Hace un mes salió el ultimo disco de Adele (Adele – 25) que ha tenido un extraordinario éxito. Hay una canción muy buena Million years ago de la que buscando comentarios , encuentro que la tachan de plagio. Incluso Shakira dice que lo es de una suya titulada “Hay amores” de 2007.
Adele - Million years ago 2015
También de que lo es de una turca titulada Acılara Tutunmak de Ahmet Kaya de 1985.
Ahmet Kaya - Acilara Tutunmak 1985
Tras escuchar detenidamente éstas llego a la conclusión de que se parece mucho a la del turco pero nada a la de Shakira. De echo la de Adele y la del turco son casi iguales. Hasta en el movimiento de las manos.
En todo caso, a mi no me importa, que 30 años después se haga una versión muy buena de una antigua canción, me parece muy bien. Incluso me ha recordado a otras anteriores tales como : Hier encore(Yesterday when I was young) de Charles Aznavour de 1964 y a Tant de Alain Barrière de 1965. Quizá estas se parezcan un poco menos, pero tienen un aire.
Charles Aznavour - Hier encore 1964
Alain Barriere - Tant 1965
El estribillo además me recuerdo algo de J.S. Bach. Así podemos comprobar lo difícil que resulta componer hoy algo completamente original.
Éste año ya hemos celebrado el centenario del nacimiento de Sinatra y
Billie Holiday, pero también de la composición de una canción muy íntima
para los mejicanos. Sobre todo para los que están fuera de su país. La
Canción Mixteca fue
escrita en el año de 1915 por el compositor oaxaqueño José López Alavés. En
su letra se refleja la nostalgia de partir y dejar el lugar de origen, como
resultado del fenómeno de migración del cual el autor fue parte y muchos
miles de mixtecos oaxaqueños que lo han y siguen siendo. La Mixteca es la
región oaxaqueña donde más personas salen de sus pueblos a buscar mejores
oportunidades de vida en otros estados o en otros países. En el año de 1918,
la Canción mixteca triunfó en el Primer Concurso de Canciones
Mexicanas.
En la película “México en mi corazón” de 1963, se reunieron las dos más
grandes cantantes y actrices mexicanas. Lola Beltrán y Lucha Villaque trascendieron con sus
canciones más allá de las fronteras de su país. En ésta película hacen una
perfecta versión de la Canción Mixteca con unas voces y una imagen
esplendorosas.
Una versión grabada por Ry Cooder fue
usada para la película Paris, Texas de Wim Wenders en 1984 que obtuvo
la Palma de Oro en Cannes. Imposible hablar de París, Texas sin mencionar el
emotivo diálogo entre Kinski y Dean Stanton en el Peep Show. Soberbio. En el
segundo de los diálogos entre Travis y Jane, la larguísima secuencia de casi
un cuarto de hora de duración en la que estos dos personajes hablan de su
pasado y de los motivos que les llevaron a la ruptura y al abandono
familiar. Wenders consiguió con esta escena una fuerza dramática
inigualable, basada en la identificación máxima del espectador con los
sentimientos de los protagonistas y en la genial consecución de la
transmisión del subtexto narrativo, es decir, de todo aquello que los
actores con su interpretación dejan traslucir del personaje a través de sus
actos y que explícitamente no está expresado mediante el diálogo. El montaje
—introducción de planos de reacción de los personajes hacia las palabras de
su interlocutor— fue la base de la captación de esta emoción interior vivida
por los personajes, y el momento más representativo a este respecto fue el
largo plano que recogía las reacciones de Jane —magnífica, Nasstassja
Kinski— ante las palabras de Travis, momento culminante por cuanto tiene de
revelación para el personaje de la mujer y por el dramatismo evidente que se
produce en su interior. Jane no habla, sólo escucha emocionada las palabras
del que fue su marido y que un día la abandonó, provocando a su vez que ella
abandonara al hijo de ambos, pero sus reacciones dicen mucho más que
cualquier palabra posible.
Este drama con tintes de road movie ha acabado convirtiéndose en una de las
mejores películas de culto de la historia del cine. Este video con escenas de la peli viene con la versión de Ry Cooder y una
parte cantada por Harry Dean Stanton(Travis en la peli) que no canta en ella.
Las escenas con la cara de Nastassja Kinski recuerdan el momento del primer
diálogo entre ellos. También hay fotos que parecen cuadros de Edward Hopper
mostrando la soledad.
Aquí pongo la única escena en que se oye la
Canción Mixteca. Acompaña la escena en que en casa de su hermano con su cuñada y su hijo, se
proyecta una película para hacerle recordar a Travis su vida.
La música es genial y va reflejando perfectamente los sentimientos de
todos.
Yo he visto Paris, Texas unas 5 veces y siempre se me escapa alguna
lágrima.
