Audrey Hepburn - Bandas sonoras - Moon River

Quién no ha visto alguna película de Audrey Hepburn?. Y siempre queda uno contento con ella. Desde la deliciosa Vacaciones en Roma, un monumento a la alegría con Gregory Peck y sin una banda sonora digna de mención, Una cara con ángel donde baila con Fred Astaire, Sabrina con Humphrey Bogart, Ariane con Gary Cooper y Maurice Chevalier y la famosa canción Fascination, Desayuno con diamantes una de las mejores películas de siempre con música del genial Mancini – Moon River –, Charada con mi actor preferido Cary Grant y tambien música de Mancini y dirigida por Stanley Donen, el mismo de Cantando bajo la lluvia y 7 novias para 7 hermanos, My fair lady deliciosa con “the rain in Spain…”, Dos en la carretera y Robin y Maria, entre otras.

Iba a poner algo solo de Breakfast at Tiffany’s pero cómo desperdiciar una ocasión así sin poner algo más con Audrey?. Así empezaré con Vacaciones en Roma de 1953. Mira que hace tiempo de esto y siempre que la veo me alegra la vida. Y debe ser una buena película de siempre porque a mi hija también le gusta (cosa de lo que me alegro infinitamente pues el buen gusto no es muy común). Tuvo 3 Oscar y estuvo nominada a 7 más. Cary Grant rechazó el papel protagonista y lo hubiera bordado. Éste video es un montaje de escenas de la película acompañadas de la canción On an evening in Roma de Dean Martin que no desentona.

Vacaciones en Roma–On an evening in Rome–Dean Martin

Ariane de 1957, dirigida por Billy Wilder no fue muy bien recibida por la crítica. Gary Cooper era algo mayor para Audrey. Aunque quisieron ponerle un final feliz, Wilder se negó ya que había por medio una relación ilícita. El papel protagonista también se le había ofrecido primero a Cary Grant. Aunque la peli no es demasiado conocida por el público en general, yo tengo un buen recuerdo de ella pues Fascination, fue de los primeros discos que tuve, al traerlo mi padre de los Estados Unidos ese mismo año. La música consiguió los Oscar de ese año.

Fascination - Jane Morgan & The Troubadours

Una de las más conocidas películas desde 1961 es Desayuno con Diamantes dirigida por Blake Edwards  con música de Henry Mancini. Un dúo que ha hecho películas y bandas sonoras como churros buenos. El Moon River es una pieza que siempre recordamos. Y aunque se recuerda más la escena de Audrey tocando la guitarra en el balcón, yo pongo la escena final de la peli con la emotiva escena de la pérdida y encuentro de Cat y de George Peppard  bajo una lluvia considerable que, a pesar de lo cual, no hace mella en la belleza de Audrey. Y de fondo la orquesta va in crescendo  con Moon River y a uno, le gusta.

Escena final de Desayuno con Diamantes–Moon River

Y finalmente otra peli con una muy buena banda sonora.  My Fair Lady de 1964, dirigida por Cukor. Ésta también tiene muy buenos recuerdos para mí. Durante ese año  siempre iniciaba mis cartas a una chica con la expresión “My Fair Lady”, qué cosas.  Y aquí la superconocidísima The rain in Spain.

My fair Lady - The rain in Spain

Canciones con respuesta 5 y última: Tell Laura I love her

Uno siempre tiene alguna canción favorita entre todas las que ha escuchado mil veces. En mi caso son 3 y no quiero aumentar ni disminuir ese número. La primera es ésta, Tell Laura I love Her. No es ni la mejor, musicalmente hablando, ni la de más éxito, pero es mi preferida. Me llegó en un momento feliz y me acompañó en momentos más felices aún. En todo caso, sí fue un éxito en aquellas fechas en 14 países donde se superaron los 7 millones de copias,  aunque en Gran Bretaña destruyeron las que acababan de editar por considerar los directivos que era una canción insípida y vulgar. Inmediatamente salió una versión por Ricki Valance que llegó a nº 1 en Gran Bretaña. En Estados Unidos algunas emisoras de radio no emitieron la canción, como otros casos de canción con muertes, porque podía incitar a los jóvenes al suicidio.

A finales del 1962, un día un amigo del cole, Gonzalo, me dijo que en el próximo guateque iba a intentar bailar una canción que era buenísima con una chica que le gustaba mucho. La canción era Tell Laura I love her de Ray Peterson que salió en el 1960 y llegó a nº 1 al año siguiente, todo esto en Estados Unidos. En España, en 1960, en el programa Caravana de Ángel Álvarez fue el Serie Dorada nº 66. En el guateque oí por primera vez esa canción y me gustó. Pero por qué es mi preferida?. Nunca se sabe bien. Entonces me gustó pero fue poco a poco, cuando se la di a conocer a otra chica, y escucharla muchas veces pensando en ella, cuando fue introduciéndose hasta lo más hondo. Pocos días después del guateque, el 5 de enero de 1963, víspera de Reyes, me recorrí 11 tiendas de discos de Madrid buscando el Tell Laura, en la que hacía 12 lo encontré.

