I Can't Stop Loving You

I Can't Stop Loving You es una canción muy conocida escrita y cantada por Don Gibson y grabada en 1957 como cara B de Oh, Lonesome me que se convirtió en un single con dos éxitos. Tanto el cantautor como la canción son típicamente country. Aquí lo tenemos en una actuación de 1963.

La canción fue versionada por Ray Charles en 1962, en el album Modern Sounds in Country and Western Music, número uno en Billboard Hot 100, durante 5 semanas. Ésta versión fue nº 1 en las listas de R&B y de Música Adulta Contemporánea. Charles era conocido como cantante de gospel y R&B, pero decidió grabar un album de country. Entre las muchas canciones que le propusieron, eligió I Can't stop loving you que recordaba haberla oido en The Grand Ole Opry a Kitty Wells.

Su album Modern Sounds in Country and Western Music, es considerado por los especialistas, como uno de sus discos más emblemáticos y también de los más raros para su época. Fue un acto de valentía artística, ya que pocos se animaban a experimentar en un disco de "covers" el modificar esas partituras country hasta dejarlas como propias. En este caso, buscar un repertorio de canciones Country y Folk que comúnmente eran cantadas por artistas blancos mezclándolas y adaptándolas con arreglos ligados al Soul, el Blues y el Gospel, que estaban influenciados por músicos negros. Éste álbum es una joya, pero se vendía mejor una canción en single que en LP y fue rápidamente grabada en single por otros y a venderse como rosquillas por lo que Ray Charles se mosqueó y forzó que se hiciera inmediatamente una grabación en disco single.

A mí me llegó por primera vez creo que el curso 67-68, en aquellos guateques, en casa de la novia de Enrique, en la calle Meléndez Valdés de Madrid. Supongo que la bailé muy a gusto, porque me quedó grabada. No sólo por la compañía sino también por la canción. Antes de irnos le pedí a Enrique que me dejara el disco. Me lo dejó y no me cansé de escucharlo. Se lo devolví (cosa rara en aquellas fechas) y luego, me lo compré.

Aunque hay varias versiones de Ray Charles en YouTube, son bastante posteriores a la original y el sonido es bastante peor en la mayoría de los casos o, al menos, no son tan buenas como la original.

I can't stop loving you - Ray Charles 1962

Pero alguna actuación de Ray Charles con ésta canción habrá que poner. Después de ver y escuchar varias, me he decidido por la de 1972 con The Raelettes al completo. Claro que no podía desaprovechar la ocasión de disfritar de Ray Charles y Willie Nelson juntos en ésta versión de 1984 en Austin, bastante distinta a las anteriores.

Cuando más tarde me aficioné a recopilar versiones de canciones que me gustaban, coleccioné un puñado de ellas. Tengo, porque me gustan, no por acumular versiones, de Roy Orbison del 61, la de Connie Francis del 62, la de Jim Reeves del 64 (ya comentada en la anterior entrada Sonido Nashville 1), de Frank Sinatra del 64 (que no me convence demasiado),  The Mills Brothers del 68, de Jerry Lee Lewis del 69, etc..

Hay un par de intérpretes que me gustan especialmente y además han hecho unas muy buenas versiones. Van Morrison, incondicional fan de Ray Charles, la grabó en 1991 y la ha interpretado en numerosos conciertos, siempre con su particular estilo que a mí me encanta.

Martina McBride, la canta de una forma muy similar a Ray Charles en 2006 en el Grand Ole Opry.

Sonido Nashville 1

El sonido Nashville: se originó a mediados de los 50’s cómo un subgénero del country, reemplazando al estilo honky tonk, (violín, steel guitar, voz nasal) más popular en las décadas de los 40’s y 50’s, por elementos más suaves de la música pop (sección de cuerda, coros, voz de croorner), producciones más sofisticadas y estructuras pop.