Una canción popular del siglo XVIII de Los Abruzos en el centro de Italia
con título Casca l'uliva o Addije, Adige amoreen dialecto, hace referencia a la separación, al abandono de las tierras y
a la emigración en busca de una vida mejor. Aún hoy día puede escucharse
este canto a las recogedores de olivas. Es el lamento de las mujeres que
quedan solas a causa del abandono de los campos por parte de los hombres,
obligados a emigrar. La melodía es una de las más bellas en este contexto, a
mí me pone los pelos de punta cuando el coro inicia el “Addio, addio amore”, e inspiró Amara terra mia
de Domenico Modugno.
La primera versión que pongo, acabo de encontrarla y me parece perfecta.
Canta Alizée Elefante y coro. Esas voces con ese efecto de distorsión o como se llame, que me
recuerda a un canto que hacían en un pueblo de Murcia, se llamaba Los
Auroros y consiste en un grupo de hombres que salen de madrugada a
recorrer las calles cantando canciones religiosas acompañados de una
campanilla solamente. Es un canto polifónico en el que participan dos
coros que se alternan. Son cantos síntesis de la cultura cristiana
(gregoriano) árabe (cantos de alborada) y judíos (cantos sefardíes de la
sinagoga).
En 1973, Modugno cambió algunos detalles para adaptarla a sus orígenes, en
Puglia, al sur de Los Abruzzos, donde a lo largo del todo el siglo XX, la
emigración hacia el norte o hacia otros países fue el hecho dominante. Un
maestro Domenico Modugno y la letra
también perfecta.
Domenico Modugno - 1973
Y hoy, la emigración es de otros países hacia Italia y es precisamente a
esas costas donde llega un alto porcentaje debido a su proximidad con el
sur y el este del Mediterráneo. En 2006 el grupo Radiodervish hizo su versión para un video dirigido por Franco Battiato, rodado
en Salento (el tacón de la “bota” italiana).
Radiodervish - 2006
En 2009, Pietra Montecorvino
de Napoles, hace una versión también diferente con influencias del norte de
África como la de Radiodervish. Nada más oir la canción se percibe el clima
mediterráneo. El olivo está muy presente. Tiene toques italianos, griegos,
norte-africanos, y también españoles. Los del sudeste de España sabemos muy
bien a que se refiere la canción. Muchos, de alguna manera, somos también
emigrantes.
Pietra Montecorvino - 2009
Y recientemente (11 de febrero de 2017), en las sesiones del Festival de
Sanremo (que aún se mantiene) dedicada a versiones, ha ganado el primer premio
esta canción, Amara terra mia por
Ermal Meta.
No podía faltar en mi blog el mejor cantante que ha existido, para mí y para bastantes apasionados de la música en todos sus estilos. La Voz, Frank Sinatra, aunque hasta ahora ha salido muy poco en éste blog no ha sido porque no esté entre mis preferidos sino porque es un tema especial que hay que tratar con “connoisseurs”. Es un tema para charlar ampliamente y mejor escuchando de fondo sus canciones. Hoy día no es muy apreciado o conocido entre los jóvenes cómo cuando yo lo era, tampoco. Entonces era un clásico y un antiguo y ahora, si acaso para quien le suena, un cantante que cantaba My way. Pero si a uno le gusta la música de verdad, termina cayendo en Sinatra sin remedio. Cuando canta lo hace para tí y la misma canción en distintas épocas te llevan a sentimientos distintos. Además en unos días celebramos el 100 aniversario del nacimiento de Frank Sinatra y de Billie Holiday. Así en ésta entrada del blog tenemos prácticamente a los 3 mejores cantantes del siglo XX al unir estos dos con Bob Dylan interpretando la misma canción, que, al menos han versionado unos 70 músicos distintos.
En 1951, Sinatra estaba en medio de una tumultuosa relación con Ava Gadner, casado aún con su primera esposa. Llegó incluso a hablarse de un intento de suicidio por parte de Sinatra. Entonces, en marzo de ese año, coescribió (una de las escasas composiciones en las que participó) con Herron y Wolf, la canción I'm a fool to want you e hizo una primera grabación con arreglos de Stordhal en New York. Unos meses más tarde, en noviembre, diez días después del divorcio, se casó con Ava Gadner.
Comienza con las cuerdas, como la introducción de un film noir, el coro seguidamente, y de repente ahí está Frank:
I'm A Fool To Want You
I'm A Fool To Want You
To want a love that can't be true
A love that's there for others too...
Y termina con el coro y él en un climax apoteósico:
I know it's wrong, it must be wrong
But right or wrong, I can't get along
Without you!
En 1958 otra de las mejores cantantes del siglo pasado, ya en sus momentos finales, grabó esta canción con su voz agónica y pantanosa. Con Billie Holiday, quizá, el peso dramático crece; sólo tienes que escucharla con atención un par de veces para darte cuenta de cuánto dolor sincero puede encerrar una frase tan pueril como la que da título a la canción. I’m a fool to want you. Inténtalo. El productor decía que el momento más emocionante fue verla escuchar la grabación. Tenía lágrimas en los ojos (igual que Sinatra en su primera toma).