La canción cuenta la trágica historia de Tommy un joven desesperadamente enamorado de Laura. Él quiere regalarle un anillo de boda y como no tiene un duro, se apunta a una carrera de coches en la que el premio es 1000 $. Antes de la carrera llama a Laura pero esta no puede ponerse y entonces le dice a su madre, “Dile a Laura que la quiero”. En la carrera, nadie sabe como, el coche vuelca y se incendia y Tommy muere. Sus últimas palabras son “Dile a Laura que la quiero.. Que mi amor por ella nunca morirá”. Al final, Laura reza en la capilla donde aún puede oir a Tommy decir: Dile a Laura….

Unos meses más tarde salió el disco de Marilyn Michaels, Tell Tommy I miss him con 2 versiones, la americana y la inglesa. Por lo visto no se permitía en Inglaterra decir algunas palabras que si se podía en Estados Unidos. De nuevo vemos como la versión original, generalmente, le da 20 vueltas a las copias.

Canciones con respuesta 4: Save the last dance

Save the last dance for me de Domus  yShuman, cantada por Ben E. King y The Drifters en 1960, producida por Leiber y Stoller y, tambien, Phil Spector, alcanzó el nº 1 durante varias semanas. En el programa Caravana de Ángel Álvarez fue el Serie Dorada nº 95 del año 1960.

En la canción, el narrador, en una boda, le dice a su pareja que ella es libre de ir de aquí para allá entreteniéndose durante la velada, pero que se asegure de reservarle el último baile. Unos dicen que esa boda era la de Pomus; él llevaba muletas debido a la polio y su mujer bailaba con los invitados; él le deseaba que tuviera un baile divertido, pero le recordaba quién la llevaría a casa y en qué brazos terminaría. Y de esto salió la canción.

Save the last Dance for me - Ben E. King & The Drifters

 

Ese mismo año, Damita Jo cantó la respuesta en I'll Save the Last Dance for You que tuvo cierto éxito pero nada que ver con el original.

I'll save the last dance for you - Damita Jo

Hay infinidad de versiones, yo tengo archivadas algo más de 30. Se nota que me gusta. Desde Dalida, Dion, Jerry Lee Lewis, Ike & Tina Turner, The Beatles, Emmylou Harris, Bruce Willis, Bon Jovi, Nancy Sinatra y Bruce Sprigsteen hasta Michael Bublé . No se puede dejar pasar el video de Michael Bublé cantando y bailando.

E incluso, Leonard Cohen, que no la tiene en disco, cuando estaba terminando el concierto en Barcelona en octubre de 2012, como última canción se puso con ella. Aunque tiene poca voz, todos la cantábamos y la grabación es mala, (las hay mejores en You Tube) a mí me dejó con los pelos de punta y acongojado. 

(Los videos, pueden ampliarse a pantalla completa pinchando en You Tube o en el cuadrado inferior derecho)

Canciones con respuesta 3: He’ll have to go

La canción origen es He’ll have to go de Jim Reeves de 1959. En los primeros versos ya queda fijada la línea de la canción: "Put your sweet lips a little closer to the phone/Let's pretend that we're together all alone/I'll tell the man to turn the juke box way down low/And you can tell your friend there with you he'll have to go." Es una letra representativa del country pero la voz y estilo de Jim Reeves la hacen algo especial que trasciende del country hacia el clásico crooner. Alcanzó el nº 1 en las listas Billboard de country & western de 1960 y el nº 2 de Billboard Hot 100 de ese año, permaneciendo 14 semanas consecutivas.

Además fue el primer serie dorada del programa Caravana/Vuelo 605 de Ángel Álvarez, que desde 1960 se escuchó en algunas emisoras de Madrid y del que nos hicimos entusiastas seguidores algunos amigos pues por el llegaban canciones de Estados Unidos que aquí no era fácil escuchar.

Jim Reeves es uno de mis favoritos, tiene una voz aterciopelada, deletrea perfectamente y sus canciones siempre me llegan. Cómo muchos otros músicos, en aquella época, murió pilotando su avioneta al ir de una actuación a otra.

Jeanne Black en 1961, cantó He’ll have to stay, respuesta a la anterior y alcanzó cierta notoriedad en muchas listas de éxitos consiguiendo un disco de oro. Pero no es gran cosa, sobre todo comparada con la canción original. Pero no volvió a repetir el éxito y quedaría como “estrella de un sólo éxito”.

He'll Have to stay - Jeanne Black

De He'll have to go hay versiones para todos los gustos. Incluso fue la última canción que grabó Elvis en estudio y no se puede decir que merezca la pena.

