tenga su propio dinero".

A pesar de tocar un tema poco favorable para una canción de éxito, las estrecheces económicas, el éxito fue rotundo y 35 años más tarde entró en el Salón de la Fama del Grammy.
Aunque hay versiones instrumentales buenas, la canción debe su permanencia al dramatismo que encierra su interpretación vocal.

En 1947 se estrenó la película New Orleans sobre la historia de unos músicos en el año 1917 cuando estaba a punto de cerrarse el famoso barrio de Storyville. Aunque la película no se atiene mucho a la realidad si que nos da la oportunidad de ver y escuchar a Louis Armstrong y Billie Holiday que hicieron que ésta canción Do You Know What It Means To Miss New Orleans se hiciera famosa y fuera posteriormente adoptada por un sinnúmero de grandes artistas del jazz tradicional. La letra está salpicada de imágenes de gran viveza - magnolios en flor, enormes pinos, pantanos al claro de luna - y la melodía tiene el tono nostálgico para que el conjunto resulte verosímil.
Además podemos disfrutar entre otros del trombonista Kid Ory, el clarinete de Barney Bigard,. También pasa por allí el director de orquesta Woody Herman. En sus orígenes esta película fue un proyecto iniciado por Orson Welles.

La ciudad de Nueva Orleans, en la que convergían líneas férreas y marítimas desde todos los puntos cardinales, lugar de paso de gente de negocios y aventureros, desarrolló una agitada vida nocturna, especialmente después de la liberación de los esclavos (1863) y de la legalización del juego (1869). La prostitución se convirtió en un problema de muy difícil solución. La propuesta del concejal Story (de quien tomo nombre el barrio), perseguía un mejor control de la prostitución, al recluirla en un determinado perímetro.
En 1917, en plena Primera Guerra Mundial, el Comando de la Marina de los Estados Unidos ordenó el cierre del barrio, preocupado por las peleas, los robos e incluso los homicidios en que se veían implicados, o resultaban víctimas, los marineros en sus salidas. A pesar de la oposición del gobierno local, Storyville dejó de existir el 12 de noviembre de 1917.
Poco después se procedió a su demolición, sustituyéndolo por un proyecto urbanístico denominado Iberville. Ello supuso, naturalmente, el cierre de la mayor parte de los establecimientos y la desaparición del trabajo para un gran número de músicos. Precisamente en esta época, se produce la gran emigración de músicos de jazz hacia Chicago y Nueva York, lo que produjo cambios importantes en el desarrollo del jazz tradicional.

En ésta secuencia de la película New Orleans se muestra la despedida de todos esos músicos. El título de la canción no podía ser más que Farewell to Storyville y además de Louis Armstrong y Billie Holiday, todos cantan la despedida y hacen mutis por el foro.

Y, finalmente, triunfan en Chicago y aquí los tenemos en The Blues are brewin'.

Hay una versión antológica en directo que uno no puede perderse, Fine and Mellow. Fue en un show de la CBS en 1957. Probablemente su mejor video aunque es cierto que hay muy pocos. También fue su última sesión con su querido amigo Prez (Presidente) Lester Young. Ella y Young – Billie le dio ese sobrenombre y él fue quien le llamó Lady Day –, habían sido “íntimos” durante largo tiempo pero ya no lo eran. Lester no se encontraba bien. Suponía que en el espectáculo estaría en una big-band y no podía con ello. El productor le dijo que en la sección de Billie eran un grupo pequeño y ella estaría sentada rodeada de unos pocos músicos y que él no tenía más que sentarse y tocar. Cuando llegó su solo, el segundo de “Fine and Mellow”, Lester se puso de pie y sopló el más puro blues. 
Aunque lo he puesto más de una vez y en más de un sitio, no puedo dejar de ver y oír el que es para mi unos de los videos con mejores músicos y mejor pieza musical, mejor cantante y mejor ambiente de jazz. Empieza toda la banda con una progresión ya atractiva. Luego Billie, sin que aún se hubiera destrozado del todo la voz y el físico, comienza a cantar con el fondo de la progresión inicial. Se le ve contenta. Hay que tener en cuenta que muchos de los músicos que están allí han tocado con ella en muchas ocasiones y todos se conocen de sobra y todos han tocado con todos.