Billie Holiday - 1958
Una versión que suena de maravilla y que me hizo aprender a tocarla con el saxo tenor, es la de Dexter Gordon en 1965.
Tal y como se ve en los videos de Sinatra, en el de Chet Baker y se palpa en el ambiente de éste, tiene que ver con algo que decía Ava Gadner : "Me gustaría vivir 100 años como algunos habitantes del Cáucaso. Eso sí, con un cigarrillo en una mano y un whisky en la otra."
Dexter Gordon 1965
Éste año 2015, Bob Dylan nos ha sorprendido (como es costumbre en él) con su disco de standars sobre canciones popularizadas por Sinatra.
Según él mismo: “Es como si la hubiera escrito yo. Es más fácil para mi cantar esta canción que cantar. Esta canción no pasa de moda. Ello tiene que ver con las emociones humanas. No hay nada forzado en ella. No hay ni una palabra falsa. Estas canciones son eternas, lírica y musicalmente.”
Shadows In The Night (el título del álbum) es absolutamente maravilloso, el sonido de un hombre ya mayor eligiendo sus recuerdos, amores perdidos, remordimientos, triunfos y pequeñas esperanzas en un ambiente creado por una evocadora instrumentación eléctrica. Es escalofriante, agridulce, cautivante y contiene la mejor interpretación vocal de Dylan en 25 años, presumiblemente debido a que está cantando en voz baja, susurrando. La comparación con Sinatra está fuera de lugar, pero pocas veces había sonado Dylan tan amoroso como en esas canciones que transmiten romanticismo, nocturnidad e intimidad desde las primeras notas de I'm a fool to want you. Toda la grabación está plagada de maravillosos y sutiles guiños, como las guitarras que se estremecen en los primeros momentos o cuando la música pierde por un momento su pulso ritmico y Dylan canta “I can’t geta long without you”, como si de repente todo fuera a desplomarse.“Bob Dylan canta a Sinatra … ¡Y funciona!”
Bob Dylan 2015
Frank Sinatra grabó una segunda versión en mayo de 1957, arreglada y conducida por Gordon Jenkins, que fue publicada en su álbum Where Are You? . Este álbum fue la primera grabación para Capitol Records, así como su primera grabación en estéreo.
Ésta grabación tiene unos 2 minutos más que la primera. No hay nada malo en la grabación: la suave orquestación de Jenkins da una fría cualidad a las cuerdas del inicio, además de un sonido un tanto anticuado en los rellenos de la voz de Sinatra; éste está bien, incluso más maduro y reflexivo. Pero el autor de la música siempre prefería la versión primera. Yo no sé por cual decidirme. Más de una vez, Mamen, tras un rato largo de estar yo escuchando música, me ha dicho: "por favor, llevamos más de media hora escuchando la misma canción". Pero no, una misma canción grabada por el mismo cantante en distintos años, ya son distintas canciones. Cómo va a querer expresar lo mismo uno con 30 años que con 50 o 75?.
A principios del siglo XX en Calexico (nombre proveniente de la unión/contracción de las palabras California y Mexico), un naciente poblado en la frontera entre Estados Unidos y Mexico, se estableció una numerosa población agrícola del Valle Imperial gracias a los regadíos. Pero a esta población ansiosa de diversión y con dinero en el bolsillo se le prohibieron el alcohol y el juego en 1902, 20 años antes que en el resto de los Estados Unidos y, como no, lo buscaron donde podían. Nada más cruzar una línea se encontraban en Mexicali, Mexico, recién fundado y cuyo nombre proviene de Mexico y California. Alli podían beber y ejercer todas las actividades prohibidas en Calexico.
Uno de los lugares famosos era El Tecolote, bar, baile, casino y de todo. Se pagaba un dolar por un baile. El local se incendió, se reconstruyó y en la década de 1920 a 1930 hubo un pianista Jack Tenney (años más tarde senador por California) que tambien dirigía la orquesta y que en 1923 compuso The Waltz que posteriormente se conoció como Rosa de Mexicali o Mexicali Rose. En principio fue un instrumental, luego Helen Stone, una artista del Cabaret Imperial, le puso letra. Bob Wills fue un músico, compositor y director estadounidense, considerado por muchos como uno de los padres del estilo Western swing. Con la sofisticación del jazz, influencias de la música pop y del blues, más improvisados scats y comentarios chistosos por parte de Wills, la banda acabó convirtiéndose en una estrella del género.Tuvo una enorme influencia en destacados músicos posteriores. El sonido y la voz nos llevan a tiempos lejanos, 1935.