Canciones con respuesta 2: Oh! Carol

En 1959, Neil Sedaka buscaba desesperadamente un nuevo éxito. Para conseguirlo, dio la espalda a las musas y aplicó el método científico. Estudió a conciencia las canciones que habían alcanzado el número uno durante los meses precedentes antes de dar forma a una pieza inmortal: Oh! Carol. Inspirada en Carol Klein, una antigua compañera y novia de instituto que también componía. La canción con una letra sencillísima, oída hasta la saciedad, sin complicaciones musicales resulta, al final, deliciosa. Quien no ha bailado, silbado o tarareado Oh! Carol . Quizá sea que a todos los que teníamos uso de razón cuando salió la canción y a los que se fueron agregando más tarde nos enganchó para siempre. Oírla es como un rápido viaje a la juventud y la inocencia.

Oh! Carol - Neil Sedaka 1959

Poco después, el director de la editorial de Sedaka, recibió una llamada de otra editorial que le decía que conocía a una chica de Brooklyn que había escrito una canción en respuesta, titulada Oh! Neil. Se hacía llamar Carole King, aunque su nombre real era Carol Klein. Tenía 17 años y su marido, Gerry Goffin escribía las letras. Oh! Neil –misma música que Oh! Carol, aunque con distinto texto, un tanto irónico y satírico– no consiguió, ni de lejos, el éxito de esta última, pero abrió las puertas del Brill Building – el edificio de Manhattan en que las editoriales importantes tenían su sede– a uno de los equipos creativos más asombrosos del pop, King y Goffin.

Oh! Neil - Carole King 1960

Carole King se arrepintió de esta burlesca, e inmerecida respuesta y tan solo un año después, escribió como muestra de arrepentimiento Will you still love me tomorrow, una de las más consagradas baladas de la época gracias a su hermosa lírica que alcanzó el Nº1 en la versión de The Shirelles y que no tiene nada que ver en cuanto a música con la canción origen. Las emisoras de radio se resistieron al principio por encontrarla demasiado sexual.

Will you still love tomorrow - The Shirelles 1960

Canciones con respuesta: Wild side of life

Una canción respuesta es una canción compuesta y grabada en respuesta a otra canción que ya existía. El concepto se popularizó en los años 50 en el mundo del blues y el country. En primer lugar va la canción en una versión nada que ver con el country para romper el ritmo y mostrar lo que se puede hacer con una buena pieza. Es la versión de 1976 de Status Quo de Wild sife of life, la canción origen a la respuesta.

Wild side of life - Status Quo 

Wild side of life está fue compuesta y cantada por Hank Thompson en 1952, aunque el origen es de alrededor de principios de 1800. Se tiene constancia de una canción de 1864 Just before the battle mother que puede ser el origen. Es una típica balada irlandesa y con la misma música o base, se han hecho muy distintas canciones, tales como I’m thinking tonight of my blue eyes de 1929, Great speckled bird de 1936, Hobo’s Lullaby de 1934 , y la han cantado en sus distintas versiones desde La famila Carter, pasando por Jerry Lee Lewis hasta Bruce Springsteen en su versión como Hobo’s Lullaby, que es casi idéntica y la lanzaron Woody Guthrie y Pete Seeger. En Wild side of life, un hombre se queja (cómo es costumbre en el country) de "que su mujer le ha dejado, que la alegre vida nocturna la llevó a lugares donde corría el vino y otros licores y que no sabía que Dios hubiera hecho ángeles de taberna,.."

It Wasn't God who made honkytonk angels, es la primera canción respuesta, y lo es a la anterior. En It wasn't God who made honkytonk angels, Kitty Wells, un par de meses después cantó la misma canción con distinta letra respondiendo a las palabras de la primera con : "Dios no hizo ángeles de taberna, Muchas veces los hombres casados creen que aún están solteros y esto ha causado muchos problemas a las buenas chicas,…etc"
La canción consiguió ser el primer número 1 de una mujer en la lista Billboard country hit y fue la que abrió paso a posteriores famosas del country. Y curiosamente tuvo más éxito la respuesta que la original, siendo éste uno o el único de los casos en que ha ocurrido esto. La verdad es que la voz y la versión de Kitty Wells son dignas de atención.

Y finalmente, algo que gusta mucho a los americanos. La canción en familia. Aquí cantan Wild side of life - It wasn't God who ... una pareja. Él, el padre, y ella Martina McBride en el Gran Ole Opry . la catedral del country en Nashville,Tennessee. Uno hace la versión masculina y ella la femenina.

 Martina McBride & Daddy

It Wasn't God who made honkytonk angels es una de mis canciones country favoritas. Vamos que estaría entre las primeras en Mi Billboard Country Hits.