Puede considerarse a Jim Reeves cómo la primera figura del sonido Nashville. No sólo abrió las puertas a una mayor aceptación de los cantantes country sino que ayudó como guía para entender el nuevo estilo de country. Reeves ganó fama como crooner debido a su cálida y aterciopelada voz. Sus canciones fueron resaltables por la simple elegancia realzada por su luminosa voz de barítono.

Four Walls de Jim Reeves de 1957 es su primera canción en éste estilo. Fue nº 1 en las listas country y también en las listas pop alcanzó el nº 11.

Am I losing you? del mismo año y estilo también es una de sus grandes canciones.

Patsy Cline destacó por su tono de voz, emocionalmente expresivo, su marcada voz de contralto y su papel como pionera de la industria musical country. Junto con Kitty Wells ayudó a abrir el camino de las mujeres en el country. Cline es citada como inspiración por cantantes de diversos géneros. Se han vendido millones de sus grabaciones desde su muerte y alcanzó el nº 46 en la lista de los “100 Más grandes cantantes de todos los tiempos “ de la revista Rolling Stone.

I Fall to Pieces se grabó en la verdadera primera sesión en que Patsy tuvo la libertad de grabar lo que quería, en 1961. Alcanzó el nº 1 en las listas de country y el nº 12 en las de pop, y fue el primero de varios country-pop crossover que grabó en los siguientes 2 años demostrando la facilidad que tenía para que una canción tanto fuera un éxito country como pop.

En 1981 se realizaron unas grabaciones producidas electrónicamente de unos duetos entre Patsy Cline y Jim Reeves, que ya habían fallecido. Su dueto de I Fall to Pieces se convirtió en una referencia en la historia de la música. Cline y Reeves ganaron una masiva afluencia de fans después de su muerte.

La canción más conocida de Patsy Cline, Crazy de 1961, compuesta por Willie Nelson, es una maravilla. 

En marzo del 63 falleció al estrellarse su avioneta.

Vuelvo con Jim Reeves para seguir la cronología de estas canciones. Wellcome to my world de 1962 es uno de los mayores éxitos de Reeves y se coló en los primeros puestos de todas las listas. La verdad es que me gusta. Pueden ser muy suaves, un poco pasadas pero me encantan. Es lo que hay. Esto se debía bailar, en su momento, de fábula. Ésta actuación comienza con el tema He'll have to go que ya puse en la entrada pasada Canciones con respuesta 3.

En la última sesión de grabación de Reeves, julio del 64, se hizo Make the World Go Away. Cuando acabó la sesión aún quedaba algo de tiempo y Reeves sugirió grabar una canción más. Eligió "I Can't Stop Loving You", la tercera y última de mis 3 canciones favoritas. En agosto se estrelló con su avioneta por culpa de una tormenta.

   Make the world go away - Jim Reeves

                                      

I can't stop loving you - Jim Reeves

Mi 2ª favorita: Unchained Melody

Debo hacer una primera aclaración porque las modas, a veces, vienen a estropear recuerdos: ésta canción la conocí y me gustó mucho antes de que estrenaran la película Ghost.

Unchained Melody es una de las canciones más grabadas del siglo XX, algunos aseguran que ha sido versionada más de 500 veces. Fue compuesta por Alex North en 1936 para ser interpretada por Bing Crosby, pero este decidió no grabarla, y pasaron 19 años para que saliera a la luz una grabación para el poco conocido film de 1955  "Unchained" (Desencadenado), que consiguió ser nominada para el Oscar (la canción, no la peli), pero ese año el Oscar a la mejor canción fue para "Love Is a Many-Splendored Thing" de la película "La colina del adiós" con  William Holden y Jennifer Jones. De todas formas, Unchained Melody se convirtió inmediatamente en un éxito comercial. De hecho, se hizo tan tremendamente popular que en una sola semana se llegaron a grabar hasta cuatro versiones, todas las cuales entraron en el top 30 de las listas británicas.
Además del anteriormente citado récord de 1955, esta canción cuenta con otro récord increíble, ha sido el único tema en alcanzar el nº1 en las listas británicas cuatro veces en distintas épocas y versiones.