Bob Wills & His Texas Playboys 1935
Gene Autry 1939 - (película Mexicali Rose)
Se cuentan muchas historias acerca del origen de la canción. En algún sitio se lee: que el autor visitó Mexicali por los años 40 en medio de la II Guerra Mundial, que muy cerca de allí está Yuma (Arizona), donde hay una base aérea de entrenamiento para pilotos y el autor era uno de esos hombres que estaba entrenando en la base y venia los días de descanso a Mexicali y aquí conoció a una mujer de la cual se desconoce el nombre pero que se dice que trabajaba en un centro nocturno y Jack se enamoró de ella y antes de irse a la guerra le entregó la partitura de la canción como promesa de que regresaría por ella al terminar la guerra, pero Jack murió en la guerra y la bella dama se quedó esperándolo. Al ver que la guerra se terminó y no regresaba le dio la partitura a un músico que dirigía una orquesta en uno de los centros nocturnos de Mexicali quien la difundió con su orquesta y pronto fue la pieza mas representativa de Mexicali. Todo muy romántico pero muy alejado de la realidad. El autor estuvo en la I Guerra Mundial y la canción se compuso en 1923.
Otra de las historias se lanzó en un congreso de celebración de los 45 años de la fundación de Mexicali, donde un historiador llegó a decir que: en realidad el Vals La Rosa De Mexicali fue compuesto a una bella joven, Rosa, que trabajaba de entretenedora en los bares del Mexicali de los años veinte y su autor se enamoró de ella. Rosa fue una bella dama que emigró a Mexicali desde el Estado de Sinaloa pues el trabajo que realizaba en su tierra natal en los campos agrícolas recolectando tomate, no le era suficiente para cumplir con su compromiso de madre soltera y para poder proporcionarle un mejor futuro a su hijo. Llegó a nuestra región y con su belleza de rubia natural prontamente cautivó a Jack quien pensando en ella compuso su obra. Jack B. Tenny era un hombre casado que solo estaría un tiempo trabajando en Mexicali por eso fue la rubia su amor imposible, además de que en esa época no era nada bien visto el que un gringo se fijara en una dama mexicana. Jack partió dejando a Rosa en Mexicali para nunca volverla a ver. Jim Reeveshace una versión perfecta con un estilo diferente apoyado en su estupenda voz. Como soy un clásico es la versión que prefiero.
Jim Reeves 1964
Jerry Lee Lewis tambien borda su versión en un ritmo rockero o rockabilly aunque en otras ocasiones ha hecho versiones mucho más lentas. Unas veces con ritmo de vals, otras de blues, en fin que hace maravillas. Aquí se equivoca y se pasa a Mona Lisa. Tuve la ocasión de verlo y oirlo en Montjuic en 1985 aunque dio lugar a un pequeño follón entre el público ya que cantó menos de lo esperado.
Jerry Lee Lewis 1993
El mismo autor ante tantas elucubraciones, escribió: escribí 'The Waltz' en el viejo Cabaret Imperial en 1923. No hubo nada de particular en las circunstancias. A Helen Stone, artista en el Cabaret Imperial, le gustó mucho y ella proporcionó el dinero para la primera edición por lo tanto yo le acredité a ella la letra. La idea del título se presentó de una manera simpática. El Cabaret Imperial tenía una cliente que vivía en un pueblo estadounidense próximo y que visitaba Mexicali a menudo. Era una señora mayor y tenía una casa de asistencia para empleados del ferrocarril. Siempre nos pedía algunos números de música. Una noche de invierno de 1923 llegó al Cabaret un poco pasada de copas. Estaba muy emocionada y llorando. Cuando ella salió del cabaret un compañero que tocaba el saxofón sugirió el nombre 'Rosa de Mexicali' para la música que yo había escrito. Encajó bien la frase. En vista de que nuestra cliente la señora mayor, Rosa, había llorado, la primera línea de la canción salió sola. Lo demás es pura ficción.
Testimonios de viejos residentes mexicalenses confirman que sí se dio un tórrido romance entre Jack y Rosita, además la belleza de esta mujer era venerada por el pueblo. A su regreso a Estados Unidos, Tenney se metió en política lo que favoreció el que se optara por ocultar el origen y la inspiración verdadera del vals Mexicali Rose.
Así que de todo esto y siguiendo el dicho periodístico de que “la realidad no te estropee una buena noticia” podíamos resumir la historia de Mexicali Rose como: un militar estadounidense destinado en Yuma durante la I Guerra Mundial (verídico) que los días libres se acerca a Mexicali a tomar unas copas y disfrutar tocando el piano (verídico). Entonces conoce a Rosa en el cabaret y se enamoran (se non è vero, è ben trovato) pero a él lo envían a Europa a la guerra (verídico) y no vuelve, pero le ha dejado la canción y ella bebe y llora (verídico) al recordarlo.