Música de cine: 2 impresionantes mujeres

Aún hoy extraña pensar como la censura de la época fue tan condescendiente con Anna dirigida por Alberto Lattuada en 1951, al no poner trabas a la hora de su estreno en España, sobre todo en las escenas del “bayón”, donde Silvana Mangano hace una auténtica creación de sensualidad y provocación. Quizá sea debido a esto el que su estreno en España no fuera hasta 1953. Cuando se iba al cine a ver ésta película, se iba a ver el bayón de Anna. Un amigo me contaba que en un pueblo de Córdoba se anunciaba así la película: “Pase de la película Anna a las 19 h. El bayón a las 19:45 h.”

Uno de los melodramas más populares de su época, en el que se presentaba una situación que sería utilizada en más de una ocasión: la pecadora que intenta redimirse a través de la vida religiosa. Realizada con soltura pero limitada convicción, sus valores más notables estriban en la inteligente utilización de un erotismo tan sugerente como inocuo. Silvana Mangano, destaca más por sus dotes interpretativas que por su figura. Claro que en esto hay trampa en forma de hábitos monjiles. Pero por mucho que se empeñe en llevarlos con dignidad parecen un tanto artificiosos en una hembra de rompe y rasga que, con únicamente con dieciséis años ya lucía la corona de Miss Roma y de no haber sido por Lucía Bosé probablemente hubiese lucido la de Miss Italia.

Menos mal que los flashback del film nos regalan la sensualidad de la diva bailando el “Bayón El Negro Zumbón”, que hizo furor en todas las emisoras de Radio de nuestro país y es de lo mejor de una película que aun contando con magníficos actores, el mismo elenco de Arroz Amargo, Raf Vallone y Vittorio Gassman, no resiste con ella una comparación seria. Y resulta curioso que, en aquellas fechas, a muchas niñas de poco menos de 10 años se les enseñara en casa como “gracia” a bailar el bayón en las visitas.

La Dama de Trinidad de 1952 supuso el regreso al cine de Rita Hayworth, tras 4 años de ausencia por su matrimonio con Alí Aga Khan. La Columbia decidió realizar un film a medida de su lucimiento personal. El guión contiene calcos de "Gilda", como el entorno exótico, la cantante de cabaret, canciones sensuales, bailes tórridos, la bofetada y la presencia de Glenn Ford.
La música ofrece dos canciones originales:Trinidad Lady y I've Been Kissed Before. La fotografía, en espléndido blanco y negro, proyecta sombras, ofrece escenas nocturnas de excelente contraste e imágenes de proximidad que acarician el rostro seductor de Hayworth, de 34 años. El guión, ambientado en la Guerra fría, se basa en un argumento ingenuo, exagerado y poco convincente. La película, valorándola en conjunto es mejor de lo que corresponde su escasa fama, pero es peor de lo que debería ser un proyecto como la vuelta de Hayworth, que debería haber tenido más medios e inteligencia. La peli es ideal para pasar la tarde y disfrutar de Rita, una de las pocas actrices que sin saber actuar llenaba la pantalla.
En Trinidad Lady no está nada mal. Los entendidos dicen que es mejor el baile de Trinidad Lady que el de I’ve been kissed before. Por si acaso, pongo los dos, pero a mí me gusta más con los tacones. Verla bailar I've Been Kissed Before, completamente desatada, y ver la cara de gilis de todos los hombre alrededor, incluido Glenn Ford que parece que le va a dar algo, es una gozada. Y eso que no es de ella la voz que se oye, es de la cantante que la doblaba.

Cine musical años 50: "7 novias para..." y "King Creole"

Más que una entretenidísima y colorida comedia musical con brillantes bailes, que también, "Siete novias para siete hermanos" de 1954, es un alegre canto a la vida. Es decir, un magnífico antidepresivo. Uno de los musicales más aplaudidos de la historia del cine.

Tras Un día en New York y Cantando bajo la lluvia se consideró que Stanley Donen, el director, con 29 años estaba maduro para dirigir un musical de bajo presupuesto. De los 7 hermanos, sólo uno era actor, el mayor era cantante, cuatro eran bailarines profesionales y el séptimo era un acróbata. Por eso alguno de ellos se pasa la película poniendo cara de póquer y con la boca cerrada.

Fue un enorme éxito de taquilla y estuvo entre las 10 películas más vistas de Estados Unidos durante muchísimo tiempo. Sus valores han permanecido a pesar del tiempo y sigue siendo un musical que transmite alegría de vivir. Es un musical alegre y colorido, con una fotografía de paisajes (decorados) preciosa y resalta el alegre vestuario de los brutos hermanos, todos con la misma camisa pero cada uno de su color, y colores fuertes, nada de tonos pastel. Con cantidad de escenas y diálogos divertidos.