Es una de mis 3 canciones preferidas. En varias ocasiones a lo largo de los años me ha ido llegando en distintas versiones de una forma especial. La primera vez que tengo conciencia de haberla escuchado fue en el verano de 1963 en una versión del famoso (entonces)  Ray Conniff con su Orquesta y Coros. Éste hacia versiones de todo lo que salía y tenía cierto éxito. No es una versión que impacte, resulta un tanto anticuada, pero fue la primera que me llegó y eso merece un respeto. El video es de una actuación en 1998.

En el verano siguiente 1964, Adolfo, un muy buen amigo de Valencia se trajo de USA una versión que acababa de salir allí de John Gary que no era ni fue conocido en España. Es una cosa muy clásica, que a mí me gustó en su momento pero ahora la escucho y me deja bastante frío.

John Gary - Unchained Melody 1964

La tercera y mejor fue la de 1965 con The Righteous Brothers. Empecé a escucharla en la radio, justo cuando acababa de salir, en agosto del 65 en Berlín sin entender bien el nombre de los intérpretes, pero en una tienda de discos enseguida me entendieron y así conseguí el single (disco de una canción por cada lado) que bastante más tarde me enteré que estaba producido por Phil Spector, un genio en la producción, que conseguía un sonido amplio multiplicando los instrumentos y creando un “muro de sonido” que impacta. Ya se ha hablado sobre esta canción y, sobre todo, tras Ghost que ha hecho que resulte cursi hacer alabanzas de ella. Pero es una canción como un templo de grande.
El grupo estaba formado por dos, Bobby Hatfield y Bill Medley, pero en la grabación decidieron que cada uno cantara una de las dos canciones del disco y como Hatfield tenía el tono más alto y se sabía muy bien la canción eligió Unchained Melody mientras que Medley cantó Hung on You que era la preferida de Phil Spector. Así que ésta iba en la cara A mientras que Unchained melody iba en la cara B.

 

The Sweet Inspirations, uno de los mejores grupos soul formado por varias voces femeninas entre las que destacan su vocalista principal Cissy Houston (la madre de Whitney Houston) y Dionne Warwick, que hicieron los coros a tantos como Aretha Franklin, The Drifters, Van Morrison, Wilson Pickett, Solomon Burke, Elvis Presley, Bee Gees, etc, sacaron en 1968 una versión que resulta perfecta, casi a la altura de la de The Righteous Brothers. Era la época del soul y de los discos de Atlantic.

                                       

Música italiana de los 60’s

Cómo ya he contado antes, la música italiana nos llegó un poco antes que la inglesa y americana, era más frecuente en la radio, nos era más fácil y eran unas baladas románticas. Aunque a finales de los 50 se empezaba a oir algo de rock, normalmente eran versiones hispanoamericanas con Los Llopis y otros. Lo que de verdad pegaba eran los italianos. Hubo uno que, más o menos, se inventó el conjunto musical más pequeño que una orquesta y ayudado por guitarras eléctricas, fue Renato Carosone que en esos años nos dio un puñado de canciones que estaban en boca de todos, Maruzzella, Piccolissima serenata, Mambo italiano, Torero, Guaglione (Bambino) y otras que sonaban a todas horas en las radios y cualquier tipo de baile que hubiera. Por ello, aunque en el título de esta entrada hago referencia a los años 60, no puedo dejar de recordar a Carosone que en 1956 nos ofrecía Tu vuò fà l'americano. Creo recordar que hace un par de años se escuchaba una versión modernizada de la misma.

También anterior a los 60 es Guarda che luna de 1959, una favorita mía desde que la conocí. Eso de bailarla con 16 años, en verano, a la orilla del mar, saliendo la luna y con la chica que te gustaba, queda marcado. Entonces no andaba uno con que versión sería la que se escuchaba pero aseguraría que era en español. La original y mejor es de Fred Buscaglione. Un tipo de cantante típico de la época, con un parecido a José Guardiola, un cantante  español de aquellos años.