Muy conocidas porque se tararean sin darse uno cuenta y cuando las escuchas, sabes que las has oído antes, aunque la mayoría no recuerde los títulos o quien las cantaban. Pero son canciones que siempre perdurarán porque son una joyas. De las dos se han hecho múltiples versiones.
La primera es italiana, o más exactamente napolitana y está cantada en napolitano y se han hecho versiones hasta en 10 idiomas distintos incluidas las 3 versiones en inglés con letras totalmente diferentes. Es la deliciosa Anema e core de 1950. Una crítica francesa de 1955 decía:"parece inspirada en una necesidad insatisfecha y en continuo crecimiento de dulzura y ternura. La melodía es comparable a un beso puro o la caricia del cabello de una mujer por un amante enamorado y temeroso". Toma ya!!.
Como ya he dicho hay tropecientas versiones pero yo he elegido 2. La primera de 2010 interpretada por Olen Cesari con Lucio Dalla y Sergio Cammariere. Video que la primera vez que lo ví y oí me dejó entusiasmado. El violín, el piano, la voz y el niño deambulando por Nápoles son geniales.
La segunda versión es de una de mis cantantes favoritas, que siempre me trae buenos recuerdos, Gigliola Cinquetti. Ésta versión es de 1972, aunque en el video ponga otra fecha. Hay muchos fallos en la red.
Hurt es de 1954 y fue en 1962 cuando se hizo la versión definitiva y con gran éxito por Timi Yuro. Tiene un típico acompañamiento de aquellos años que la hace enseguida reconocible aunque no recordemos el título.
La canción es estadounidense y tambien se han hecho múltiples versiones, incluso en italiano. En Wikipedia llega a decir que Ma Vie de Alain Barrière es una versión de Hurt; se parece en algunos momentos pero no lo es.
Un par de versiones más, una en estilo doo wop en 1964 con Little Anthony & The Imperials .
Little Anthony & The Imperials 1964
La otra en italiano en 1967 por Fausto Lealique la tituló A chi.
He aquí un cantante y unas canciones que revolucionaron el mundo de la música y quedaron para siempre como pioneras en un estilo, el rock and roll, y que influyeron en todos los cantantes posteriores, todos. El rock and roll era una música sencilla. Lo único importante era el ruido que metía, su fuerza, su novedad. Lo único prohibido era el aburrimiento. Las letras eran casi inexistentes y no era por incapacidad, sino que constituían una especie de código teen que lo hacía casi totalmente incomprensible para los adultos. Uno de los primeros escritores acerca del rock, decía que en el principio de una canción de Little Richard estaba todo lo que tenía que saber sobre el rock and roll . <Tutti frutti all rootie, tutti frutti all rootie, tutti frutti all rootie, awopbopaloobop alopbamboom!>.
Combinando elementos del boogie, gospel, y blues, Little Richard introduce varias de las particularidades más características del rock, incluyendo su alto volumen y el estilo vocal enfatizando la potencia, así como su distintivo “beat” y ritmo. Ritmo, que introduce con "Tutti frutti" en 1955, y que es la base del estandar del rock, que más tarde consolidó Chuck Berry.
Con el grito inicial de "Awopbopaloobop - Alopbamboom!" (una onomatopeya del sonido de la batería), llegó a ser no solo un modelo para futuras composiciones de Little Richard sino un modelo para el rock and roll.
Little Richard provenía de una familia muy religiosa del sur y se inició cantando en la iglesia. En octubre del 57 ya estaba pensando en dejar el rock cuando durante una actuación en Sidney, vió una brillante bola roja cruzando el cielo sobre él y quedó profundamente impactado. Tomó el suceso, después se supo que era el primer satélite artificial recién lanzado, el Sputnik 1, como una señal divina para volver a la música religiosa, abandonar su vida salvaje y dedicarse a su iglesia. Y desapareció de la vida rokanrolera hasta años después.
En los dos primeros videos tenemos una escena de la película de 1956 Don't knock the Rock con la canción Tutti Frutti de 1955 y Long tall Sally (Largirucha Sally aquí en España) de 1956.
Little Richard - Tutti frutti 1956
Long tall Sally 1964
En los siguientes, Lucille en 1957 y Send me some lovin en una famosa actuación en Granada TV en Gran Bretaña en 1964, trás su vuelta a los escenarios.
Little Richard - Lucille 1957
Little Richard - Send me some loving 1964
Aunque fue censurada en muchos programas de radio y televisión debido a su alto contenido sexual, excesivo para la sociedad de la época, la canción fue un rotundo éxito que catapultó a Jerry Lee Lewis a la cima de su fama, logrando vender cerca de seis millones de copias en todo el mundo. Whole lotta shakin' going onse compuso en el 55 pero fue la versión de Jerry Lee Lewis en 1957 la que lanzó tanto a la canción como al cantante al gran éxito.