De ésta película siempre tendré un recuerdo imperecedero. La vi en Murcia, debía ser el año 1957. Acababa de salir con mi tía de un cine de ver “La sirena y el delfín”, de la que no tengo más recuerdo que el que había escenas submarinas y salía Alan Ladd, cuando me encontré con unos amigos que iban a ver “7 novias para 7 hermanos” y allí me fui. Fue la primera vez que en una misma tarde fui dos veces al cine. La película la he visto ya un puñado de veces y la recuerdo muy bien. Las dos escenas fundamentales para mí son : el famoso y conocidísimo baile de los 6 hermanos, las 6 futuras novias y 6 competidores, que ha pasado a la historia no ya de los musicales si no del cine, en general, y por mérito propio. Es el baile más espectacular, colorido, enérgico, alegre y divertido que se ha filmado nunca, mezcla de danza y acrobacia, con una música que también ha pasado a la historia; y mi escena y canción favorita es Lament (Lonesome Polecat), cuando los hermanos están en el bosque, en medio de la nieve, cortando leña. Tiene una cadencia, acorde al sentimiento de los hermanos, perfecta, y el paisaje (decorado) me encanta.

King Creole / El barrio contra mí  de Michael Curtiz, 1958, oscarizado en 1943 por Casablanca, dirigió a Elvis Presley (y a su antagonista Walter Matthau) en su papel favorito. Elvis, no descubrimos nada al decir que, no era un actor, pero cantar, ¡cómo cantaba!.  Las películas las hacían para lanzar las canciones y se pasaron. Sólo ésta alcanzó a ser una película decente. El rodaje tuvo que moverse de lugar varias veces por el acoso de las fans; Elvis hubo de retrasar su entrada en la mili para poder terminar la película. Y el repertorio musical incontestable y diverso. Una curiosidad: la actriz Dolores Hart (pareja del Rey del Rock en este filme, la chica buena) rondaba la veintena cuando se estrenó King Creole. Cinco años después, con varias importantes producciones y premios a sus espaldas, ingresó en una abadía para ser monja y ahí sigue (creo).

Aquí van las dos mejores canciones de la película, compuestas por Leiber y Stoller, dos fieras que compusieron magníficas canciones como Houng dog, Jailhouse Rock, Kansas City, Stand by me,…. Estas dos son Trouble y King Creole.

 

"The boy with green hair" y "The third man""

Siguiendo con bandas sonoras de películas, ya hemos visto y oído algo de Fred Astaire y Alida Chelli, le toca el turno a 2 pelis de finales de los 40 que tuvieron gran repercusión, llegando a figurar en la Historia del Cine con mayúsculas. Y no sólo cómo películas sino también con bandas sonoras.

Por orden cronológico, primero “El muchacho de los cabellos verdes” de 1948, la primera película de Joseph Losey. La peli toma la forma de una parábola antibelicista, tan ambiciosa como ingenua, y un alegato por la tolerancia racial y religiosa que no duda en emplear una excusa fantástica, la inexplicable transformación del pelo de Peter y las visiones de los huérfanos que le encargan la misión de difundir su mensaje. Esa misma ingenuidad se traslada a un final optimista.

Se rodó cuando comenzaban las actividades del Comité de Actividades Antiamericanas del que fueron víctimas el mismo Losey y el guionista. En el clima de terror que se avecinaba el mensaje pacifista aún colaba, pero el antiracismo añadido ya resultaba excesivamente progresista para los ultras de Hollywood. Barzman, el guionista, narra lo que podría ser sólo una leyenda: En el guión el niño debía pronunciar en varias ocasiones la advertencia: “ La guerra es mala para los niños”. Howard Hughes, que había comprado los estudios RKO habría pretendido que el niño añadiera ...Por eso, para evitarla, necesitamos un ejército, una armada y una aviación fuertes en todo el mundo. Según Barzman, fue el propio Dean Stockwell, el niño, quien se negó a hacerlo.

Veinte años antes de que aparecieran los hippies, el compositor de Nature boy, eden ahbez, que siempre escribía su nombre con minúsculas pues las mayúsculas debían reservarse para Dios y el Infinito, ya había perfeccionado un estilo de vida que combinaba el misticismo oriental, la comida orgánica, el pelo largo y una búsqueda constante de la iluminación. No parece que todo esto llevara a ser el compositor de una pieza grande en la historia de la música, pero terminó por presentársela a Nat King Cole y éste quedó impresionado por la repercusión que tenía ante el público. Conseguir la autorización del compositor para publicar la canción no fue fácil. Terminaron encontrándolo acampado bajo el famoso letrero de Hollywood.

Qué decir de El tercer hombre de 1949 ? Una joya del cine con una fotografía en blanco y negro que deslumbra y una banda sonora, interpretada por su autor Anton Karas con la cítara, que no puedes dejar de tararear y acentúa todas las escenas de la peli.