Ya entrados en los 60, teníamos la suerte de que en TVE había bastantes programas musicales y traían a numerosos cantantes extranjeros. Era la mejor forma de conocer lo que se oía por ahí. También había un programa, Escala en HI-FI, que por lo menos a mí me gustaba mucho, procuraba verlo siempre y no era fácil ya que en casa no había televisión, donde actores y cantantes hacían playback con las canciones de moda. En estos programas vimos a todos los italianos que nos gustaban. Entre los primeros estaba Adriano Celentano, que no sólo versionaba en italiano rock americano sino que cantaba otras muy buenas. Además de 24.000 besos, Pregheró, Nata per me que ya se oyen a menudo, a mí me gustó especialmente Si è spento il sole de 1962, que siempre bailaba antes o después del Guarda che luna (ésta, supongo sería después, ya que primero se pone el sol y luego se veía la luna). Aquí en una actuación de 2012.

Luego tenemos a Rita Pavone, que en 1963, con Cuore me alcanzó directamente al corazón. Era empezar a oir el pon, pon pon del inicio y el cuore empezaba a latir más fuerte. Aunque creímos que era una canción italiana típica, luego me enteré que era de un americano. Pero no la pongo. Y por qué no, si es de las canciones que más me gustan y de la que tengo mejores recuerdos ?. Pues si, la pongo.

Voy con otras alegres en las que Rita disfruta y nos hace alegrarnos. Que vitalidad tenía!. Aquí con Il Ballo Del Mattone de 1963. Si no se pone uno a bailar twist al escuchar y ver esto o, por lo menos, a mover el culo en la silla, es que no siente la música.

Otra muy famosa en aquellos años, Si yo tuviera un martillo, Datemi un martello del 64. Y sigue poniéndome contento escuchar y ver a Rita en estas alegres canciones.

Una canción lenta para suavizar la cosa, y muy tierna, es Ho capito che ti amo que ganó el VI Festival del Mediterráneo en 1964 con Wilma Goich. 

Y luego, una versión diferente de Ho capito che ti amo en 1983 de Gerry Mulligan y Ornella Vanoni en la que el saxo barítono suena de maravilla.

Y aquí una canción poco recordada que cantaba Riccardo del Turco en 1964, M'hanno detto che y que a mí me gustó y sigue gustándome.

Como tengo el día alegre me voy otra vez con Rita Pavone y otras dos canciones movidas. La primera bastante más conocida que la otra. Viva la pappa col pomodoro de 1965. Como indica su título es una loa a un plato típico de La Toscana que a mí me parece que semeja mucho al gazpacho, lleva tomate, pan duro, ajo, aceite aunque tanto puede tomarse caliente como frío. Aunque puede parecer una canción infantil, y lo era de un programa infantil italiano, la letra era en contra de la guerra.

Y la siguiente canción también de Rita es Lui que en 1965 ganó el Cantagiro una actuación veraniega itinerante de catantes que tiene lugar todos los años en Italia desde 1962 y continúa. Está hecho a imagen del Giro de Italia, con etapas diarias y su ganador y con un ganador final del Giro. Aquí Rita sigue mostrando su alegría y su "marcha".

Ahora me voy al año siguiente, 1966, en el que Adriano Celentano sacó otra superconocidísima canción, como se ve en éste video, ya que todo el público se la sabe entera. La presentó en el Festival de Sanremo pero no se clasificó (?). I ragazzo de la Via Gluck es una canción en parte autobiográfica, Celentano nació en esa calle de las afueras de Milán. Pongo el video de una actuación en Verona en 2012. Me gusta oir cantar a todo el público. Siempre he dicho que cuando más disfruta uno en un concierto es cuando se sabe la canción y puede cantarla con todos. Va uno más a cantar que a otra cosa. Es emocionante ver y escuchar a los espectadores cantar y disfrutar como locos de la canción.

 

En el mismo Festival de Sanremo del 66, Caterina Caselli quedó la segunda con Nessuno mi pu giudicare que en un principio iba a interpretar Celentano. Caterina se presentó con un peinado en forma de casco por lo que se le llamó desde entonces "Casco d'oro".