De todas las anteriores canciones hay multitud de versiones de los cantantes más famosos del siglo XX. Pero sigo con Little Richard que en la misma jornada de los videos anteriores en Granada TV en 1964 hace una muy buena versión de Whole lotta shakin' going on con el personal bailando desatado y The Shirelles acompañando los coros. Esta actuación levanta un muerto. Parece que no tiene bebidas el público, pero después de un baile así hay que tomar un trago largo de gin-tonic.
Paseando esta mañana con el iPod puesto he escuchado un par de canciones
que me han alegrado el paseo y con las que me era muy difícil seguir andando
sin bailar. Rápidamente he pensado en ponerlas aquí. Estas canciones eran
Cry to me y Can I Get a Witness. De esas canciones, ya que
estaba moviendo el esqueleto sin darme cuenta, he pasado, ya en el PC, al
rock más puro y así se van empalmando canciones sin darse uno cuenta y
vuelvo a reafirmarme en que la década del 55 al 65 fué apoteósica en música.
Los rock clásicos los pondré en la próxima entrada del blog. Cry to me
grabada en 1962 por Solomon Burke. Una
de las primeras canciones en unir el country, gospel y R&B en un mismo
paquete. Se considera el paradigma de las baladas del Soul del Sur. Quizá,
hoy, sea más conocida por la escena de baile en Dirty Dancing,
película de 1987. Baile, o lo que sea eso, porque en esa escena hacen de
todo menos bailar y finalmente ocurre lo que tenía que ocurrir en esos
casos.
Cry to me - Solomon Burke 2006
Y si con esto no mueves el culo, cómo dicen en Cataluña, "fes-t'ho mirar" (vé al médico).
Por supuesto tenía que poner otra versión de ésta canción y es la de
The Rolling Stones que está arreglada
en cuanto a sonido pero no está sincronizada con la imagen. En todo caso
está bien ver a Los Rolling en sus inicios, en 1965 aún con Brian
Jones a la guitarra.
Cry to me - The Rolling Stones 1965
Can I Get a Witness es una canción compuesta y producida por el famoso trío Holland,
Dozier y Holland para Marvin Gaye en la
Tamla Motown en 1963, un muy buen año para mí y para la música. Incluso el
día que se grabó fue un día especial en mi caso, el 17 de julio de 1963. En
esa misma sesión también se grabó otra estupenda canción “I heard it through the grapevine”. En los coros de la versión de Marvin Gaye estaban The Supremes.
Aquí trataré de una famosa canción sobre la que se ha escrito lo indecible, y siguiendo mi manía de buscar versiones de las canciones que me gustan, trás una minuciosa búsqueda y selección, he llegado a éste resumen.
Gloomy sunday es una popular canción escrita en 1933 por el pianista húngaro Rezső Seress, que ha sido versionada por artistas de la talla de Billie Holiday, Sined O’Coonor, Björk, Ray Charles, Heather Nova, etc...Es considerada una de las canciones más tristes que se han hecho y también se la conoce como “la canción húngara del suicidio”, debido a que varias muertes se habían relacionado con el tema musical. La BBC decidió no emitirla en su canal. Esta censura duro 61 años, ya que la canción no se llego a escuchar en la emisora hasta el 2002.
En 1936, un año después de que se lanzara la primera versión interpretada por Pál Kalmár, la revista “Time” escribió un articulo asegurando que decenas de personas, se habían suicidado incitados por esta canción. Se basaron, en que la policía Húngara, había encontrado varios cuerpos sin vida con las partituras o textos de la canción en sus manos.
La maldición de “Gloomy sunday” no termina aquí, ya que en 1968 el autor de la canción, intentó suicidarse saltando por la ventana de su departamento, aunque sobrevivió. De todos modos, días después, encontraron su cuerpo sin vida en el hospital, tras haberse estrangulado con un alambre. Curiosamente, el mismo año de este suceso, el primer artista en interpretar la canción, Pál Kalmár, perdió su voz tras una operación de garganta. La gran leyenda urbana acerca de los suicidios y muertes violentas alrededor de esta canción no ha llegado a demostrarse científicamente. En un inicio fue nombrada como “Vége a világnak “(El mundo se acaba) aunque posteriormente se reemplazó la letra por un poema “Szomorú Vasárnap” (Domingo triste).La versión original trataba sobre los desastres del momento (depresión, ambiente prebélico,...) bajo la influencia también del abandono de la pareja del autor. La segunda versión ya incide en el tema sobre un hombre que tras la muerte de su amante decide quitarse la vida un domingo (el mismo día del fallecimiento de su amada).
La primera version de Pál Kalmár de 1935 llegó a emitirse por la radio con un aviso sobre su peligro al escucharla y que tenían 10 segundos para desconectar la radio antes de que empezara a sonar. Una buena campaña publicitaria
La letra en inglés de ésta primera versión:
It is autumn and the leaves are falling
All love has died on earth
The wind is weeping with sorrowful tears
My heart will never hope for a new spring again
My tears and my sorrows are all in vain
People are heartless, greedy and wicked...