Es de los pocos casos en que la película mejora la novela. Y así lo reconocía su autor Graham Greene. El aporte de Orson Welles es fundamental. Su primera aparición en pantalla (el movimiento de una lámpara que muestra a Harry Lime ante la sorprendida cara de Cotten) ha sido considerada como la mejor presentación de un personaje en un filme.

En 1948 Carol Reed estaba preparando la filmación de su película en Viena cuando encontró a Karas tocando la cítara en una taberna vienesa. Se le acercó y lo contrató para que compusiera la banda sonora de su película. El encuentro se llevó a cabo por casualidad en ese lugar, y la elección resultó ser un golpe de suerte para ambos. The Harry Lime Theme, se mantuvo en las listas de éxitos de los Estados Unidos durante más de tres meses en 1950.

Mi primer contacto con ésta película fue en el colegio, corrían los primeros 60’s, en uno de aquellas sesiones que llamaban cineforum. Eso de estar en clase y que te digan, “ahora vamos al salón de actos a ver una película y comentarla” ya es un notición. Se apagan las luces y empiezan los créditos con una imagen de un puñado de cuerdas vibrando (la cítara) y sonando una melodía que deja hipnotizado, luego viene la peli y, finalmente, el plano secuencia final que deja sin poderte mover de la butaca. Estas son las dos secuencias que he empalmado en el video con su música correspondiente. Viéndo la secuencia final me vienen 3 ideas extra-cinematográficas. Una, me gusta la trenca o Montgomery de Trevor Howard; dos, de donde caen las hojas si los árboles están totalmente pelados ?, y tercera, que bien enciende el cigarrillo y tira la cerilla Joseph Cotten, me recuerda a John Wayne.

Fred Astaire y compañía. Música y baile

Algo que siempre me ha alegrado el día, han sido las películas musicales y, entre ellas, las de Fred Astaire con cualquiera de sus parejas.. Siempre me acordaré de cuando estudiaba Navales y, en uno de mis frecuentes suspensos, al llegar a casa me puse a ver una peli de Fred Astaire y Ginger Rogers y se me olvidó que me habían suspendido y pasé un muy buen rato.

Ya hicieron esas pelis precisamente para alegrar la vida al personal en la época de la Depresión en USA, y bastante tiempo después siguen alegrándola a muchos. Son películas sencillas, con final feliz, como debe ser, y encima con una música que no se ha vuelto a repetir en la historia. Los mejores compositores americanos, Irving Berlin, Cole Porter, los hermanos Gershwin, Jerome Kern, Oscar Hammerstein, Rogers y Hart, …. hacían las delicias del público con canciones que, desde los años 30 del pasado siglo, se han convertido en la música clásica del siglo XX. Son los standars que tanto los cantantes de ese siglo cómo los músicos de jazz han interpretado y reinterpretado miles de veces y nos siguen pareciendo perfectas.

Según la leyenda de Hollywood, en un informe de una prueba cinematográfica de Astaire con RKO Pictures, pondría: "No sabe cantar. No sabe actuar. Con entradas. Sabe bailar un poco." Según Astaire lo que realmente ponía ese informe era: " No sabe actuar. Ligeramente calvo. También baila". Astaire fue un bailarín virtuoso, capaz de transmitir riesgos despreocupadamente o emociones profundas cuando se exigía. Su control técnico y sentido del ritmo fueron asombrosos. Frecuentemente afirmaba que no sabía cantar. Aunque poseía una voz suave y era admirado por su lirismo, dicción y construcción. La gracia y la elegancia tan apreciada en su baile parecía tener su reflejo en su canto.

Se ha discutido mucho acerca de quien era mejor bailarín, si Astaire o Gene Kelly. La mejor explicación de sus diferencias la dio el propio Gene Kelly, que dijo en una ocasión: “Yo era el Marlon Brando de los bailarines y él era el Cary Grant”. Quién es mejor?. Se podría contestar a la pregunta, preguntando a su vez, Quien te gusta más Brando o Grant?. A mi siempre me ha gustado más Cary Grant. 

Voy a empezar por Ginger Rogers, la pareja de baile más conocida de Fred Astaire, aunque quizá no la mejor bailarina. Esta pareja ya había hecho 5 películas antes que se encuentran entre las mejores de los años 30. Este dueto se filmó en un mismo plano continuo. Al vestido que lucía Ginger se le había añadido peso extra para conseguir un efecto más elegante en los giros. En la primera toma, la manga de dicho vestido golpea a Astaire en la cara, aunque este defecto apenas es perceptible. A pesar de esto, esta toma fue elegida de entre otras veinte para la versión final de la película.

Aquí están Fred Astaire y Ginger Rogers en la película de 1936, Follow the Fleet o Sigamos la Flota, con música de I. Berlin. La canción es Let’s face the music and dance.