Y siguiendo con el Festival de Sanremo. Era un clásico. Nos sentábamos todos a verlo, hacíamos apuestas y era difícil elegir la mejor. En éste Festival se elegía la canción que iría posteriormente al Festival de Eurovisión. En el del 66 quedó nº 1 Dio come ti amo y aquí van las dos versiones que lo defendieron y no sé cual me gusta más. Siempre me ha parecido un preciosa canción, tanto por Domenico Modugno como por Gigliola Cinquetti. Pues a pesar de ser la primera en ese Festival, luego en el de Eurovisión quedó con 0 puntos. Se armó una buena y se rompió la conexión entre Sanremo y Eurovisión.

Y cómo he empezado con una canción anterior a los 60, termino con una posterior, de 1976. Lo que demuestra, a pesar de que yo insisto, que a partir del los 70 la música pop es otra cosa. Aquí tenemos una actuación de Riccardo Cocciante en 2002 con Margherita, una estupenda canción cantada por todo el personal.

Country: Inicios y clásico - 50's

Las primeras grabaciones de música country fueron el 1 de agosto de 1927. Y fueron The Carter Family y Jimmie Rodgers quienes ese día iniciaron la historia del country.

No hay videos de aquel momento con The Carter Family, pero aquí pongo una de esas primeras canciones, algunos años después, interpretada por Maybelle una de las componentes de La Familia Carter original, su hija June que toca sentada (luego esposa de Johnny Cash, a la que Reese Witherspoon interpretó en Walk the line y por la que consiguió un Oscar en 2005) y sobrinas de Maybelle. La canción es Wildwood flower, una balada irlandesa de la que ya a principios de 1800 se cantaba con otro título y que ha dado origen a otras muchas piezas musicales conocidas.

De Jimmie Rodgers, maquinista de tren, si hay algún video, posiblemente de los primeros video clips que se hayan hecho, en 1930 con Waiting for the train. Su música tendía más hacia el blues y casi siempre metía algo de “yodel” (semejante al canto tirolés).

El primero de los cantantes clásicos de country fue Hank Williams. Sus canciones son consideradas como uno de los pilares sobre las que se ha construido la música country contemporánea. Su leyenda creció con su muerte a los 29 años. En su corta vida grabó más de 400 canciones. Entre todas las canciones de Hank Williams la primera que me llegó a mi y que considero una canción sumamente alegre es Jambalaya de 1952, dan ganas de bailar y además me recuerda que hacia el año 1955 yo la oía en Valencia con una letra que decia: “Tu serás, tu serás, indio bravo, del Cañón, del Cañón del Colorado”, no tengo ni idea quién podía cantarla y, menos, como se le ocurrió esa letra. Es música cajun, de los descendientes de los franceses que enviaron desde Canada a Louissiana y es el nombre de un plato típico de la zona, similar a una paella bastante picante. Es imposible conseguir un video de esta canción con Hank Williams pero pongo la música con video de Betty Bob que le da un poco de ambiente.

         Hank Williams - Jambalaya - Betty Bop

Lo que sí he encontrado, no fácilmente, es una actuación en New Orleans en 1986 con Fats Domino, Jerry Lee Lewis, Ray Charles, Ron Wood y otros, cantando Jambalaya y francamente alegres, se ve que la "paella picante" que se han tomado antes, les ha sentado bien. Un concierto de los que uno siente no haber estado.

Y, como no?, una de mis cantantes favoritas a quien pude ver hace unos años en vivo, Emmylou Harris en Jambalaya en 1980, también disfrutando de la canción.

Otra canción que me encanta de Hank Williams es Cold, cold heart de 1951. Es una canción con una estructura inusual. Mientras la mayoría del country tiene: verso, verso, coro, verso, puente y coro, ésta carece de coro y tiene cuatro estrofas en vez de tres. Y, como es costumbre en el country, es una canción con historias, tiene una letra que me gusta y terminé por saberla de memoria. Hay versiones muy buenas como las de Lucinda Williams y Norah Jones, pero siempre se vuelve a los orígenes.