Love has died!
The world has come to its end, hope has ceased to have a meaning
Cities are being wiped out, shrapnel is making music
Meadows are coloured red with human blood
There are dead people on the streets everywhere
I will say another quiet prayer:
People are sinners, Lord, they make mistakes...
The world has ended!
La versión que apareció en USA en 1936 era la de Sam M. Lewis, quien al traducir y editar la letra de la canción había incorporado una última estrofa para suavizarla. Un último fragmento en el que la desesperante situación inicial que narraba la cantante aparecía como un simple pero atormentador sueño.
Otro drástico cambio de estilo para la misma pieza es el de Artie Shaw en 1940 con un fantástico swing y un clarinete excepcional. Resulta hasta alegre en algunos momentos.
En las versiones en inglés, a partir del 36, la letra traducida ya es:
El domingo es triste. Horas sin dormir.
Cariño, las sombras con las que vivo son innumerables.
Pequeñas flores blancas que nunca te despertarán.
Allá donde la negra carroza te ha llevado.
Los ángeles no tienen pensado devolverte.
¿Se enfadarán si pienso en unirme a ti?
Domingo triste.
El más triste domingo, pasándolo junto a las sombras.
Mi corazón y yo hemos decidido terminar con todo.
Pronto vendrán las velas
y las oraciones, lo sé.
Pero no les dejeis llorar.
Hacerles saber que estoy encantado de ir.
La muerte no es un sueño. Gracias a ella te puedo acariciar.
Con el último aliento de mi alma, te bendeciré.
Domingo triste.
Soñando. Tan solo estaba soñando.
Me levanto, y te encuentro despierta
en lo más profundo de mi corazón. Aquí.
Cariño, espero que mi sueño nunca te hechice.
Mi corazón te está diciendo cuanto te quiero.
Domingo triste.
No podía faltar la versión de la cantante que lanzó esta canción a la popularidad y la mejor versión o, por lo menos, la que más me gusta junto con la de Heather Nova. Es Billie Holiday y fué en el año 1941.
En 1999 se estrenó una película germano-húngara Ein Lied von Liebe und Tod sobre un triángulo amoroso con trágicas consecuencias durante la II Guerra Mundial basada en la canción. La película lleva desde el año 2001 poniéndose en un cine de Nueva Zelanda, y en una localidad de Massachusetts estuvo proyectándose 70 semanas consecutivas. En la película hay una escena en que la actriz canta esta canción.
En la banda sonora de ésta película también está la versión de Heather Nova, con un cambio de ritmo muy moderno, y también he encontrado otra versión en directo de la misma cantante en el año 2003 con acompañamiento sólo de un piano que deja embobado por la canción y por la presencia física de Heather Nova.
1999
2003
Y finalizo, cronológicamente, con una versión que cantaba la actriz española Lucía Jiménez en la película del año 2006, La caja KovaK. La película toma como uno de sus elementos principales la famosa canción "maldita" Gloomy Sunday. La versión es muy parecida a la primera de Heather Nova e incluso Lucía Jiménez tiene un aire a Heather Nova.
Esta canción era una de varias de un musical de 1937, "Babe in Arms"
de los superconocidos Rodgers y Hart. Para ser una canción de amor ya resultaba un tanto extraña, ya que habla de la risible apariencia física de la amada, de su figura alejada de los cánones griegos, de su boca poco agraciada y que no dice cosas inteligentes, y a pesar de todo se convirtió en una de las baladas más grabadas del siglo pasado. Resulta fácil de tocar con el saxo si no se pone uno a hacer uno cosas cómo Miles Davis, y a mí, como me gusta esta pieza, me llega a salir decentemente.
Dos trompetistas trataron de hacer suya esta canción, Miles Davis y Chet Baker. Se suele acusar a Baker de seguir los pasos de Davis pero en este caso fue Baker el primero en identificarse con este estándar y el que más años lo mantuvo en su repertorio. Llegó a grabar cerca de 40 versiones. A principios de los años 50 pocos músicos tocaban My Funny Valentine, pero tras el éxito de Baker, tanto instrumental como vocal, muchos músicos de apuntaron al carro. En 1954 se grabaron más versiones que en las décadas de los 30 y 40 juntas.
Cómo escuchante clásico, a mí me gustan más la versiones de Chet Baker que las de Miles Davis. E incluso más, las versiones de Ben Webster, o Artie Shaw. En las canciones me gusta reconocer la melodía y poder seguirla, cosa que es difícil con Davis. Quizá para tocar la pieza se disfrute más con la versión de Davis, pero para escucharla prefiero la de Baker.