Quizá la mejor pareja de baile de Fred, como bailarina, fue Eleanor Powell. Solo lo hizo una vez en la película Melodías de Broadway 1940 con música de Cole Porter. Era una bailarina excepcional y los dos estaban algo cohibidos por la fama del otro.
Begin the Beguine, que la traducción correcta es Empieza el beguine (un tipo de baile) y no "Volver a empezar"; éste baile está considerado como el mejor baile en pareja de la historia. La orquesta que toca la melodía puede ser la de Artie Shaw.

No podía faltar, porque sí y porque soy un fan de Rita Hayworth, alguno de sus bailes. You'll Never Get Rich es otro musical de 1941. Fue el primer papel principal de Rita. Durante su producción salieron unas fotos de Rita en Life Magazine. Una de ellas, con un camisón de raso, llegó a ser uno de los carteles más ampliamente distribuido de todos los tiempos. Lo tenemos en la cabecera de esta entrada.

Fred Astaire siempre reconoció, de forma velada, que su pareja de baile favorita fue Rita Hayworth aunque solo hicieran 2 pelis. En éste baile, una rumba, ella sigue a Fred, pero hay algo que el bailarín no puede controlar: la sensualidad latina de sus movimientos. Las caderas de Rita se mueven sinuosas, añadiendo un elemento inesperado a esa elegante danza. Un sabor especial que Ginger Rogers no poseía. Aquí los tenemos en So near and yet so far de Cole Porter.

Sinnò me moro

Un maledetto imbroglio es una película de 1959, basada en la novela Quer pasticciaccio brutto de via Merulana, dirigida por Pietro Germi, que también hace el papel del policía. Una de las películas policíacas de más éxito en Italia basada en una novela que es considerada una de las más importantes de la literatura italiana contemporánea.
Hoy es difícil conseguir tiempo de saborear,  buscarle diversas lecturas a una película, un libro o una canción pero hace 50 años durante muchos días la película que nos impactaba, su música, el argumento paseaba del corazón al cerebro hasta el cansancio. En el verano del 1961 o 1962, vi en un cine de verano, en un pueblo de Murcia, ésta película y durante mucho tiempo, años, el tema de la película, la trama, la música y Claudia Cardinale alimentaban esos sentimientos  que nunca nos han abandonado y diseñado nuestra forma de sentir. Sólo recordaba el título de la peli, el estribillo de la canción, “Amore, amore, amore, amore mio..” y a CC, hasta que recientemente dí con la película y la canción completas. Y precisamente ayer 7 de junio de 2015 volví a verla y a disfrutar.
En el video, la secuencia final en la que el poli Germi va a detener al asesino, que es un pobre hombre, menos culpable que el resto de los personajes, y en la que el director Germi homenajea a Rossellini con un plano secuencia calcado de “Roma,citta aperta”, mientras suena la maravillosa música de Carlo Rustichelli, y Alida Chelli (hija del compositor) canta en off con voz desgarrada “Sinnò me moro”, una apasionada canción de amor que despelleja el alma, te deja completamente anonadado.
En ésta secuencia final se desentraña todo el misterio y la paga el pobre Diomede. Y la cara de pena de Claudia embarazada, a mí me contagiaba la pena. Y el rostro del policía, que lo siente tanto como los directamente implicados acompañan el final en el que se agradecen los títulos con la Piazza Farnese en un espléndido blanco y negro y la canción de fondo para reposar el dramático final.

Dion and The Belmonts

Un tipo de música alegre y joven es lo que me apetece ahora. Y recordando mis archivos he sacado a Dion con Los Belmonts. Éste fue un grupo de finales de lo 50, la época dorada de la música de los jóvenes en Estados Unidos que se inició con el doo wop (conocido en español con el nombre de du duá). Comenzó en los porches y garajes de las casas de los jóvenes, en pequeñas reuniones de cinco o seis adolescentes que intentaban sorprender a sus novias o adquirir cierta popularidad. Con su expansión, comenzó a practicarse en los callejones y prácticamente en cualquier lugar que pudiera ofrecer un eco que reforzase sus arreglos vocales.

La primera vez que tengo conciencia de haberme entusiasmado con una canción de Dion fue en el 63 con Ruby Baby, aunque en esas fechas ya se había separado de The Belmonts y cantaba con su nombre Dion DiMucci. Desde entonces busqué sus canciones más antiguas y más conocidas.

Su primer gran éxito fue A Teenager in Love de 1959. Es una canción compuesta por Pomus y Shuman autores de un puñado de buenas canciones que antes o después también saldrán aquí.
Es oirla y ver las pelis de High School con los jóvenes en el gimnasio en el baile de fin de curso.