El inicio "folky"

Hace mucho tiempo en una galaxia lejana (donde no había televisión, ni móviles ni casi cine en color y ni estaba tan lejana, pero era por empezar como en La Guerra de las Galaxias), nos entreteníamos como podíamos. La radio aunque estaba presente, de niño no la oíamos mucho, teníamos otros juegos, aunque siempre nos quedaba algo de lo que escuchaban los mayores. Fue ya más mayorcito cuando ya disfrutabas de algo de autonomía y tenías la suerte de tener un transistor, cuando empezaba uno a buscar y escuchar la música que le podía gustar. Había programas interesantes con algunos locutores que dejaron huella. Me acuerdo ahora de Raúl Matas con su Discomanía y Ángel Álvarez con Caravana y Vuelo 605.
La música española no daba para gran cosa aparte de la copla y la podíamos considerar dentro de la Edad Media. La italiana primero y luego la francesa fueron las que me iniciaron en el gusto por la música pop y ya estarían en los inicios de la Edad Moderna de Mi Música. Y poco a poco empezó a llegarme el folk de Estados Unidos e hizo sencillo el paso al country, y luego el doo wop y rock hasta la invasión británica. Así que mis inicios en la música en inglés parten del folk y, cómo no, con The Kingston Trio, The Brothers Four, Peter,Paul and Mary, Joan Baez y algunos otros. 

Hay una serie de canciones folk, por todos conocidas, que a mí me impactaron en un primer momento y ya se quedaron conmigo para siempre. La primera en el tiempo fue Tom Dooley de The Kingston Trio allá por 1958. 

Marianne, típica canción de la que no se sabe a ciencia cierta si es popular o compuesta por alguien. El caso es que durante las celebraciones del Día de la Victoria de la 2ª Guerra Mundial arroyó en Trinidad entre las steelbands que tocaban calipsos, música que rápidamente se hizo muy popular en los Estados Unidos al final de los 40. Una de sus letras en tono cómico-sexy decía:

All day, all night, Marianne;

Who the hell you think I am, Superman?

Es una canción que yo escuchaba tararear a mi padre en una época que estaba de moda bailar calipso en España. Debió ser a finales de los 50, cuando volvió de USA ya que alli se puso de moda en 1957. Y siempre me recuerda que a veces también estaba contento. En 1960 sacaron The Brothers Four su versión.
Jamaica Farewell, tampoco se sabe claramente cuando se compuso. Lo más probable es que sea una canción popular que en 1926 fue compilada junto con otras populares jamaicanas y que eran interpretadas solo en Jamaica hasta que Harry Belafonte grabó Calypso, un album con éste tipo de música que se hizo rápidamente popular. La capital de Jamaica es Kingston y de ahí tomó su nombre The Kingston Trio.

Aquí tenemos a The Brothers Four, hacia el año 2000 cantando Marianne y Jamaica Farewell.

En 1959 empezó a conocerse en España un dúo danés en el que la mujer llamaba bastante la atención. Eran Nina & Frederick y cantaban calipsos y folk y se hicieron conocidos con canciones como Maladie d'amour, Oh Sinner Man y ésta. Aunque parezca mentira, en España triunfaron. Por supuesto no encuentro videos aunque en los archivos de TVE debe haber algo. Aquí va la portada del disco, fácilmente reconocible por los “antiguos” y la canción Jamaica Farewell que resulta muy agradable de escuchar.

Nina & Frederik - Jamaica Farewell 1960

Aunque en algún momento se creyó que era una canción popular, Where have all the flowers gone? es una canción que empezó a componer Pete Seeger en 1955 y terminó en 1960. Está basada en unos versos de un poema cosaco al que alude Mikhail Sholokhov en su novela El Don apacible, que es considerada una de las más importantes obras de la literatura rusa del siglo XX. Describe la vida y luchas de los Cosacos del Don durante la 1ª Guerra Mundial, la Revolución y la Guerra Civil rusa. Una gran novela, tanto en tamaño como en literatura, que le facilitó el Nobel en 1965.
The Kingston Trio hizo su versión en 1961 y aquí la tenemos en una grabación del 66.