En el primer puente, los solos de Ben Webster y Lester Young (saxos tenor). A Billie se le ilumina la cara y sigue el ritmo con la cabeza. Después del segundo coro de Billie, es el solo de Vic Dickenson – trombon, luego Gerry Mulligan – saxo barítono, Coleman Hawkins – saxo tenor, Roy Eldridge – trompeta, y acompañando todo Doc Cheatham – trompeta, Danny Barker - guitarra, Milt Hinton - bajo, Mal Waldron - piano y Osie Johnson – bateria. Lo mejor de lo mejor.

Standars 3: Basin y Beale Street Blues

En 1926, cuando se publicó esta canción, los turistas no habrían sido capaces de localizar Basin Street en un mapa de New Orleans, pues la calle, situada en el Barrio Francés,  había cambiado de nombre cuando  se cerró Storyville, la zona de tolerancia de la ciudad. El ayuntamiento no reconsideró su decisión hasta la década de 1940 cuando el renovado interés por el jazz tradicional subrayó la importancia de esa calle. En enero de 1945 Louis Armstrong, Sidney Bechet y Bunk Johnson ofrecieron un concierto para celebrar la restitución del nombre original de la calle, hoy famosa. Louis Armstrong terminó grabando cerca de 50 versiones de la canción y su influencia planea sobre la mayoría de las interpretaciones de la misma. 

El jazz puro y duro (bebop, hard o bop) no es una cosa que me entusiasme. Me gusta el tradicional y de ese tipo de jazz, fundamentalmente el de New Orleans, fue el primer disco que me compré de jazz. Y allí venía la versión de Louis Armstrong.

Aquí tenemos Basin Street Blues con Armstrong acompañado por Jack Teagarden al trombón y Barney Bigard al clarinete. Cuando Teagarden formaba parte del grupo de Satchmo, solía cantar esta canción en tándem con el lider como en la película The Strip de 1951.

Tras la segunda Guerra Mundial, las big bands siguieron echando mano de "Basin Street Blues", en cambio, cuesta mucho encontrar ejemplos de músicos de bebop, hard bop o cool que recreasen la composición. De todas las revisiones recientes , la más alejada de la original es la de Kid Koala, un disc-jockey canadiense que en 2003 ensambló diversos fragmentos para componer un mosaico delirante. "Distorsiona los tonos de tal forma que el producto resultante suena como si  una banda de músicos borrachos de Nueva Orleans se hubiese olvidado de afinar los instrumentos antes de subir al escenario" (Gioia, 2013).

Me he podido reir un rato con éste video de Charlot y ésta extraña versión de Basin Street Blues.

Y otra pieza  de título parecido, dedicada a otra calle famosa, ahora de Memphis, Beale Street Blues de W.C. Handy, publicada en 1916. Beale Street es una calle fundamental en la historia del blues. Desde 1920 a 1940, Louis Armstrong, Muddy Waters, B.B. King, Rufus Thomas y muchos otros tocaron en dicha calle y contribuyeron a desarrollar el estilo conocido como Memphis blues. La calle se llamaba en un principio Beale Avenue pero trás esta composición y su fama mundial paso a llamarse Beale Street.

En un principio "Beale Street Blues" fue una pieza cantada pero rápidamente los músicos de jazz pasaron a hacerla instrumental y en 1927 destaca la versión de Jerry Roll Morton and The Red Hot Peppers.

La canción une una estructura de blues con otra de ragtime y así se mantuvo ya siempre sin que a nadie se le ocurriera modernizarla considerándosela como una pieza de jazz tradicional. Ni siquiera la inclusión en una película biográfica de 1958 donde Nat King Cole hacía el papel de Handy y Ella Fitzgerald ofrecía una interpretación muy actualizada del clásico, logró cambiar la opinión de que "Beale Street Blues" era una composición anticuada.