When you Wish upon a Star, es una melodía que logró el Oscar a la mejor canción en la peli “Pinocho” de 1940 de Walt Disney. A partir de la década de los cincuenta, Disney comenzó a utilizar "When you Wish upon a Star" para todos sus proyectos, tanto en los altavoces de Disneyland, como al inicio de cada una de sus películas. Cada vez que se dibuja en la pantalla el castillo de Disneyworld, lo que se escucha es el arranque de esta canción. Hora de que se apaguen las luces, y el proyector comience a bombear imágenes a veinticuatro sueños por segundo. Dion y The Belmonts la sacaron en 1960.

De 1960 es Runaround Sue. Aquí Dion ya se había separado de The Belmonts ya que él quería hacer música más rockanrolera. Y ésta tiene su buena marcha y si no bailas con ella es que estás medio muerto.

The wanderer, también del 60. Siempre que veo estos video me pregunto cómo el público puede estar sentado sin bailar con ésta pieza. 
Es el tipo de música que se llamaba “rock lento”.

Y aquí Ruby Baby del 62 y que durante el curso 63-64 llegó a escucharse y yo conseguí hacerme con ella, no sin bastantes esfuerzos.

Françoise Hardy

La noche del 30 de octubre de 1962, en la única cadena de TV francesa, en blanco y negro, ante un gran número de espectadores que esperaban los resultados del referendum para modificar la Constitución, en un intermedio musical aparece Françoise Hardy interpretando Tous les garçons et les filles. Al día siguiente sonaba con preferencia en todas las cadenas de radio y todo el mundo se preguntaba quien era esa chica.

Desde luego los encargados de marketing de los discos Vogue, tenían muy buena vista. El momento era importantísimo políticamente. De Gaulle quería cambiar la constitución francesa para cambiar el modo de elegir al presidente de la república y no todo el mundo estaba de acuerdo. Así que el resultado del referendum estaba siendo esperado por toda Francia. Fue el acabose. Hasta en España que no estábamos muy al tanto de lo que pasaba por ahí, y menos a los 15 años, nos quedamos, los próximos a esa edad, enganchados. En aquella época, en la mayoría de los colegios, el idioma que se estudiaba era el francés y, aunque también escuchábamos canciones americanas, las francesas nos eran más próximas.

Además, Françoise Hardy siguió sacando discos a cual más delicioso. A mí me gustó entonces y me sigue pareciendo la mejor de todas. Además me pareció enormemente atractiva. De hecho, mi novia tenía un aire muy similar.

En el Festival de Eurovisión de 1963 representa a Mónaco con la canción L'amour s'en va, que quedó la 5ª. Ya se sabe que no siempre gana la mejor. En éste video viene su actuación en la final.

Ton meilleur ami del 64, fue una de sus primeras canciones. A alguien muy cercano a mi, le regalaron éste disco sin que me hiciera mucha gracia por la letra y lo que podía dar a entender.

No podía dejar de poner esta de 1965, L’amitié. A mí me deja embobado el verla y oirla. Aunque repita la visión de los videos, siempre me deja enganchado.
El final de la película Las invasiones bárbaras, bastante turbador, se suaviza con ésta canción y te quedas inmovilizado pensando y escuchando.

Ma jeunesse fout le camp de 1967, resulta un tanto curioso que con 23 años diga que su juventud se ha ido a tomar…. Cuando la compuso acababa de romper con su pareja. Casi siempre sus canciones son tristes o melancólicas. También es verdad que su niñez fue un tanto dura.
Pero la canción es encantadora.

Mon amie la rose es del 64 aunque éste video es algo posterior. Continúan sus canciones y su imagen que encandilan.

Tu ressembles à tous ceux qui ont eu du chagrin de 2003. Pasan los años y su estilo se mantiene. Las letras siguen siendo las de una enamorada o des-enamorada y sigue entusiasmándome.

Ésta canción es prácticamente inédita. Se realizó en 1968 y es de Phil Spector cantante, autor y productor de muchísimos cantantes y grupos de fama con un sonido siempre característico. Sag warum se hizo famosa a principios de los 60 por Camillo y aquí la canta Françoise Hardy con el título original Oh why. Aunque la pieza original proviene de la ópera Los pescadores de perlas de Bizet, del aria Je crois entendre encore.

En el verano del 63 la escuché por primera vez y quedó entre mis favoritas.

Oh! Why - Françoise Hardy

En 1988 afirma que éste será su ultimo disco, luego no será así, y alcanza el disco de oro en pocas semanas con Partir quand même que también se hizo conocida por su versión a dúo con Julio Iglesias.

Su último disco, de momento, está bastante enferma, es de 2012, L'amour fou y también resulta tan tierno y triste como todos.

Y para terminar, que ya está bien, una canción que en 2007 cantó junto a Alain Bashung, compositor francés muy conocido actualmente.

Que reste-t-il de nos amours es una canción de Charles Trenet de 1943 y es de lo más conocido de la chanson francesa.

Refleja la melancolía por el tiempo pasado y los amores perdidos.