The Brothers Four eran hermanos en una típica hermandad de la Universidad de Washington y, cómo en las películas del estilo, en su primera actuación les pagaron principalmente con cerveza. Tanto estos como The Kingston Trio se hicieron famosos también por sus camisas. Su Greenfields de 1960 es una preciosa canción. 

Y algunos años más tarde, unos 40, les vemos en otra versión y con algún cambio en el grupo.

En 1960 John Wayne dirigió y produjo El Álamo con la canción The Green Leaves of summer cantada por The Brohers Four. Una canción también en el recuerdo de todos los "mayores". Aquí los tenemos en 1960 y en el 2000.

500 miles en una canción popular americana de orígenes inciertos que se lanzó al éxito a principios de los 60 contando el lamento de un viajero (en tren) que está lejos de casa, sin dinero y demasiado avergonzado para volver. En España nos llegó primero en francés en 1962 con Richard Anthony como J'entends siffler le train y rápidamente, como era costumbre, Los Mustang sacaron su versión que fue canción de ese verano.

En el 63 The Brothers Four sacaron la suya. El video de The Brothers Four en UCLA me encanta. La cara del público y el cantar todos suavemente, me gusta.

Para terminar por hoy, nos alegraremos con la historia de un dragón mágico que jugaba con un niño hasta que éste se hizo mayor y el dragón quedó solo. Muchos han querido ver en la canción una alusión a fumar marihuana pero tanto el grupo como muchos comentaristas dicen que solo trata de la pérdida de inocencia de la niñez. Peter, Paul & Mary sacaron Puff, the Magic Dragon en 1963 y se hizo rápidamente popular. Yo la oí por primera vez en el verano del 63, en casa de unos americanos en Torrevieja. Aquí tenemos la versión del 66 junto con otra actuación en 2003 con los niños del público, y los mayores también, encantados.

El Encuentro - Ceuta

Cuando has mamado algo te queda para siempre. A mí, cuando era muy pequeño, me dormía mi padre cantándome una canción que no era precisamente una nana. Era ni más ni menos que El novio de la muerte, una canción de 1921, en sus orígenes un cuplé que, tras unas modificaciones, pasó a ser el segundo himno de la Legión y que, un poco más tarde en 1952, se adaptó a una marcha lenta apropiada para procesiones y desfiles de la Legión. A mí no me causó ningún trastorno el escuchar esta canción en mi más tierna infancia. Todo al contrario. El único problema está en que en cuanto la oigo se me hace un nudo en la garganta, se me ponen los pelos de punta y empiezo a sollozar. Pero que le vamos a hacer, es lo que uno ha mamado.

En estas fechas de Semana Santa, en Málaga, cuando la Legión traslada el Cristo de Mena, es impresionante y quizá más vistoso, se oye mejor el himno y se ve desfilar. Pero para los que tenemos algo que ver con Ceuta, el momento de El Encuentro de la Virgen con el Nazareno en la plaza de África, anocheciendo y con la Legión y todo el público cantando El novio de la muerte, es inexplicable, de verdad. No lo había visto hasta hace un par de años y es algo de lo que siempre me acordaré.

Más bandas sonoras de los 60’s

Del rosa al amarillo dirigida por Summers en 1963. Al verla de nuevo, en éste video, recuerdo perfectamente momentos similares. Las escenas en que están jugando en la calle, están rodadas al lado de mi cole, en la Plaza de Salamanca en Madrid y, no iría muy descaminado al decir, que todos jugábamos a lo mismo. Y siempre había una niña que nos gustaba  y nos lo hacia pasar canutas. También fui a campamentos y canté lo mismo. Y cuando pasean por la playa con “Mirando al mar” de fondo, se me ponen los pelos de punta “… recordando la aventura que se fue…”. La canción está íntimamente ligada a su intérprete, Jorge Sepúlveda que en el año 1949 la llevó al éxito, manteniéndose durante largo tiempo como era normal en aquellos años. Todos los que sobrepasamos cierta edad la hemos tarareado más de una vez.