Voy a empezar con una versión de Chet Baker en vivo en Turin en 1959 y otra en Tokio en 1987 unos meses antes de morir en Ámsterdam al caerse por la ventana ayudado por todo lo que se había metido. Se nota claramente como el paso de los años no le había tratado bien. Demasiadas drogas y los peligros que ello conlleva, como el que le apalearan una vez en que las estaba buscando y le dejaron prácticamente sin dientes. Esta versión, que es larga, viene estupenda para un momento romántico en una sala de las de antes, tomando un whisky y un cigarrillo, acompañado de tu pareja, en un ambiente en penumbra. Vamos un momento para recordar.
1959
1987
En 1953 Frank Sinatra utilizó la canción para abrir su LP Songs for Young Lovers y esto fue decisivo para que My Funny Valentine saliese de la subcultura del jazz y aterrizase en los tocadiscos del estadounidense medio. Creo que en el video le acompaña su hija Nancy antes de hacerse famosa con "Las botas hechas para caminar". Más que nada porque se parece bastante a Sinatra y me recuerda a la del video de esa canción.
Y como canta el c..... Es acongojante la voz que tenía La Voz.
Iba a poner la versión del Quinteto de Miles Davis en 1964, con Wayne Shorter al saxo tenor, Herbie Hancock al piano, Ron Carter al bajo y Tony Williams en la batería.Son buenos en lo suyo, pero aparte de durar más de 12 minutos, me resulta pesado como ya he comentado al principio, así que se queda en el aire. Esto del free jazz no está hecho para mí. Cómo decía mi amigo Jóse, cuando escuchábamos a Pedro Iturralde, Jaime Marques, Tete Montolíu y otros en el Borbon Street de Diego de León o en el Whisky Jazz de Villamagna: "a ver si coge el hilo y vuelve al tema porque me parece que se ha perdido".
Para terminar, mi versión preferida, la de Ben Webster al saxo tenor en 1954. Para continuar el momento romántico anterior pero ya completamente entusiasmado.
Esta canción también fue nº 1 en varios países. En España funcionó pero sin llegar a extremos. En todo caso a algunos nos gustó y nos trae recuerdos de aquel 1965. La canción es Long live love y la canta Sandie Shaw que sin ser una cantante para entusiasmar tenía su gracia e "iba descalza".
I got you baby por Sonny & Cher, compuesta por Sonny en 1965 y producida por Phil Spector, y se nota.. Antes habían hecho los coros en Be my baby con The Ronettes tambien producida por Spector.
Una canción que tuvo gran éxito, en plena época hippi, como lo demuestra que 20 años después UB40 y Chrissie Hynde volvieran a tener éxito con su versión.
Pocos se acordarán ya de esta canción que tuvo éxito en 1965. Quizá solo mi amigo Enrique y 4 más de los que vivimos aquellos años intensamente (o, por lo menos, lo intensamente que se podía a los 18). Every’s gone to the moon, cantada por Jonatahn King ycompuesta por él mismo mientras era estudiante en Cambridge. Es una más de las buenas canciones que no se escuchan ya casi nunca y un ejemplo de los cantantes con un solo éxito.
He aquí una pieza que nos suena y hemos silbado muchas veces. La pieza se grabó con músicos de estudio y no está claro quien silbaba. Probablemente era un tal John O'Neill muy conocido por sus silbidos, entre otros por la melodía de Ennio Morricone de “El bueno, el malo y el feo”. A ese conjunto de músicos se le dio el nombre de Whistling Jack Smith y el que ponía la cara en los discos y en las actuaciones era un actor. Como se debería sentir al salir haciendo que silbaba y no hacía más que poner cara de silbar!. Una cosa así como luego pasó conMilli Vanilli.
La canción es I Was Kaiser Bill's Batman de 1967.
Cuantas veces nos habíamos preguntado los amigos, qué quería decir el título de esta canción de 1968 y cual era realmente, Lalena (según el disco), Laleña (tal y como suena aunque poco probable al no existir la ñ en inglés), Laléna (según Wikipedia)? Por lo que dijo Donovan es un nombre inventado partiendo del de la actriz y cantante Lotte Lenya que fue la esposa de Bertold Brecht quien junto a Kurt Weill compusieron obras maestras entre las 2 grandes guerras en Alemania. Una de ellas fue La Ópera de los 3 peniques en la que Lotte Lenya hacia de prostituta.
Para acabar, me salgo de la “década prodigiosa” de los 60 para ir a la última sesión de grabación del grupo ABBA en agosto de 1982 con su última canción; The day before you came es una extraña canción en el repertorio de ABBA, posee ciertas características que la hacen especial: en la canción sólo se escucha la voz de Agnetha y el sintetizador de Benny, mientras la guitarra de Björn y la voz de Frida son casi imperceptibles, prácticamente no hacen nada, y todo el acompañamiento musical está hecho con sintetizadores.
Es una muy buena canción que deja una sensación extraña. Quizá porque era la última. De hecho hay múltiples interpretaciones sobre lo que quiere decir la letra de la misma. Sea lo que sea, a mí me encanta.