Los paraguas de Cherburgo dirigida por Jacques Demy en 1964 se llevó casi todos los premios en Cannes y algún Oscar. Hay mucha gente a quien no le gusta las películas en que repentinamente se ponen a cantar. Aquí no es que se pongan a cantar de repente, es que solo cantan. A mí si me gustan. Es la primera película de la historia del cine completamente cantada, a modo de ópera. Catherine Deneuve siempre será recordada por ésta peli. Le acompaña Nino Castelnuovo el mismo que vimos en Un maldito embrollo con Claudia Cardinale.

El tema de Los Paraguas de Cherburgo es universal, versa sobre el amor (el verdadero, el incondicional, el anhelado, el esperado, el filial, el maternal), sobre la forma en la que la vida se transforma cambiando el panorama original por una serie de acontecimientos que nos influyen y, por último, sobre la manera en la que afrontamos todos los obstáculos, modificando la manera en la que vivimos, transformándonos a nosotros mismos. La vida da muchas vueltas y, en este caso, el profundo amor que envuelve a la pareja se ve truncado por una lejana guerra que los obliga a separarse. El tiempo y la distancia hará lo suyo y poco a poco todo se irá transformando a su alrededor.

Los musicales comúnmente reflejan esperanza y ensoñación, son un canto a la vida y al amor, y la obra de Demy es más una muestra de que fenómenos sociales como el clasismo y la guerra son capaces de destrozar los vínculos más amorosos del mundo. Peor aún, refleja que el ser humano es capaz de conformarse con la vida que le ha correspondido vivir, aún a pesar de que su cuerpo y su mente deseen otras cosas.

Pasarán los años, y la lluvia seguirá cayendo, la gente se seguirá enamorando, la vida continuará transformándonos y Los paraguas de Cherburgo seguirá siendo la magnífica pieza cinematográfica que es. La secuencia final a mi me emociona con ese final agridulce que resulta prácticamente inconcebible en una producción hollywoodense de este género. El tema principal Los paraguas de Cherburgo va sonando suavemente mientras domina la palabra, poco a poco va en aumento, hasta sonar solo la música sin palabras en un crescendo final. Esta escena, así en frio, puede decir poco, hay que ver toda la película para entender el final. La recomiendo encarecidamente.

 

Zorba el griego de 1964 con varios Oscar, a mi me encantó y eso que la primera vez que la vi fue en Berlin en alemán con lo que entendí poco de lo que se decía aunque sí el fondo de la película. Luego me leí todo lo que pude de Kazantzakis. A pesar de sus aspectos desgarradores Zorba el griego se erige en un auténtico canto a la vida simbolizado por ese enorme Anthony Quinn en uno de los papeles de su vida. Después de verla dan ganas de bailar el sirtaki, apurando la vida hasta la última gota (incluyendo unos buenos tragos de vino). La banda sonora está firmada por el gran Mikis Theodorakis. Y al final, ese "¿Jefe, vio usted alguna vez un desastre más esplendoroso?", mientras bailan La danza de Zorba - el sirtaki, es genial.

Finalmente de 1967 que en España se estrenó en 1969, El Graduado otra famosa peli, de sobra conocida, con Dustin Hoffman en su primer papel importante y con la música, famosa ya antes de la película a excepción de Mrs. Robinson que se escribió para la misma, de Simon & Garfunkel. Música que aún seguimos escuchando. De toda la banda sonora me quedo con, como no, The sounds of silence o The sound of silence, ya que primero fue sounds y luego sound. Parece que fue compuesta tras el asesinato de John F. Kennedy en 1964 queriendo expresar el sentimiento popular. También me voy a la escena final en la que Dustin Hoffman y Katharine Ross se escapan de la boda de ella y suena esta canción. Y la chica, que también hizo posteriormente Dos hombres y un destino, está guapísima.